Recordando a Atanes

Des de este espacio hemos ido informando sobre las novedades del cine independiente. Un giro muy interesante lo provoco una linea perpendicular llamada Carlos Atanes.
Actualmente el director esta muy cerca de ver la luz en la distribución de su ultima obra PROXIMA, a la vez que la editorial Lulu, le ha editado 4 recomendables libros.
Investigando más por la red, me encontrado con una de las primera entrevistas que lei del director, justo despues de rodar Faq. Personalmente me continua fascinando... Ahy va:

ENTREVISTA A CARLOS ATANES
por Francisco José Súñer Iglesias

¿Quién es Carlos Atanes?

Un tipo de Barcelona que pesa ochenta quilos y que hace películas cada vez más largas cuando puede y como puede. Es feliz leyendo a Lem y a Lovecraft y viendo películas de Werner Herzog y de Segundo de Chomón. Aborrece las pesadeces de Tim Burton y Los Anillos de Peter Jackson. Ama los gatos y el buen yantar. De pequeño quería ser astronauta. En la actualidad sabe mover las orejas pero no silbar fuerte. Es la reencarnación de Charles H. Hinton, el matemático bígamo que intentó convencer al mundo de que existe una cuarta dimensión espacial. Acaba de terminar un largometraje titulado FAQ.

Peliculero y lector de Lem ¿Qué obra de Lem te gustaría adaptar, o al menos, cual consideras más cinematográfica?

Hace bastantes años, cuando leí MEMORIAS ENCONTRADAS EN UNA BAÑERA, pensé que era necesario, imprescindible, ¡urgente!, que alguien hiciera una película de ella. Aún pienso que debe hacerse. Pero si tuviera que elegir una novela de Lem para rodar ahora, escogería EL FRACASO. El título no es muy comercial, y probablemente el argumento tampoco. Pero he leído pocas cosas tan sugerentes, inquietantes, hipnóticas y fascinadoras como EL FRACASO. La he recomendado todo lo que he podido, pero creo que no es fácil de encontrar. Ni siquiera sé si la ha leído alguien, a parte de Lem, el traductor y yo. Recomiendo encarecidamente su lectura a todos los amantes de la ciencia-ficción, y de la literatura en general. Lem sí que sabe.

Maria Antonieta, La Ninette de Sofia Coopola

Desde su aparición como directora en la escena cinematográfica con su cortometraje Lick the Star, el estilo narrativo de Sofía Coppola se sustenta en un falso new wave de tono glamoroso, que a parte de no ser coherentemente novedoso, posee demasiadas contradicciones en su base conceptual. En cierto modo este conflicto encuentra sus origines de planteamiento en la definición de belleza de Baudelaire y sobretodo el concepto de modernidad, en contraposición a lo actual, lo contemporáneo y lo “inmortalmente” moderno. En el caso de Maria Antonieta, el mayor problema surge del método de representación y estilo que apuestan sus films, ya que se encuentra vinculado a un alto grado de sensacionalismo en donde la utilización de ciertos recursos didácticos para agilizar y rellenar los hilos argumentales, que en la mayoría de casos no provienen de un guión muy complejo ni manierista, repercute directamente en la justificación de los propios elementos didácticos, o sea un truco fácil y efectista que peca de gratuidad.

Noche de vino tinto de José Maria Nunes (1966)

“No lo hice, eso, a lo que titulé Noche de vino tinto para decir algo. No se me ocurriría jamás utilizar el cine para decir cosas. El cine como medio no sé lo que es.
Tampoco sé lo que es el cine. (...)
Y escribo con miedo esto en que parece ser que intento hablar de mi Noche de vino tinto; porque no se escribir como se debe escribir. Ni hacer cine como se debe hacer.
Si se escribir lo que quiero decir.
Y sí se hacer cine; como quiero hacerlo.
Con libertad. Mi libertad. Sin presiones de grupo, sin tendencias, sin propósitos de rebeldía, sin intenciones, sin actitudes, sin posturas reflejas.

