Seamos felices

¿Por qué será que siempre nos empeñamos en desperdiciar nuestro breve paso por el mundo en ser desgraciados?
Si, ya sé, se pueden decir muchas cosas negativas de esta trasnacional, pero... es un comercial excelente, de eso no cabe duda.

Taking Chance: el adiós a un soldado

Taking Chance es una de esas películas que pasan en silencio y que sin embargo están cargadas de mensajes que nos llevan a muchas reflexiones.
La historia es muy simple. Basada en hechos reales, se narra la experiencia del Teniente Coronel Michael Strobl quien se ofrece de voluntario para escoltar el cadáver de un joven soldado caído en Irak y que es del mismo pueblo que Strobl. La película narra el viaje y el cumplimiento exacto del solemnísimo protocolo que tiene determinado el ejército estadounidense para estos casos. Un protocolo que es bastante impresionante y que empieza desde el momento en que se le avisa a los familiares del deceso. El cadáver del caído se atiende y es movilizado con honores y con todo el respeto que se merece.
Y esa es toda la historia. No hay contratiempos, no pasa nada inusual. Sin embargo, para el Teniente Coronel Strobl no deja de ser una experiencia reveladora (como lo es todo viaje), de cómo el común de la población reacciona ante la vista y/o el conocimiento de un soldado caído. Hay que tomar en cuenta que los medios estadounidenses tienen prohibido presentar las imágenes de los cuerpos que vienen de los frentes de guerra. Por lo tanto, lo presentado en la película es una realidad vivida por muchos pero realmente vista o conocida por pocos. Esto me hizo preguntarme cuántos soldados han perecido en Irak. Y cuando uno se mete a buscar la cifra en internet, varía tanto que es difícil dar un dato fidedigno.

Across the Universe

Jude cruza el océano con la idea de encontrar a su padre en los USA. Allí conocerá a Max, con quien se irá a vivir a Nueva York. Ambos alquilan un cuarto en el apartamento de Sadie. Lucy, la hermana de Max, se les reunirá un poco más adelante. Conocerán a Prudence, quien entrará por la ventana del baño al apartamento y a Jo-Jo, el nuevo guitarrista de la banda de Sadie...
Si todo esto le suena familiar, pues sí... Across the Universe es una historia escrita y cantada en clave “beatle”, llena de guiños y referencias a las canciones de los Beatles pero incluso a momentos reales de la vida de los cuatro de Liverpool.
La historia, que ocurre en los años 60, tiene como trasfondo histórico las luchas de las libertades individuales y civiles en los USA, los disturbios de Detroit, la guerra de Vietnam, los Black Panthers y la era psicodélica. Todo ha sido fusionado y amenizado con versiones muy originales de las ya clásicas canciones, interpretadas por cantantes de muchísimo talento pero virtualmente desconocidos por el gran público. Por ejemplo, ¿quién diría que una canción tan yeah yeah yeah como “I wanna hold your hand” pudiera tener una versión tan romántica y conmovedora como la que se escucha en esta película?
Joe Cocker, Bono y Salma Hayek aparecen por ahí cantando. Hay además una estética plástica muy especial en algunas de las escenas, como por ejemplo, durante “I want you”, mientras Max pasa por el proceso de reclutamiento antes de ir a Vietnam. O el viaje psicodélico (y de autobús) que hace el grupo de protagonistas con el Dr. Robert, interpretado por Bono, mientras canta “I Am The Walrus”. “Because” tiene una coreografía visual (o mejor dicho, acuática) exquisita. Y los efectos del circo en “For the Benefit of Mr. Kite” son buenísimos.
Los estudios Apple serán los estudios Strawberry, y al final, por supuesto, deberá haber un concierto en un tejado para finalmente concluir que “All You Need is Love”.
No sé cómo se sentirá la película para alguien que no es fan ni conocedor de The Beatles, pero quiero creer que podrá ser una película atractiva para todo el que guste de la buena música y de la belleza plástica. La historia es quizás algo sencilla, por no decir un poquito cursi y predecible, pero qué les puedo decir. Uno queda atrapado en la fascinación de la música, en el hilo conductor de las canciones y los personajes, en la estética visual y quizás lo más importante en estos tiempos de tanto desasosiego, con un poquito de miel en el corazón, con nostalgias sentimentales y con la renovada esperanza de que el amor siempre lo podrá lograr todo, aunque en el fondo sabemos que eso no es más que una sublime quimera.

(Consultar los horarios de HBO para próximas presentaciones).

Shooting Dogs

La hipocresía de ciertas instituciones y gobiernos en cuanto a su manera de reaccionar ante ciertos acontecimientos queda al descubierto una vez más en la película Shooting Dogs.
La película se enfoca en los sucesos de 1994 en Ruanda y en el genocidio contra los tutsis ejecutada por los hutus. En poco más de 100 días fueron masacrados casi un millón de tutsis, la mayoría a machetazos. Todo esto ante la indiferencia mundial y ante la inútil presencia de los Cascos Azules de las Naciones Unidas. Y digo “inútil” porque bien conocida fue la actitud del organismo al establecer el mandato de no disparar a menos que fueran agredidos directamente y que se limitaran a mantener “la paz”, una paz que no existía por ninguna parte.
Ya existen otras películas y documentales que hablan sobre esta tragedia y que ya he comentado aquí.
Sin embargo, me parece que Shooting Dogs plantea el conflicto con elementos nuevos y más brutales que los que habíamos visto. La película se centra en lo ocurrido en la Escuela Técnica Oficial, donde en su momento tomaron refugio miles de tutsis debido a que allí se encontraba un contingente de Cascos Azules. Allí, pensaban, estarían seguros. La Escuela, manejada por un padre católico, se convierte en un enorme campamento de refugiados y afuera de sus verjas, los hutus permanecen amenazantes, esperando la menor circunstancia para eliminar a los “cucarachas”, como dieron en llamar a los tutsis.

Madeinusa

En un pueblito remoto del Perú se celebra en Semana Santa “el Tiempo Santo”: desde las 3 de la tarde del Viernes Santo hasta las 6 de la mañana del Domingo de Resurrección se puede hacer de todo y no será considerado pecado por Dios. ¿Por qué? “Porque Dios está muerto. No puede ver”.
El Tiempo Santo es definido y celebrado de manera sincrética entre lo católico y lo indígena. Entre pólvora, máscaras, bailes, alcohol, comidas, libertinaje sexual, robos y váyase a saber cuánto más, los habitantes del lugar aprovechan para hacer lo que durante el resto del año no se puede.
A este pueblo llega un día Salvador, un geólogo de Lima. Se queda trabado en aquel lugar debido a que el camino que lo llevaría a su verdadero destino tiene un problema y no se puede seguir. Llega en el justo momento en que una muchacha llamada Madeinusa, la hija del Alcalde, es declarada “la virgen más bonita” y será la que encarnará a la Virgen María en las procesiones correspondientes.
Éste es el marco de la historia de la película Madeinusa, escrita y dirigida por la peruana Claudia Llosa, una película que me parece una buena reflexión sobre la doble moral que nos rige a los humanos, no importa en qué parte del mundo vivamos.

