Música de fondo

¿No les pasa? Hay momentos o circunstancias en que, de manera incomprensible, se nos vienen a la mente ciertas canciones, que ni siquiera tienen que estar de moda, y se nos repiten en la cabeza, como una suerte de soundtrack, la música de fondo para los episodios de nuestras vidas.
Desde por ahí del 5 de septiembre hasta el día de hoy, 3 canciones me circulan en el cerebro. Un par tiene además atada una fantasía con personajes que discurren en encuentros y desencuentros en el Lago de Atitlán, todavía más incomprensible el nexo porque ni conozco el lugar (¿génesis para nuevas historias? Jjjmmm, habrá que ver...).

"What I got", Sublime.

"No Rain", Blind Melon.

"Change", Blind Melon.

Esta última tiene un verso que me parece brutal:

"And when your deepest thoughts are broken,
Keep on dreaming boy, cause when you stop dreamin' it's time to die".
(Y cuando tus pensamientos más profundos estén rotos,
sigue soñando, muchacho, porque cuando dejas de soñar es hora de morir).

Shine a Light: the Rolling Stones vistos por Martin Scorsese

A Martin Scorsese se le ocurrió un día filmar un concierto de los Rolling Stones. Los rockeros estuvieron de acuerdo. Ahí comenzó todo: llamadas telefónicas a través del mundo donde Scorsese y Mick Jagger discuten por el escenario, por las cámaras pero sobre todo, por la lista de las canciones que van a tocar. A Scorsese le urge tener esa lista para poder planificar cómo van a moverse las cámaras. Hay tres listas de las canciones a cantarse: las probables, las que no quieren cantar, la segunda o tercera opción. Scorsese desespera. Se quita y se pone los anteojos totalmente nervioso. A Jagger no le gusta el escenario. Scorsese insiste en la lista de canciones. Jagger en un avión hace listas y listas.
Scorsese, con la meticulosidad del perfeccionista, quiere poder planificar cada detalle. Los Rolling, bueno, actúan más de acuerdo a cómo se sienten el mero día de los hechos.
Finalmente, ya puestos todos en el Beacon Theater de Nueva York, organizado el concierto para la Fundación Clinton, los Rolling Stones saludan al viejo Bill, a la casi presidenciable Hillary y a 30 invitados de los Clinton, antes de que llegue el momento de la música.
Bill Clinton los presenta. Entre bambalinas, Martin Scorsese todavía no tiene la lista de las canciones del concierto. Al fin se apagan las luces, una voz anuncia a los Rolling Stones y en ese preciso instante, le pasan la lista de canciones a Martin. ¿Por qué era tan importante? Porque si comenzaban con una canción cuya intro son guitarras, las cámaras tendrían que enfocar a Keith Richards y Ronnie Wood, pero si era alguna otra que comenzara, por ejemplo, con un solo de piano, habría que enfocar a Mick Jagger.
Pero en efecto, empiezan duro, muy duro, con “Jumping Jack Flash”.

Bo Diddley (1928-2008)

A este "maistro" daba gusto escucharlo cantar, escucharlo arrancarle lo impensable a esa guitarra cuadrada diseñada por él mismo, pero también, daba gusto verlo bailar.
Bo Diddley se convirtió, sin duda, en una de las columnas fundacionales de mucha de la música que conocemos hoy en día y su influencia ha sido vasta. Desde The Who hasta U2, de Eric Clapton a Bow Wow Wow, su particular "beat", y el sonido duro y áspero de su guitarra, seguirán dejando huella y resucitándolo en cada canción.
Mis respetos.

"Englishman in New York", Sting

Algo que me ocurrió ayer por la tarde me tuvo repitiendo un par de versos de esta canción por la noche. Era/es la canción adecuada para el acontecimiento. Otra canción para el soundtrack de mi vida.

Moan, Trentemøller

El DJ danés Trentemøller le hace un sentido homenaje a nuestra querida Laika en este excelente video.