La muerte del cine de Paolo Cherchi Usai por A.P.M

Amb La muerte del cine, ens trobem davant d’un volum que fuig de la argumentació, sovint reiterativa i confusa de la teoria cinematogràfica (que dóna la impressió que tan sols es dirigeix a un grup molt concret i reduït de la població), per penetrar en el camp de la insinuació, del diàleg obert i la reflexió. L’objectiu de Cherchi Usai recau en provocar el conflicte en el lector i que sigui ell mateix el que el resolgui, mediti i tregui les conclusions pertinents. Un procés inductiu que recorda en certa manera la maieutica de Socràtes, ja que prefereix no donar respostes o explicacions extremadament concretes per què sigui el receptor qui a través de les seves preguntes, descobreixi el sentit original del contingut emès.
Cherchi Usai, actualment és el director de la National Film and Sound Archive de Austràlia i director de la revista Segnocinema. Al llarg de la seva trajectòria professional ha estat director del Motion Picture Department de la George Eastman House, professor i conferenciant a varies Universitats i cofundador del Festival de Cine Mut de Pordenone i de Domitor. Com a escriptor, apart dels seus articles a Segnocinema i a Comunicazioni di massa, on entre altres, ha editat una guia per la restauració i conservació, Cherchi Usai ha escrit varis llibres, que sempre s’han endinsat dins el complex que relaciona el cinema amb el concepte de memòria fílmica, dels quals destaquem Una passione infiammabile. Guida allo studio del cinema muto i Silent Cinema: An introduccion

Capote de Bennet Miller

Con Capote nos encontramos delante de un biopic que, más allá de narrar una parte de la biografía del magno y venerado escritor Truman Capote, no aporta nada nuevo, en un sentido lingüístico y de idea. A lo largo de toda la historia del cine podemos ver un gran número de películas que se centran en la vida de personajes ilustres o de cierta repercusión social. Des de “El joven Lincon” de John Ford hasta la reciente Kinsey de Bill Condon, el cine ha convertido en película las vidas de Rembrand, Van Gogh, Jerry Lee Lewis, Jackson Pollock, Ed Wood, Ray Charles, Frida Kalho… y un larga, largísima lista más. Así pues, lo único que se le podía exigir a Bennett Miller al afrontar su primera película de ficción, era un poco de conciencia histórica respecto al género de las biografías y, a partir de ese punto, incorporar nuevos elementos escénicos, cuidar los puntos de giro de las tramas, etc… y por otra parte, establecer una coherencia estilística y argumental con la prosa de Truman Capote y en especial con A sangre fría, ya que el presente film utiliza una puesta en escena y un tono en la narración que podría utilizarse para cualquier filme de género, sin aprovechar la búsqueda sociológica o antropológica del nuevo periodismo que impulsó el escritor estadounidense. Es curioso observar que el género del biopic se encuentra en auge en un momento de mimesis narrativa.
Benett Miller es conocido principalmente por sus trabajos en publicidad y por The Cruise (1998), documental que narra la vida de un guía turístico de ómnibus en Nueva York y que le dio varios premios importantes en Berlín y Newport. Ya durante la gestación de este, Miller junto a su amigo Dan Futterman empezaron a dar vueltas sobre el texto de Gerald Clarke “Capote” que, inmediatamente coincidieron en que su también colega Philip Seymour Hoffman seria el protagonista.

Pickpocket (El carterista) de Robert Bresson por Albert Pons (en catalán)

Si observem la cartellera actual, ens trobarem amb dues pel•lícules que més enllà de la temàtica, coincideixen amb molts aspectes amb Pickpocket de Bresson: Oliver Twist de Román Polanski i El niño de Jean Pierre i Luc Dardenne. Per una banda, la aproximació a Dickens ens introdueix al món dels carteristes, a la vegada que en un cert to metafòric estableix una forta connexió amb el nostre present polític i social a través de la crítica a la justícia, etc.. En el cas del El niño, els germans Dardenne, a més de plantejar la mateixa temàtica, deixen la cinta impregnada de referències al film de Bresson, tant en el plantejament estructural del guió, com en la posta en escena. Així doncs, sembla un bon moment perquè tots els cinèfils revisem aquesta gran obra del cinema, que a banda d’impulsar la nouvelle vague francesa, queda clar que encara manté la mateixa força, el mateix interès dramàtic i que tot i estar realitzada l’any 1959 continua estan al punt de mira que projecta el cinema actual sense patir la lapida temporal.