Casa de arena

En 1910, Áurea, embarazada de pocos meses, es llevada hasta una zona desértica del Brasil donde su esposo pretende instalar una población. Los acompaña doña María, la madre de Áurea. Luego de que los colonos que acompañan a la pareja escapan y que el esposo muere accidentalmente, las dos mujeres quedan solas y sin alimentos ni recursos en aquel paraje desolado y deshabitado.
Buscan apoyo en una comunidad cercana, donde viven descendientes de esclavos. El negro Massu las ayudará a conseguir comida y también, poco a poco, en la sobrevivencia práctica.
Pero Áurea se resiste a vivir allí para siempre y busca, afanosa y obsesivamente, la manera de regresar a la civilización. La esperanza está en Chico do Sal, un viejo mercader que viaja hasta aquella remota región para comprar sal. Poco a poco, Áurea negocia y ahorra como para emprender el viaje, pero Chico muere. ¿Perderá con ello Áurea su oportunidad de regresar a la ciudad?

Paprika

Los amigos del animé estarán de fiesta este mes de agosto pues Cinemax estará presentando, cada miércoles, una película de este género tan popular.
La primera, presentada anoche, fue Paprika de Satoshi Kon. Kon es el escritor y director de otros populares animés como Tokyo Godfather’s y el primer segmento de Memorîzu, que hemos comentado por aquí antes.
Paprika es una historia “simple” con una representación tremendamente compleja: el DC Mini, una máquina en fase experimental que permitiría a terapeutas entrar en los sueños de sus pacientes para ayudarles a sanar patologías psiquiátricas, ha sido robado. El ladrón está interviniendo en los sueños de los científicos, pero también en los de otros, incluso en los sueños colectivos. No sólo hay que descubrir al ladrón, sino por supuesto, detenerlo.
Me parece que éste es el animé más complejo que yo haya visto y confieso que hubo momentos en que me perdí, pero creo que ésa es un poco la intención del director. Donde el espectador se pierde es en saber cuál es la realidad y cuál el mundo de los sueños, qué es lo que se sueña en lucidez y qué en el dormir, cuáles son nuestros íntimos sueños individuales y su simbología personal que solamente nosotros podemos comprender, y cuáles son los sueños de la colectividad (sea del grupo familiar, de los amigos, de los colegas, de los habitantes de la ciudad).

Metoroporisu

Tenía mucho tiempo de querer ver este animé japonés, cosa que apenas logré el pasado fin de semana. Basado en un manga de Osamu Tezuka, con un guión de Katsuhiro Ôtomo y dirigido por Rintaro, el largo animado (cuyo título en español es Metrópolis), cuenta una historia que se desarrolla en diversos planos pero toda transcurre en una ciudad del futuro, Metrópolis, en la cual conviven humanos y robots por igual.
Un detective privado es contratado para detectar a un científico que se sospecha está traficando órganos. Para lograr este cometido, el detective se acompaña de su sobrino Kenichi. Mientras tanto, el Duque Rojo encarga al Doctor Laughton la construcción de un cyborg, que tenga como modelo a su fallecida hija. Pero Rock, el hijo del Duque, siente celos y quema el laboratorio de Laughton. Éste fallece, todo el lugar es destruido, pero la cyborg, llamada Tima, logra salvarse gracias a Kenichi.
Comenzará así la persecución de Rock para encontrar a Tima y destruirla, antes de que la encuentre el Duque. Mientras tanto, en la ciudad, un movimiento de rebeldes se organiza para rebelarse contra el orden imperante y para destruir a los robots, ya que por su presencia no hay empleos ni suficiente alojamiento. Los robots por su parte también quieren insubordinarse contra los humanos, que los han condenado a las labores más sucias (como vivir en el nivel 3 de la ciudad, correspondiente a las cloacas) y a ser sacrificados sin más según el capricho humano.
El elaborado guión transcurre en un escenario urbano extremo. Es inevitable notar que no se deja ver ni un poco de verde (ningún árbol, ningún parque hay en esa ciudad). El ambiente de la ciudad, aunque colorido, no deja de ser opresivo en ese sentido. La ciudad tiene una presencia majestuosa (dibujada hasta el mínimo detalle) y adquiere carácter de personaje, un testigo mudo de lo que viven robots y humanos que parecen hormigas dentro de su inmensa entraña de metal y cemento.

Un largo y doloroso camino

El cineasta chino Zhang Yimou nos ha acostumbrado a películas históricas bastante majestuosas como La maldición de la flor amarilla. Más recientemente también nos ofreció un par de espectaculares historias de artes marciales, Héroe y La casa de las dagas voladoras. Tampoco hay que olvidar sus primeras producciones, Sorgo rojo y La lámpara roja, ambas excelentes.
En lo personal me sorprendió mucho ver Riding Alone for Thousands of Miles (que en español lleva el título de Un largo y doloroso camino), una película situada en tiempos modernos, bastante intimista y con algunos detalles de particular emotividad.
El señor Takata, un pescador que vive en un lugar aislado (por cierto, muy precioso), viaja a Tokyo a intentar ver a su hijo Kenichi quien está internado en el hospital, muy enfermo. Pero el hijo no quiere verlo. La nuera intenta mediar entre ambos, pero sin mucho éxito. Para ayudar a Takata a “conocer un poco mejor a su hijo”, le da una cinta de video hecha por Kenichi, un reportaje sobre óperas chinas hechas en un pequeño pueblo de la provincia de Yunnan.
A Takata se le ocurre que debe ir a aquel pueblo chino a cumplir lo que Kenichi le prometió a uno de los cantantes: volver al año siguiente para escucharlo cantar una ópera que se llama El largo camino y filmarlo.
A partir de ahí, la película se convierte en un road movie, combinada con una extraña sucesión de eventos, algunos de los cuales se tornan bastante absurdos pero que resultan comprensibles dentro del contexto de la historia.
Finalmente, como en toda historia de viajes y búsquedas, el personaje central descubre un poco algunos aspectos que le eran totalmente desconocidos de su hijo pero al mismo tiempo, descubre aspectos nuevos en sí mismo.