Oscar Peterson (1925-2007)

Somewhere over the rainbow/What a wonderful world

El domingo vi por enésima vez la película ¿Conocés a Joe Black? Me gusta mucho la historia de La Muerte que viene a traer a alguien y se queda un rato por la tierra y hasta se enamora. No es la mejor película del mundo ni me gustan mucho algunas cosas demasiado hollywoodenses, pero no había otra cosa que ver. Pero no es de la película de lo que quiero hablar, sino de otra cosa.
Al final, cuando corren los créditos suena una canción que se ha escuchado mucho en otras películas, en comerciales y en programas de televisión. Es una combinación de dos canciones en realidad, Somewhere over the rainbow, de El Mago de Oz, cuya versión original estuviera cantada por Judy Garland, y What a wonderful world, que fuera cantada por Louis Armstrong. Ambas se han convertido en canciones muy populares, acaso por sus mensajes positivos y esperanzadores, y han sido interpretadas por infinidad de artistas en variadas versiones.
Cuando la escuché de nuevo el domingo, me pregunté (como ya lo había hecho cientos de veces), quién canta esta versión en particular y logré distinguir el primer nombre del cantante en la parte del soundtrack. Así es que me puse a investigar sobre la persona.
Se trata de Israel Kamakawiwo'ole, un músico hawaiano, experto en tocar el ukalele. Iz, como se le llamaba, también fue conocido como el "Gigante Gentil", pues en los últimos años de su vida padeció de obesidad mórbida, llegando a pesar 758 libras. Murió de complicaciones respiratorias por su sobrepeso a los 38 años. Grabó 10 discos en vida y en Hawaii era un músico muy querido y respetado, ganador de varios reconocimientos locales. Sin embargo, puede decirse que su gran éxito internacional ha sido esta canción que de seguro han escuchado.
A mí en lo personal me gusta mucho, por su tono suave, por su originalidad y por que tiene algo de, ¿cómo explicarlo?, una calidez reconfortante, consoladora. Una melodía para tomarse las cosas con calma y optimismo.

Ponle valor a la música: Radiohead

Al momento de escribir esta nota, escucho el último disco del grupo inglés Radiohead, llamado In Rainbows. Hace una semana, el disco fue puesto a disposición de los fans en la página del grupo para su venta. ¿El precio? El que los fans quisieran pagar. ¿Y si a alguien se le ocurría no pagar nada por él? Igualmente podría descargarlo.
La idea fue motivo de titulares en los medios de comunicación la semana pasada. Según los miembros del grupo, les parecía una buena idea hacer que la gente se tomara unos minutos para reflexionar sobre el valor de la música hoy en día. “Me pareció que era interesante pedirle eso a la gente y que comparara la música con otras cosas en sus vidas que valoren o no”, dijo Johnny Greenwood, guitarrista del grupo.
Cuando escuché la noticia recuerdo que no le puse mucha mente y por no sé qué motivo pensé que eso no aplicaba a Centro América. Ya me había inventado un plan de pedirle a alguien en los USA que lo bajara y me lo mandara, etc. Pero el domingo, precisamente una de las personas a quiénes se lo hubiera pedido me escribió y me preguntó si ya había escuchado el disco, pues sabe que me encanta este grupo, y me dio la dirección de la página donde hacerlo.

Triumph of the heart, Björk

De su disco Medúlla, y dirigido por Spike Jonze, ¿por qué, oh por qué, será que me gusta tanto este video?
Si lo ven se darán cuenta de inmediato...