El niño de Jean Pierre y Luc Dardenne por Albert Pons

Últimamente son varias las películas de producción o coproducción francesa que sorprenden por su calidad dramática, por la radicalidad en los sistemas de producción y la búsqueda de renovación en el lenguaje cinematográfico. Teniendo en cuenta que Francia lleva consigo toda la historia del cine como tradición y que la industria estadounidense ocupa gran parte de las pantallas de países europeos, causa verdadera emoción al espectador cinéfilo encontrarse con joyas como Les amants réguliers de Philipp Garrel o la presente L’enfant de los cada vez más conocidos hermanos belgas Jean Pierre y Luc Dardenne.

La pesadilla de Darwin de Hubert Sauper (2004) por Albert Pons

Más allá de sus cualidades estéticas, narrativas o de coherencia y equilibrio entre ellas, la novena película del director austriaco Hubert Sauper, reluce y causa admiración por la capacidad de denuncia, de crítica y de indignación, que desprende en esta estremecedora cinta la mirada de su autor. Sin poseer ninguna sólida manifestación de intenciones plásticas, ni en el montaje, ni en la fotografía, Sauper introduce una mirada antropológica, humanista y de denuncia, donde deja latente que el cine no responde tan solo a finalidades educativas o de ocio.

Los sexoadictos por Albert Pons

Los sexoadictos de John Waters (2004)

Hermanos… ahora daros mucho más sexo y váyanse en paz!

Aunque quizás parezca un paralelismo que huye de la orbita terrestre, Los sexoadictos posee un gran valor critico sobre la religión. Por ese motivo, su director John Waters, utiliza los mismos códigos que el cristianismo: la exageración y lo irreal, o sea el milagro.
La nueva religión responde a un grupo de terrícolas, Los sexoadictos, que influenciados por un golpe en la cabeza se les revela un objetivo, una misión, en un marco social donde sus vidas se encuentran perdidas, envueltas por la crisis rutinaria. La resolución total de esa misión parte de la protagonista Tracey Ullman, que es bautizada como el doce apóstol, con la misión de encontrar un orgasmo supremo.

Habana blues de Benito Zambrano por Albert Pons

Desde su aclamada opera prima Solas (1999) hasta la presente Habana blues (2005), el director de Lebrija Benito Zambrano, había realizado tres capítulos para la serie televisiva Padre Coraje, con la que obtuvo un resultado satisfactorio, tan artísticamente como en el ámbito social, pero que le mantuvieron alejado de la cartelera cinematográfica durante seis años. Así, esta incursión televisiva, se puede ver como un aspecto positivo, desde el punto de vista de la experimentación y búsqueda de otros lenguajes y reglas de juego (también económicamente), pero a su vez ha repercutido negativamente en relación a la difícil valoración global de la obra de Zambrano, ya que hasta la presente Habana blues tan solo poseía un film y un cortometraje (El encanto de la luna llena, 1994), con lo que faltaban elementos para trazar denominadores comunes y establecer cuestiones de estilo y valoración de su obra.

Kinsey de Bill Condon por Albert Pons

Si centramos la atención en las últimas producciones norte americanas que últimamente han llegado a las pantallas españolas, es inevitable establecer referencias y/o paralelismos entre el denso número que parten de la biografía como denominador común, y que ponen de manifiesto las intenciones de la industria hacia un acercamiento al género del biopic. Desde El aviador de Scorsese, con el productor y director Howard Hugues en el punto de mira, hasta Kinsey, han pasado Alejandro Magno en Alejandro Magno, J.M Barrie en Descubriendo Nunca Jamás y Ray Charles en Ray; en un periodo aproximado de tres meses. Este pequeño ciclo, que sigue los pasos de Freud de John Huston, Rembrand de Alexander Korda, (…), parte en su esencia, de un acercamiento al cine de la no ficción, teniendo en cuenta que se consolida como la reconstrucción de hechos reales y que a su vez, el espectador digiere la historia en un friso pseudo histórico a diferencia de cualquier obra de ficción respaldada en la fantasía o el imaginario ficticio.

TEAM AMERICA : World police (Team América: La policia del mundo) Trey Parker por A.P.M

Después de inundar las casas de muñequitos, llaveros, bolis y tazas de los personajes de la serie y película “South park” (Trey Parker, 1999), que pasó con cierta aceptación en las pantallas españolas gracias a su mirada critico-cómica sobre la sociedad estadounidense; Parker y el guionista Matt Stone vuelven con “Team america: World police” un filme que se presenta como una sátira sobre el comportamiento americano, principalmente en relación al posicionamiento que ha tomado frente al terrorismo.