Recuerdos de Semana Santa

No sé por qué tenía cierta ansiedad por las películas de Semana Santa de este año. Tenía antojo por repasar algunas películas que, por regla, los canales de televisión centroamericanos (y no sé si los del resto de Latinoamérica), nos recetan en dosis concentradas durante esos días.
Sentí que este año, la dosis se reconcentró entre jueves y viernes santos y que los demás días transcurrían casi como si fueran días normales. No cabe duda que, año con año, se desgasta más el sentido de esta efemérides. Cuando era niña, la Semana Santa era casi como una semana muerta. No se debían hacer muchas cosas como cantar, reír, bailar o vestir “atrevidamente”. Jueves y viernes santos no había ninguna emisora de radio trabajando, nada más Radio Nacional y si acaso, un par más, transmitiendo música sacra o fúnebre y sólo por algunas pocas horas (creo que ya para las 5 o 6 de la tarde, la transmisión concluía).
A las procesiones se iba con mantilla (o sea, las mujeres nos teníamos que poner un trapito sobre la cabeza) y era una cosa super solemne. Los negocios estaban cerrados, muchos desde el lunes santo y casi de manera obligatoria a partir del miércoles al mediodía. Muchos se iban a “temporar” a la playa y la ciudad quedaba solitaria. La carretera donde vivíamos también quedaba en silencio absoluto. No había buses, no había funciones de cine, los supermercados y las tiendas estaban cerrados, no había lugar donde comprar comida y había que abastecerse con tiempo, pues lunes y martes de pascua todavía había gente de vacaciones y los supermercados tardaban en reabastecerse. Parecía que ni el viento soplaba...
Pero los tiempos han cambiado. Y aunque mucha gente sale a descansar desde el lunes, todo funciona con bastante normalidad y hasta los supermercados están abiertos.

Secuestro Express

Alguien me había advertido con inusual vehemencia que por favor, bajo ningún concepto fuera a ver jamás esta película de lo pésima que era. Confiando en el criterio de quien me lo dijo, no la fui a ver al cine ni alquilé el DVD. Pero el fin de semana la pasaron por Cinemax y pensé ver aunque fuera el comienzo, advertida de lo horripilante que iba a ser. Sin embargo, me llevé una buena sorpresa y la vi hasta el final (y me pasé preguntándome casi toda la película por qué me habían dicho que era tan mala...). Tampoco voy a decir que sea una obra maestra, pero la película tiene varios aciertos aunque también, algunos fallos.
Secuestro Express narra lo que por desgracia es una de las formas de criminalidad más usuales en estos tiempos en Latinoamérica, el secuestro de alguien por unas pocas horas para sacarle algo de plata. Situada en Caracas, en tiempos de Chávez, la película narra el secuestro de Carla y su novio Martin por 3 malandros que se los llevan en la lujosa camioneta que maneja la muchacha. A partir de entonces empiezan lllamadas a la familia para pedir el rescate y las vueltas por la ciudad para matar el tiempo hasta el momento de recibir la plata.

Breakfast on Pluto

Hay actores que, por un motivo u otro, me disgustan profundamente aunque sean buenos. Por ejemplo, Cillian Murphy nunca me gustó. Su rostro me es totalmente repelente, me perturban mucho esos inmensos ojos azules (pero me perturban negativamente), me pareció siempre un tipo insoportable a la vista. Quizás me ganó la antipatía porque como villano se hace odiar. Pero hay que decir que Murphy ha sabido sacarle harto provecho a su ambiguo y casi asexuado rostro. Y cambié profundamente mi opinión sobre él cuando lo vi en The Wind that Shakes the Barley. Pero viéndolo esta semana en Breakfast on Pluto lo declaro oficialmente uno de mis actores favoritos.
En esta última película, Cillian Murphy interpreta a Patrick “Kitten” Braden, quien apenas un bebe es abandonado a la puerta de una iglesia. El padre Liam (interpretado por Liam Neeson) le consigue un hogar donde crecer. Pero desde niño, Patrick manifiesta una especial pasión por lo femenino: se viste con ropa de su hermana y su madre adoptivas, tiene modos y maneras muy suaves y también, una precoz imaginación.
A través de 30 breves episodios, Kitten misma (con la ayuda de un par de simpáticos petirrojos) nos cuenta su vida en clave de comedia negra, desde su infancia y adolescencia en un pequeño pueblo irlandés, hasta su llegada a Londres a donde parte un día decidido a encontrar a su madre. Ya para entonces, Kitten es un travesti consumado que logra, a pesar de la negativa y los insultos de la sociedad, lidiar bien con su identidad sexual. Pero en el mundo están pasando cosas “serias, serias, serias” (como se burla Kitten): son los años 70 y el IRA está en plena actividad.

13 (Tzameti)

¿Qué estamos dispuestos a hacer por dinero, sobre todo cuando nuestra situación es extrema, precaria, casi insoportable?
Sébastien trabaja arreglando casas, es inmigrante y vive con su familia en situaciones algo precarias. Ha recibido un encargo para arreglar el techo de una casa, pero sus habitantes, una pareja algo extraña, no pueden pagarle: el hombre muerte de una sobredosis de heroina y la mujer deberá partir pues la casa será vendida pronto por su cuñada.
Sin embargo, Sébastien ha escuchado que había un “negocio” que el hombre debía hacer, para lo cual ha recibido un boleto de tren y una reservación de hotel. Sébastien, de manera involuntaria, se hace del boleto y decide ir para averiguar de que se trata el posible negocio.
Luego de un viaje y algunas llamadas, se da cuenta que lo que hay detrás del dinero es un juego y fuertísimas apuestas. ¿El juego? Una variante bastante espeluznante e inimaginable de la ruleta rusa...
13 (Tzameti) es una estupenda película de suspenso dirigida y escrita por Géla Babluani, originario de Georgia. Ésta fue su primera película, que dirigió a los 26 años.
Uno de sus aciertos es que está en blanco y negro. El color es totalmente innecesario, puesto que permite al espectador concentrarse en la trama totalmente; la ausencia de color contribuye además al ambiente muy oscuro de la historia y sus personajes.

"Otro mundo" y la olvidada calidad de vida

La Deutsche Welle TV está presentando una interesante serie llamada Otro mundo. Se trata de un documental en varias partes que documenta la vida de 5 personas de diferentes procedencias y culturas que han migrado a Alemania y que intentan abrirse paso, instalarse y lograr su documentación migratoria.
Una mujer iraní, un hombre de Togo, un cantante de coro ruso, un chino y una mexicana conforman el variado grupo que la serie va siguiendo en las tareas y las inquietudes que sus nuevas vidas les plantean.
Por mis vínculos con Alemania y por haber vivido y viajado varias veces allá, me identifico por supuesto con muchas de sus vicisitudes. El shock cultural resulta muy fuerte, sobre todo cuando no se ha estado antes en un país europeo.
La iraní por ejemplo se sorprende de ver que las mujeres en Alemania pueden trabajar en oficios como la panadería, cosa que en Irán no es permitido. El muchacho del Togo, que además es refugiado político, se aferra a su religión, el islamismo, para no perder su centro y su identidad. El ruso, encima de tener las tribulaciones de comenzar una nueva vida en otro país, tiene ahora que enfrentar el abandono de su esposa que se ha ido con su pequeña hija pues se ha enamorado de otro hombre.
Pero hubo un detalle que me dejó pensando más que los otros. La mexicana, Florina, llegó a Alemania para trabajar como guía en el Mundial de Futbol y se quedó. En una escena, la vemos nadando en un río y dijo algo que me impresionó: dice que allí en Alemania puede hacer cosas que en México nunca pudo ni podría hacer, cosas como ir a caminar, como ir a nadar o tomar vacaciones.