Addio Pavarotti

La página oficial de Luciano Pavarotti tiene, desde ayer, una foto sonriente de él y una frase (en inglés e italiano): "Pienso que una vida dedicada a la música es una vida vivida buenamente y a eso es a lo que me he dedicado".
El día de ayer fue muy extraño. Pasé el día completo con la pesadumbre de que alguien conocido había muerto. Alguien conocido y cercano aunque ni siquiera hubiera tenido la oportunidad de asistir a una presentación de Pavarotti. Imposible concentrarse. Trabajé poco y dispersamente. Tenía la cabeza llena de ópera. Tuve la suerte de venir a tiempo al mediodía para ver por CNN el momento justo en que su ataúd llega a la catedral de Módena mientras la multitud congregada lo aplaudía.
Estuve en Módena en el 2000. Me consta que para sus habitantes, Pavarotti era un orgullo del que alardeaban siempre que les era posible. La gente hablaba de él y volvía a señalarme una y otra vez que aquella ciudad era la natal de Pavarotti. Y yo sonreía y asentía con paciencia porque ya lo sabía, pero porque me encantaba ver esa manera tan casual y el profundo orgullo con que te lo contaban.
También lloré intermitentemente. Cada aria de aquella voz tan limpia me revolvía el corazón y ayer, todavía, con más razón. Pienso que no deja de ser conmovedor que una persona toque así la vida de tantos, por el don de su voz, por su manera de emplearla pero también por su generosidad para con sus colegas, emergentes o establecidos, y también para con los más necesitados. Además, tuvo la visión de hacer accesible la ópera para quienes no pudieran entrar a una sala de conciertos y cantó en estadios, plazas y eventos públicos ante miles de espectadores que lo ovacionaban a rabiar. Se dice que la ovación más larga que recibió duró una hora y 7 minutos.
Vi precisamente ayer, entre varios videos, uno en que en cuanto comienza a cantar la sublime "Nessun Dorma", la gente aplaude, algo que no suele hacerse, y en cuanto termina con el último "vincerò", sin que la orquesta termine de tocar, la multitud lo ovaciona, de pie.
Y siempre, siempre, esa gran sonrisa.
Verdaderamente, una buena vida.

Murió Pavarotti

Anoche, antes de acostarme, temía que al despertar me encontraría con esta noticia. Uno de los grandes tenores de todos los tiempos, Luciano Pavarotti, se nos fue.
Acá canta "Nessun Dorma" (Nadie duerma), aria de la ópera Turandot de Giacomo Puccini.

The Wonder of You, Elvis Presley

Aquella noche, hace 30 años, fue a mí a quien le tocó darle la noticia a mi madre de que Elvis había muerto. Estaba estudiando en mi cuarto con el radio encendido y lo dijeron. Me quedé un rato pensando qué hacer. Sabía que la noticia no iba a gustarle a mi madre. Tenía varios de sus discos, los escuchaba con frecuencia, veíamos sus películas. Madre lo adoraba. Pero pensé que de todos modos se daría cuenta, esa noche o al día siguiente y que yo, que nunca pero nunca aprendí a mentir, tendría que decirle que ya lo sabía y ella se enfadaría por no habérselo dicho antes.
Así es que fui a la sala donde ella estaba viendo tele y después de estar parada ahí unos segundos callada, haciendo como que veía también la tele, le dije en un solo golpe: "acaban de decir en la radio que Elvis Presley murió". Madre gritó. Imposible. Elvis es de los hombres que nunca mueren. Bueno, no dijo eso, pero eso implicaba el grito. Me dijo que no era cierto, le dije que sí.
No recuerdo bien qué pasó después, pero creo que encendió el radio del comedor donde la noticia se daba de manera ininterrumpida. Madre se atacó del llanto. Yo me sentí culpable por haberle dado la mala noticia. Madre lloraba desconsolada y padre asomó a ver qué le pasaba. "Se murió Elvis Presley", le dije, casi al borde del llanto yo también. Y a mi padre, quien ya tenía 73 años y para quien todos los cantantes modernos eran un montón de peludos gritones y sin talento, le dio absolutamente lo mismo. "Tanto escándalo..." dijo mi padre sin comprender nada. A madre hubo que darle un par de calmantes para que pudiera serenarse. Fue a encerrarse a su cuarto. Se la escuchaba llorar desde la sala.
Desde ese día Elvis se escuchó en casa todos los días, se compraron más discos de él. Eventualmente, una foto de Elvis, en un marco dorado, sería colgada en la sala de la casa. Esa foto estaría colgada ahí mucho después del divorcio de mis padres, durante años y hasta la muerte de mi padre, un Elvis de perfil, guapo, cantando, en su traje blanco, maravilloso y eterno.
Ahora, buscando qué decir sobre Elvis, viendo sus videos, escuchando su voz y sus canciones que son tan parte de mi vida y de mi ecléctico gusto musical, pensaba en cómo este hombre, cuyo paso tan fugaz por el mundo (42 años no es nada en la historia del tiempo...), dejó una huella tan profunda, tan imborrable. Cómo en tan poco tiempo se convirtió en un ícono cultural, en un símbolo, en parte inseparable de la vida de muchos de nosotros.
¿Elvis ha muerto? Para mí sigue vivo y canta mejor que nunca. Long Live The King.