Equilibrium

¿Se han preguntado alguna vez cuál es la causa de todos los conflictos del ser humano, los conflictos mundiales, personales, sociales? ¿Cómo sería la vida de la humanidad si pudiéramos librarnos de los sentimientos, de los celos, del odio, de la avaricia, del orgullo, la lujuria, pero también del amor, de la compasión, de la alegría? ¿Viviríamos mejor? ¿Cómo sería capaz la humanidad de progresar, qué haríamos en nuestro día a día? ¿Qué llenaría nuestros días, cómo serían nuestros sueños, qué esperaríamos de la vida y del futuro? ¿Existiría el arte?
En un país llamado Libria, en los primeros años del siglo XXI, después de la Tercera Guerra Mundial, se han logrado erradicar los sentimientos de los seres humanos. Deben inyectarse todos los días una dosis de Prozium, una sustancia que los hace totalmente insensibles y de esa manera, la sociedad se mueve y desarrolla con exactitud. El arte, la expresión de la creatividad humana, epítome de los sentimientos, las ideas y el pensamiento y evocador de emociones, es perseguido como algo subversivo, destruido por fuego: en la escena inicial, una patrulla de guardianes descubre un escondite donde están escondidas varias obras maestras de la pintura, entre ellas la Mona Lisa, y son destruidas por fuego.
Pero la supresión de los sentimientos también ha logrado que ya no existan las guerras. La individualidad ha sido abolida para uniformar a todos los seres humanos. Día a día “El Padre” (un equivalente al Big Brother) es visto y escuchado en las calles y los lugares públicos hablando sobre los beneficios de aquel sistema y sobre las odiosas guerras y crímenes cometidos por la humanidad previamente, cuando el hombre era regido por el sentimiento.

Dios es brasileño

Hasta Dios se cansa y necesita vacaciones. Así es que un día decide venir a la tierra y se planta en un lugarcito de Brasil para buscar a alguien que pueda ocupar su lugar mientras él se toma un tiempo libre. Busca a alguien que sea decente para convertirlo en santo y cree saber quién es esa persona. Así emprende un viaje por el noreste brasileño junto a Taoca, un pescador más bien tirado a la pereza y la sinvergüenzada, lleno de un sentido muy práctico pero también algo cínico sobre la vida y las personas. También los acompaña Madá, quien poco a poco se comienza a enamorar de... ¿Dios?
Deus É Brasileiro es una divertida comedia brasileña que con el formato del road-movie presenta una reflexión sobre cómo los humanos vemos (o nos inventamos) a Dios. Los comentarios hechos por Dios y que resumen su cansancio son elocuentes sobre cómo solemos hacer descansar todo en los hombros de una entidad divina superior, de cómo recurrimos a Él sobre todo y nada más en situaciones urgentes (o para pedir las cosas más insólitas), pero cómo olvidamos otros aspectos que engloban las prácticas espirituales, sobre todo cuando nos encontramos bien.

Princesas

Caye trabaja muy duro todos los días. Está ahorrando mucho dinero pues quiere hacerse la operación de aumento de senos. Una vez por semana se va a casa de su madre a comer con ella y sus hermanos. Zulema también trabaja duro. Es dominicana pero se ha ido a Madrid a buscar mejor vida. En su país ha dejado atrás a su hijo de 5 años al cual llama con frecuencia por teléfono. Su sueño es llevarlo a Madrid a vivir con ella. No sabe cómo hará todo eso pues ella está ilegal en España. Ambas, Caye y Zulema, son prostitutas.
Princesas del director español Fernando León de Aranoa (el mismo de Los lunes al sol), plantea la amistad de las dos mujeres que se conocen luego de que Caye descubre a Zulema golpeada por un tipo que le ha prometido la residencia. Y aunque ambas son prostitutas, el enfoque de la película no explota ni hace morbo con el oficio de las muchachas. No se trata de victimizar ni condenar lo que ellas hacen, sino de contar el día a día de ellas, lo cual involucra por supuesto a otras que están en el mismo oficio.
Sin duda, una de las partes más valiosas de la película son los diálogos de ellas dos, diálogos llenos de nostalgia "por cosas que no han ocurrido todavía". No les gusta su oficio pero tampoco se hacen demasiado drama con el asunto. Lo cual no impide soñar con una vida diferente donde haya un buen hombre que llegue a buscarlas a la salida de un trabajo, un trabajo que por supuesto sería diferente. En ese sentido, el acercamiento al tema ha sido hecho con mucha delicadeza pero también con el balance crudo de la dureza de la vida en las calles.
Ganadora de varios premios de cine, entre ellos algunos Goya, la película cuenta además con música de Manu Chao y las excelentes actuaciones de Candela Peña como Caye y Micaela Nevárez, quien fue "descubierta" por el director en un café y que fue invitada a participar en el proyecto.
Está siendo presentada por Cinemax. Consulte su página web para los horarios en su país.

Kamchatka

Algunos días después del golpe militar de 1976 en Argentina, una familia se ve forzada a mudarse súbitamente de la ciudad a una casa en el campo. Los padres de los dos pequeños hijos harán todo lo que esté a su alcance por implementar algo de cotidianidad y normalidad a la vida del grupo familiar, pese a los quiebres radicales por los que están pasando: toda la ropa y juguetes quedaron en casa; todos adoptan nombres e identidades diferentes, detalles que los niños deben aprender; la separación de los amigos y la escuela; las órdenes “extrañas” que los niños deben seguir: no responder ni hablar por teléfono y cuando los padres digan la palabra “zafarrancho”, deberán huir a donde los padres indiquen.
Kamchatka, la película argentina dirigida por Marcelo Piñeyro, basada en una novela de Marcelo Figueras (quien co-escribió el guión junto con el director), está narrada desde el punto de vista de uno de los niños, quien adopta el nombre de Harry en honor a Houdini. En la casa a donde tienen que irse a vivir, Harry descubre un libro que habla sobre el escapista (Houdini nunca fue mago, sino un escapista, nos lo aclara un par de veces el niño). El padre, por cierto, cambia su nombre por el de David Vicente, en honor al personaje principal de aquella serie Los Invasores, tan popular en los años 70 y de la cual Harry es aficionado (y yo también era).
Al grupo familiar viene a sumarse un muchacho, Lucas, de quien no se sabe nada y con el que poco a poco, venciendo sus resistencias, llega a hacerse amigo de Harry.

De Los Intocables a Los Soprano

Una de las series favoritas que mirábamos en casa era Los Intocables. No me di cuenta hasta esta semana, viendo el último capítulo de Los Soprano, que fue entonces que comenzó mi gusto por las historias de la mafia. Mi padre era poco para ver televisión, pero miraba ciertos programas con una devoción que traspasaba el simple hecho de mirar. No importaba si ya habíamos visto el episodio o no, lo volvíamos a ver 2, 3, las veces que el canal los repitiera. Muchos de los programas que mirábamos se enriquecían por ese afán autodidacta de mi padre. De pronto aparecía con todos los libros que pudiera encontrar sobre el tema. No sé en qué escondrijos de San Salvador los encontraba, pero aparecía con libracos de páginas amarillentas y portadas de a centavo, algunos de los cuales se compraban por libra. Así nos alimentamos con libras de novelitas de vaqueros (Marcial Lafuente Estefanía era uno de los favoritos). También tuvimos libras de libros de ciencia ficción. Y por supuesto, tuvimos una buena dosis de novelas policiales y libros sobre la Cosa Nostra.
Recuerdo que uno de los libros con que apareció fue uno llamado algo así como Los gángsters más famosos de la historia, una recopilación de biografías de mafiosos. Leyendo ese libro supe que los personajes que aparecían en Los Intocables eran todos reales, que Al Capone, Dillinger, Lucky Luciano y “Ametralladora” Kelly habían existido. Sus fotos no se asemejaban a los actores que los interpretaban en el programa, pero no me importaba. A partir de entonces, la conciencia de estar viendo algo que era real convertía el programa en mucho más fascinante aún. Lo malo era que ya sabía el final que habían tenido varios de aquellos mafiosos, sobre todo mi favorito, Al Capone, quien estuvo preso en Alcatraz y que luego muriera a los 47 años, en bancarrota y alejado del mundo.

Hom Rong (The Overture)

¿Qué es lo que hace que una nación sea “moderna y civilizada”? Para alcanzar dicha modernidad y civilización, ¿es necesario que un país pase por encima de tradiciones consideradas “obsoletas” o que “atrasan” el desarrollo de un país? ¿Qué ocurre con un país que pisotea sus propias tradiciones?
Esto es parte del enigma medular planteado en la película Hom rong (cuyo título en inglés es The Overture, La Obertura en español), excelente producción tailandesa del 2004 y ganadora de varios premios en su país. La cinta está basada en la vida real de Luang Pradit Pairoh, uno de los más respetados maestros de la música clásica tradicional de Tailandia.
En la película, es a través de la vida de un personaje llamado Sorn que se nos presenta la época dorada de la música tradicional tailandesa. Sorn, desde niño, es un ejecutante natural del ranad-ek, un xilófono de madera (con un sonido que evoca al de nuestra marimba). La película fluctúa entre los tiempos de la niñez y adolescencia de Sorn y su edad madura. Mientras las secuencias del joven Sorn nos muestran su entrenamiento y su búsqueda por encontrar un estilo propio de interpretación, que culmina con las competencias con otros músicos y su eventual nombramiento como ejecutante de la orquesta del Rey, las secuencias del Sorn mayor nos muestran a un carácter casi opuesto: al arrogante de la juventud se ha impuesto un benévolo pero siempre exigente músico, que entrena y ayuda a todo el que puede.
El hilo del Sorn mayor ocurre en los años 30 cuando, luego de terminada la monarquía, el nuevo gobierno militar, en un afán de incorporarse a la era moderna, prohíbe la utilización de todo tipo de instrumentos musicales tradicionales (incluido el ranad-ek) así como la ejecución de dramas populares donde, por lo regular, los hombres se vestían de mujeres. Dicha prohibición, so pena de cárcel, fue justificada por los militares por considerar que aquellas manifestaciones artísticas populares eran “obsoletas” y que el país debía abandonar aquellas prácticas si quería ser “moderno y civilizado”.

The World's Fastest Indian

Una de las grandes lecciones de vida que me dejó mi padre, sin decirlo expresamente sino a través de su actitud de vida, fue que la edad no es impedimento para hacer absolutamente nada, ni siquiera para soñar hacerlas.
Tuvo su último hijo a los 63 años, compró su primera computadora a los 90, manejó hasta los 94 años y viajó y cruzó el Atlántico todavía en su ochentena. Mi padre no fue un hombre de sueños extraordinarios ni obsesiones rocambolescas, pero nunca tomó una actitud derrotista ante sus años. Para mí todo aquello era natural hasta que me di cuenta que, en la vida real, hay ancianos de 30 años o gente en la cuarentena que asume una actitud derrotista y se pone en plan de "las cosas que hay que hacer a nuestra edad". Algo que me causa un rechazo visceral. De gente así, ancianos en cuerpos jóvenes, huyo como de la peste porque insisten en contagiar a los demás con su "vejez", concebida como el pretexto excelente para no hacer ni intentar cumplir nuestros sueños y esperar con mansa resignación a la muerte.
Pensé esto viendo anoche The World's Fastest Indian, la historia de Burt Munro quien viajó desde Nueva Zelanda hasta Utah (USA) con su moto, una Indian de 1920 modificada por él mismo, y estableció el record mundial de velocidad en 1967 para motos de 1000 cc al manejarla a más de 300 kms. por hora, un record que al día de hoy no ha sido superado.
La película narra su vida en un pequeño poblado de Nueva Zelanda, sus exhaustivos trabajos y experimentos con la moto, su viaje a los USA, la confrontación con los organizadores de la competencia donde desea correr quienes no quieren dejarlo competir, no sólo porque su moto les parece que no reúne las condiciones sino (y sobre todo), porque él "está muy viejo" (tenía en ese momento 67 años), a lo que Munro contesta: "yo tengo el espíritu de un muchacho de 13 años".

MirrorMask

¿Y si pudiéramos entrar al lugar de nuestros sueños? ¿Si pudiéramos encontrar allí a los personajes que imaginamos en la lucidez? Helena, una niña de 15 años, lo logra. Y allí encuentra seres y realidades que ella ha dibujado en su vida cotidiana, seres como la Reina Blanca que está enferma y necesita para curarse un talismán cuyo lugar o forma no son conocidos por nadie. Allí habita también una Reina Negra que ha perdido a su hija y que se parece demasiado a Helena.
Ésta entra a un mundo donde los seres tienen rostros que son máscaras de papel, donde la Reina Negra escupe Sombras que pueden aniquilar a los demás, y donde los libros tienen una presencia vital. “No sabía que cada libro tiene personalidad propia”, dice Helena, cuando luego de tocar el lomo de algunos en un librero, los libros salen volando como pájaros y ella tiene que capturar uno con una red caza-mariposas.
Los libros también se convierten en “libros voladores”, a manera de alfombras mágicas, sobre los cuales es conveniente escapar o salvar distancias infranqueables. Sus páginas pueden servir de alimento a gatos con alas de colores y rostros humanos. Y además hay uno, El libro útil en toda circunstancia, que siempre que se está en aprietos tiene la solución.