The Marmalade: "Reflections of my life"

The changing of sunlight to moonlight
Reflections of my life, oh, how they fill my eyes
The greetings of people in trouble
Reflections of my life, oh, how they fill my eyes

All my sorrows, sad tomorrows
Take me back to my own home
All my cryings (all my cryings), feel i'm dying, dying
Take me back to my own home (oh i'm going home)

I'm changing, arranging, I'm changing
I'm changing everything, ah, everything around me
The world is a bad place, a bad place
A terrible place to live, oh, but i don't wanna die

All my sorrows, sad tomorrows
Take me back to my own home
All my cryings (all my cryings), feel i'm dying, dying
Take me back to my own home (oh i'm going home)

Cajita de Led Zeppelin

Rock & Roll

The Ocean

Black Dog

Living Loving Maid

Stairway to Heaven

Hoy en la historia: All you need is love

El 25 de Junio de 1967 se realizó la primera transmisión satelital en vivo. Se trató de un programa llamado "Our World", que enlazó segmentos de 19 países diferentes y que fue transmitido en cadena a 26 países del mundo. Se estima que tuvo una audiencia de 350 millones de televidentes, la audiencia más grande para un programa de televisión hasta aquella fecha.
Por el Reino Unido fue presentada "All you need is love", de The Beatles. Fue escrita por John Lennon y Paul McCartney a petición de la BBC especialmente para este programa (aunque McCartney diría después en una entrevista que la canción ya existía y que le hicieron algunos arreglos). La canción sería incluida en el disco Magical Mistery Tour.
Entre los invitados a la transmisión estaban The Rolling Stones, Marianne Faithfull, Donovan, Eric Clapton y Keith Moon. Algunos de ellos pueden verse entre los asistentes.
Cuarenta años después, el mensaje es tan válido como entonces.

"Dig", Incubus

Me encanta este video.

Bob for the Nob'!

Ningún premio me ha emocionado tanto como cuando ayer le fue concedido a Bob Dylan el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. Casi me siento como si me lo hubieran dado a mí, así de emocionada estoy. Y de alguna manera es así, porque cuando miro atrás, Dylan es parte importantísima y vital del soundtrack de mi vida. Siempre estuvo, desde niña. Y pensé además qué privilegio el que tuvimos (y tenemos) los que crecimos escuchando la música de gente como Bob Dylan, Los Beatles, Los Rolling Stones, Led Zeppelin, Donovan, Jimi Hendrix, Janis Joplin, The Doors y de tantos magníficos compositores, cantantes y grupos que tenían algo que decir y un indiscutible don musical. Y lo lamento por los pobres niños de hoy que crecen escuchando música tan desechable como la de Britney Spears o el regetón.
Pero la presencia de Bob Dylan en mi vida particular no fue tan solo musical. En lo que yo llamo "mi primer exilio", cuando mi padre nos sacó de El Salvador por la guerra y nos mandó para Alemania a inicios de los 80, descubrí al Dylan dibujante en un libro suyo llamado Writings and Drawings que compré en una tienda de instrumentos musicales en Berlin Occidental (todavía existía el muro), muy cerca de la Ernst-Reuter-Platz y de la Frei Universität. El libro compilaba una gran cantidad de las letras de sus canciones, algunos poemas inéditos y dibujos (líneas gruesas y dibujos bastante sencillos, como los de un niño).