Joe Barbera (1910-2006)

¡Cáspita! Que se haya muerto Joe Barbera, uno de los genios de la dupleta Hanna-Barbera, es un poco como que se haya muerto mi padre, como que se haya muerto mi infancia, mi corazoncito de niña. Sí, es una poco esa sensación de que se murió mi padre de nuevo, lo cual no es exagerado si tomamos en cuenta que parte de mi educación sentimental, intelectual, imaginativa y de toda índole tuvo uno de sus más fuertes pilares en las caricaturas que miraba por la televisión. Las de Hanna y Barbera incluían una variedad de personajes disímiles y alucinantes, muchos de ellos animales: Tom y Jerry, Los Picapiedra, Los Jetsons, Huckleberry Hound, el Oso Yogui (y su fiel compañero Bubu), el Lagarto Juancho, Tiroloco McGraw, Pixie y Dixie con el gato Jinx, Canuto y Canito, Gorila Maguila, Melquíades y Tristón, Leoncio fueron la delicia de millones de niños que gozamos de una época en que las caricaturas se iban más bien por el lado de la inocentada, cuando no existían "lecturas de lo políticamente correcto" que hacerle a una simple persecución de un gato a un ratón o de un guardabosques intentando evitar que el oso se robara las canastas de picnic de los visitantes del parque Jellystone.
Más adelante vendrían nuevas series que igualmente vi como Johnny Quest, Scooby Doo, Josie y las Melódicas, Birdman, Los Pitufos (uff, a mí me dio duro con los Pitufos...) y bueno, no sé cuántos personajes memorables más que se me escapan ahorita de la mente.
Por suerte, ahora existe YouTube y pueden encontrarse retazos de nuestros recuerdos allí. Así es que en vez de trabajar, me puse a ver Huckleberry Hound, Pixie y Dixie y al Oso Yogui, y los recuerdos están intactos, ahí, tan nítidos. ¡Recórcholis!
Así es que la niña que miraba sus caricaturas sentada sobre el banco de un piano, muy cerca del televisor en una sala solitaria de los Planes de Renderos, le rinde tributo al señor Joseph Barbera, con lágrimas en los ojos, y les comparto a todos una de sus divertidas caricaturas, un episodio de Pixie y Dixie (me ataca de la risa que Jinks tenga acento andaluz, Pixie, el del corbatín, habla como mexicano y Dixie, el del chalequito, como cubano o por lo menos como caribeño).

Rin-tin-tin

Si había un programa que jamás me perdía cuando niña era Las aventuras de Rin-tin-tin. Ya no recuerdo qué día de la semana lo pasaban ni en qué canal, pero era parte de mis citas semanales y no había poder sobre la tierra que me hiciera perderme ni un episodio. Por supuesto, cualquier y todo programa que tuviera como protagonista a algún animal (como Flipper o Lassie), entraba de inmediato en mi lista de favoritos.
Si mal no recuerdo, la historia giraba alrededor del niño Rusty. A su familia la habían matado los apaches y lo único que le quedaba en el mundo era su perro ultra-inteligente que sabía hacer de todo, Rin-tin-tin. El niño y su perro son "adoptados" por una compañía de caballería y así transcurren una serie de sucesos en un fuerte.
Recordé este programa en esas largas y tediosas horas de mis viajes en autobús y además porque a la Loli le ha agarrado, desde hace un par de meses, el sentarse junto a mí en actitud de pastor alemán, muy erguida y con la espalda vuelta hacia mí, como cuidándome. Esto le ha ganado, por supuesto, dos nuevos alias: Loli Shepard y Rin-tin-tina.

En el vientre materno: animales

El canal de National Geographic estrenó el pasado domingo un programa muy recomendable. En el vientre materno: animales sigue el desarrollo de fetos de un perro, un delfín y un elefante, desde el momento de la concepción hasta su nacimiento. Utilizando tecnología de punta (con imágenes de 3 y 4 dimensiones), vemos el desarrollo de los animalitos y conocemos muchos detalles curiosos, como el surgimiento de una especie de extremidades en el delfín (que luego desaparecen), lo cual podría ser indicativo, según los científicos, de que el delfín fue en algún momento un animal terrestre.
Es impresionante ir observando todo el proceso, tan diferente en los 3 animales. El perro con apenas 62 días de gestación, el delfín con un año y el elefante con 22 meses. Se muestran por primera vez en televisión ultrasonidos de los animalitos en el vientre materno. Vemos al perrito hacer ejercicios de jadeo, uno de los más importantes reflejos de un perro para mantener su temperatura corporal; vemos "nadar" al pequeño delfín en el vientre materno y vemos al elefantito mover su trompa.
Un programa muy recomendable para todos los amantes del mundo animal y un recordatorio que nos hace pensar en el gran milagro que es la vida. Lo recomendaría también para que los padres lo compartan con sus hijos y usarlo como una herramienta para explicarles algo sobre "de dónde vienen los niños", que para algunos puede resultar incómodo y complejo de explicar. El programa lo hace de una manera muy clara.
Pueden ver el trailer en la página correspondiente. Y se anuncia para marzo, dentro de la misma serie, otro especial llamado En el vientre materno: partos múltiples.
Próximas presentaciones: 9 de diciembre a las 19 horas; 12 de diciembre a las 22; 17 de diciembre a las 7; 19 de diciembre a las 7 y a las 14 horas; 24 de diciembre a las 19 y el 31 de diciembre a las 22 (hora centroamericana).

El Viento

Cuando su hija muere, Frank Osorio decide ir hasta Buenos Aires para darle personalmente la noticia a su nieta y para arreglar un par de asuntos pendientes. Frank tiene 70 años, vive en la Patagonia y jamás ha ido a Buenos Aires. Lleva en su maleta dos cosas: las cartas que le escribió su hija cuando estaba embarazada y un revólver.
El encuentro con su nieta es más bien frío. Alina, la nieta, prácticamente no tenía relación con el abuelo y había dejado de hablar con su madre hacía muchos años.
Durante su estancia en Buenos Aires, Frank no sólo conocerá la gran ciudad sino también a su nieta, su novio, su amante y su amiga, y se terminará convirtiendo en el revelador de grandes secretos del pasado familiar.
Esta es la sinopsis de El Viento, una película argentina y la ultima filmada por Eduardo Mignogna, que recién falleció el 6 de octubre de este año.
La película es muy sobria, tanto en su argumento como en su escenografía, permitiendo que la historia sobresalga en todo su dramatismo y complejidad. Frank llega a la vida de Alina en un momento decisivo de la vida de la muchacha, o quizás sería mejor decir, Frank es otra de las piezas de un momento que cambiará la vida de Alina para siempre... y también finalmente, la de Frank.

La nueva mafia

El canal de TV de la National Geographic está presentando en estos días un documental llamado The New Mafia, sobre la Mara MS 13 o Salvatrucha. El documental rastrea los orígenes de la mara en Los Ángeles y presenta algunos detalles de cómo se han ido esparciendo a lo largo y ancho de los USA y de otros países. Se calcula que en la actualidad, la Mara Salvatrucha cuenta con alrededor de 100 mil miembros.
Parte del documental descansa en el caso de Brenda, una marera que decide colaborar con el FBI y que es asesinada por sus compañeros de clica cuando descubren el asunto.
El documental explora los ritos de iniciación de los mareros, sus métodos de sobrevivencia económica, aunque se queda corto en su pretensión de conseguir la información importante: quiénes son los líderes y cómo se organizan allá "en la alta cúpula", de la que nadie está dispuesto a hablar. Su sistema de organización, sus métodos de atemorización a la población, la lealtad de sus miembros (una lealtad que alcanza niveles incomprensibles para quienes estamos fuera), todo hace caracterizar a las maras como un nuevo tipo de mafia.
Después de ver este documental me quedó una profunda sensación de tristeza. Pensé y me pregunté muchas cosas. Es dramático pensar que alguien quiera ingresar a algún tipo de organización donde lo único que te puede pasar es matar o morir o, en el mejor de los casos, terminar preso. ¿Soluciones a la vista? Nadie propone ninguna.
Vale la pena verse para conocer un poco más sobre el tema.
Próximas transmisiones (hora centroamericana): Jueves 19 de octubre 20:00; Viernes 20 de octubre 01:00; Sábado 21 de octubre 13:00; Jueves 26 de octubre 09:00; Jueves 26 de octubre 15:00.

Caravana de gitanos (Dom za vesanje)

Perhan, un gitano romaní adolescente, vive con su abuela, con Danira, su hermana menor (quien tiene una pierna más corta que la otra debido a osteomielitis) y Merdzan, un tío enfermo mental, literalmente. La vida que llevan en la aldea de gitanos que viven es muy dura. Perhan vende cal para ayudar con los gastos de la casa, consuela a su hermanita tocándole el acordeón y contándole historias y la abuela es la curandera del lugar, muy respetada por sus dotes. Perhan ha heredado medianamente algo de la abuela: puede mover objetos de metal con su mente. La abuela adora a Perhan, un muchacho que intenta abrirse buen camino en medio de la dramáticas dificultades de sobrevivencia de la comunidad. Le regala un pavo como mascota, un pavo que Perhan lleva consigo a todas partes.
Un día, Ahmed, un gitano pudiente que vive en Milán, necesita los servicios de la abuela para que cure a su hijito enfermo. La abuela logra curarlo y como pago le pide a Ahmed que lleve a Danira a un hospital para que la operen y puedan aliviarla. Perhan deberá acompañarla para cuidarla. Ahmed accede. Pero el giro de los acontecimientos cambia en el hospital cuando Ahmed convence a Perhan de irse con él a Milán, donde podrá trabajar y hacer mucho dinero. Le promete que la niña quedará en el hospital y que la curarán. Y Perhan, seducido por la idea de poder tener dinero para construir una casa y mejorar las condiciones de vida de su familia, accede.

Hermandad en guerra (Taegukgi hwinalrimyeo)

Jin-tae tiene 18 años y cuando Corea del Norte ataca a Corea del Sur en 1950, es reclutado a la fuerza por el ejército de Corea del Sur para luchar en la guerra que recién comienza. Su hermano mayor, Jin-seok se ofrece de voluntario para el ejército, con el único propósito de cuidar a su hermano y de lograr, de alguna manera, que su hermano menor vuelva al hogar para cuidar a su madre muda y ayudar a Yong-seok, novia del hermano mayor.
Ya metidos en el ejército, la única manera en que Jin-seok piensa puede ayudar a Jin-tae a regresar es ganando una medalla, lo cual le dará ciertos privilegios, entre ellos, el de ser complacido por los altos oficiales. Pero para ganar la medalla, Jin-seok comienza a aceptar las misiones más arriesgadas y a arriesgar su propia vida.
Hermandad en guerra, una película sur-coreana dirigida por Je-gyu Kang, narra de manera impresionante el destino de estos dos hermanos, que miran trastocada su idílica y tranquila vida y de un momento a otro son lanzados a los horrores de la guerra.

Caché

Una pareja comienza a recibir misteriosos videos en los que se dan cuenta que su casa está siendo filmada. La pareja no sabe qué está pasando, quién envía los videos ni qué desea la persona que los envía. Las cosas comienzan a ponerse algo serias cuando los videos son acompañados por dibujos de un niño al que le sale sangre por la boca y de una gallina con el cuello cortado, también con un manchón de sangre. Ellos acuden a la policía, pero la policía no puede ayudarlos hasta que ocurra realmente "algo".
Es el argumento de Caché, del director alemán Michael Haneke, una película de suspenso psicológico que funciona con elementos inusuales pero que logran atrapar al espectador hasta el final.
El presente se mezcla con el pasado, con lo onírico, con las cintas del voyeur y nos colocan, a los espectadores, también como mirones: miramos cómo el matrimonio, frente al problema, reacciona de manera tensa, desconfiada y con frialdad el uno hacia el otro; cómo el hijo de ambos, Pierrot, se transforma de la noche a la mañana en un niño rebelde y frío ante la sospecha de que su madre tiene un romance con alguien; miramos cómo, ante una situación de estas, a usted y a mí se nos ocurrirían algunas opciones obvias (como filmar la calle desde donde "el mirón" los filma a ellos para descubrir su identidad), pero supongo que a veces la lógica falla ante situaciones desconcertantes y los personajes no llegan a tener esas ideas.

Raúl Cortez (1932-2006)

Quizás el nombre de Raúl Cortez no le dice nada a muchos, pero para quienes somos seguidores del cine y las telenovelas brasileñas, este rostro nos es harto familiar.
Raúl Cortez, el excelente actor brasileño, falleció ayer a los 73 años, víctima de un cáncer al duodeno contra el cual venía batallando desde hacía un par de años.
Son incontables sus trabajos en el cine y la televisión del Brasil. Participó en las recordadas novelas Baila conmigo, Mandala, y más recientemente en la región centroamericana lo hemos visto en Terra Nostra y Señora del Destino.
De padre tirano, de villano o de charming gentleman brasileiro, Cortez tenía un talento que lo llevó a trabajar en todas las áreas donde un actor es requerido, tanto en cine, como teatro, novela o series televisadas.
Será muy recordado este actor, cuyas impecables actuaciones serán extrañadas en futuras producciones brasileñas.

Sky Captain and the World of Tomorrow

Nueva York es acosada por una invasión de robots gigantes voladores, los más eminentes científicos del mundo han desaparecido mientras uno de ellos viaja en un Zepelin y busca a la periodista Polly Perkins para advertirle que él será el próximo en ser asesinado. Mientras tanto, ¿a quién han de llamar las fuerzas del bien para salvar Nueva York? Al Capitán Sky, por supuesto, que con su avioncito (que tiene pintada en la punta unos filosos dientes), vencerá sin despeinarse a los robots voladores, a una misteriosa mujer que aparece en todas partes y que es una asesina, mientras parte hacia el Nepal a buscar al Dr. Totenkopf, quien parece ser el origen de tanto desorden...
Es en pocas palabras el argumento de Sky Captain and the World of Tomorrow, la ópera prima de Kerry Conran y que constituye un gran homenaje a películas y series televisivas de ciencia ficción, aventura y misterio de los años 40 y 50.

Y fue en Ruanda...

Hasta donde tengo conocimiento (pues pueden ser más), hay dos películas que abarcan el tema de la masacre de 1994 en Ruanda, donde fueron asesinadas alrededor de un millón de personas, fueran hutus o tutsis, en un conflicto que tiene raíces en los días de su colonizaje por los europeos y que el inicio de Sometimes in April explica en síntesis de manera excelente. Esta película fue producida y estrenada anoche por HBO, y filmada y escrita por Raoul Peck, un cineasta haitiano que fue a Ruanda a hablar con los sobrevivientes de la masacre y contar sus historias.
La película tiene como hilo conductor la historia de un soldado hutu, Augustin, y su hermano, un locutor que a través de su programa radial incitaba a descubrir y matar a "las cucarachas", como dieron en llamar a los tutsis, así como también a eliminar a los hutus que estuvieran relacionados con tutsis o que dieran refugio o ayuda a alguno de ellos. Augustin estaba casado con una tutsi. Y posteriormente el hermano sería uno de los juzgados por genocidio por una corte internacional.

Love actually

Whenever I get gloomy with the state of the world, I think about the arrivals gate at Heathrow Airport. General opinion's starting to make out that we live in a world of hatred and greed, but I don't see that. It seems to me that love is everywhere. Often it's not particularly dignified or newsworthy, but it's always there - fathers and sons, mothers and daughters, husbands and wives, boyfriends, girlfriends, old friends. When the planes hit the Twin Towers, as far as I know none of the phone calls from the people on board were messages of hate or revenge - they were all messages of love. If you look for it, I've got a sneaky feeling you'll find that love actually is all around.
(Cada vez que me siento pesimista con el estado del mundo, pienso en la puerta de llegada del Aeropuerto de Heathrow. La opinión generalizada es que estamos viviendo en un mundo lleno de odio y mezquindad, pero yo no veo eso. Me parece que el amor está en todas partes. A menudo no está particularmente dignificado ni es motivo de noticia, pero siempre está ahí: padres e hijos, madres e hijas, esposos y esposas, novios, novias, antiguos amigos. Cuando los aviones chocaron contra las Torres Gemelas, hasta donde sé ninguna de las llamadas de las llamadas que hicieron los pasajeros fueron mensajes de odio o venganza: todos fueron mensajes de amor. Si te das cuenta, tengo la certeza que de hecho encontrarás que el amor está en todas partes).

El color del pecado: telenovelas brasileñas

No cabe duda que las telenovelas son parte de nuestra cultura, nos guste o no, para bien o para mal. Han estado allí creo que desde que se inventó la televisión y estemos seguros que sobrevivirán pese a todo, pues siempre habrá alguien dispuesto a verlas. ¿Cuál es su encanto?
En lo personal, no lo sé. Supongo que es un poco la idea de plantear una historia que por lo general es absurda, de amores imposibles que siempre terminan en boda, algo que uno puede ver sin mayor desgaste de neuronas mientras cocina o cena, o para relajarse de un agitado día de trabajo. No supone esfuerzos, angustias personales, entretiene y nunca, casi nunca, te pone a pensar en nada que no sea el mismo entramado de la historia: ¿Conocerá María Julia el secreto de su madre? ¿Se enterará José Manuel de lo que oculta Carolina Susana? ¿Despertará Raúl Ernesto de su coma de 9 años?

Aro Tolbukhin. En la mente de un asesino

En 1981, un húngaro llamado Aro Tolbukhin es detenido en Guatemala por quemar vivas a siete personas en la enfermería de la Misión del Divino Redentor en Alta Verapaz. Tras su detención, confesó ser el asesino de cinco mujeres más que habían aparecido calcinadas y se autoinculpó de otros diecisiete asesinatos realizados a lo largo de los quince años en que trabajó como marino mercante. En la investigación surgieron incoherencias que ponían en duda la autoría que Tolbukhin tanto insistía en atribuirse.
La película Aro Tolbukhin. En la mente del asesino, intenta explorar los motivos que llevaron a Tolbukhin a cometer dichos asesinatos. En una película mezcla de géneros, Agustí Villaronga e Isaac-Piérre Racine navegan entre el documental y la ficción, con cintas filmadas en los años 80 en super 8 y con dramatizaciones filmadas en 35 mm., que incluyen entrevistas con el Tolbukhin real, unos 15 días antes de ser fusilado en Guatemala. También hay testimonios de varios que lo conocieron: un padre que estuvo en la misión, una monja retirada de su orden que tuvo con él una relación bastante estrecha, el abogado defensor y la nana de Tolbukhin, entrevistada en Bucarest.

Dancehall Queen

Me topé con esta película por pura casualidad. Tenía encendido el televisor mientras pensaba en algo que debía hacer. Y comenzó esta película jamaiquina de 1997 llamada Dancehall Queen. El título no me llamaba la atención pero al ver que era una producción jamaiquina decidí darle una oportunidad por pura solidaridad con el cine de países pequeños y con las producciones independientes. Veo 10 minutos de la película y suficiente, pensé. Y cómo son los prejuicios (basados en la ignorancia, admito), que pensé de inmediato "una película jamaiquina no puede ser buena". Qué va. Me enganché de principio a fin.
La historia es una suerte de cenicienta: Marcia, una vendedora ambulante en las calles de Kingston, trata de sacar adelante a sus dos hijas. Cuenta con el apoyo de su hermano y también con el de Larry, un hombre que ayuda a Marcia pero al precio de acosar sexualmente a la hija de la protagonista, una niña de 15 años. Marcia y su hermano son testigos del asesinato de Sonny, amigo de ambos, por parte de Priest, un tipo malvado que resuelve todo a punta de cuchillo. La hija de Marcia se harta de los manoseos de Larry, éste retira la ayuda a la familia y Marcia busca desesperada una manera de sacar adelante a la familia. Y decide entrar a bailar al African Star, un dancehall o salón de baile, donde reta a las muchachas que bailan y termina metida en un concurso para buscar a la reina del salón de baile. Mientras tanto, también va planeando una venganza contra Priest, que acosa a la familia de Marcia para que no lo delaten y contra Larry, por lo de su hija.

Super Size Me

Un par de adolescentes demandan a la empresa McDonalds, argumentando que su obesidad es originada por comer en esa cadena de comidas rápidas. El tribunal consideró que podía estimar su caso como válido si podían probarlo. Ellas no pudieron pero Morgan Spurlock se propuso hacerlo de una manera muy drástica: comer todos sus tiempos de comida en McDonalds durante un mes, para ver los efectos que este tipo de comida puede causar en el organismo. Así nace el documental Super Size Me.
Antes de comenzar el experimento, Spurlock se hace un exhaustivo examen físico en el que resulta que está en óptimas condiciones de salud. Mientras come todos los días en McDonalds, entrevista y reúne información sobre el problema de la obesidad en los USA, una de cuyas causas descansan en el abuso de consumo de los estadounidenses de comidas poco saludables. Y a la par de ello comienza también el deterioro de la salud de Spurlock.