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

It was 40 years ago today...

Ficha técnica del disco

Estudios: Abbey Road y Regent Studios

Fecha de grabación: 6 de diciembre de 1966 al 3 de abril de 1967. El 21 de abril se grabaron unas galimatías para el final del álbum, para evitar el ruido que hacían los antiguos tocadiscos no automáticos con el último surco que siempre quedaba vacío.

Tiempo de producción: En total, 700 horas de grabación. La primera canción en quedar lista fue "When I’m Sixty-Four", ese 6 diciembre, con la toma cuatro. Detalles de grabación de cada canción aquí.

Debut: Fue lanzado al mercado el 1 de junio de 1967, en Gran Bretaña; el 3 de junio debutó en las listas de popularidad y el 10 de junio llegó al número 1 estando en esa posición 23 semanas. En Estados Unidos fue publicado el 2 de junio de ese mismo año y vendió un millón de copias de manera anticipada. Número 1 en Billboard durante 15 semanas.

Canciones: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band; With a Little Help From My Friends; Lucy in the Sky with Diamonds; Getting Better; Fixing a Hole, She’s Leavinng Home; Within You, Without You (*); When I’m Sixty-Four; Lovely Rita; Good Morning, Good Morning; Sgt. Pepper’ Lonely Hearts Club Band (reprise); A Day in the Life.

Compositores: Todas las canciones son de John Lennon-Paul McCartney; excepto (*) por George Harrison. (Comentarios de cada uno sobre las canciones de este disco aquí).

Duración del disco: 39:46.

Productor: George Martin (también tocó el clavicémbalo).

Distinción: en el 2003 fue elegido por la revista Rolling Stone como el mejor álbum de todos los tiempos.

La portada: Se convirtió en un ícono en sí misma. La tomó el artista Peter Blake en los estudios Chelsea Manor de Londres el 30 de marzo de 1967. Incluye a más de 50 personajes diversos. Algunos fueron sacados del arte final, como Jesús (luego de aquellas famosas declaraciones de Lennon), Mahatma Gandhi (porque pensaron que los indios se ofenderían por su presencia) y Germán Valdés, "Tin Tan" (porque le pidió a Ringo que en vez de poner su foto pusieran el dibujo de un árbol mexicano).

Y aunque me gustan todas las canciones, comparto la que forma parte de mi top 25 de todos los tiempos, "A day in the life".

Cajita de música

"Hidden Place", Bjork

"Mama Wolf", Denvendra Banhart

"Good Friday", CocoRosie

"Fistful of love", Antony and the Johnsons

"La verdad", Juana Molina

Don't look back, Peter Tosh & Mick Jagger

Hay gente que parece vivir aferrada al pasado, sea éste bueno o malo. En lo personal, prefiero no ver atrás y mirar donde voy poniendo el pie en el día presente, lo único más o menos cierto que tenemos además de la muerte. Por ahí va el rumbo de esta canción: So if you just put your hand in mine / we're gonna leave all our troubles behind / we're gonna walk and don't look back.
En este clip, un jovencísimo Elliot Gould presenta en Saturday Night Live al gran Peter Tosh, quien canta Don't look back acompañado de nadie más y nadie menos que de Mick Jagger.
(Dedicado a Mr. H. navegando en estos días por algún lugar del mar Caribe y quien me introdujo al vasto, ancho y complejo mundo de los ritmos caribeños. Kiss, kiss, kiss).

James Brown (1933-2006)

Mister James Brown, the Godfather of Soul, Soul Brother Number One, Mister Dynamite, The hardest working man in show business, Minister of the new super heavy funk , murió hoy día de Navidad en Atlanta, Georgia, luego de ser internado ayer de urgencia por una neumonía.
Sin duda alguna, James Brown fue una de las muy grandes influencias musicales de la segunda mitad del siglo pasado. Sus pasos de baile, la energía de sus presentaciones, sus canciones con guiños obviamente sexuales fueron una influencia mayúscula para un sin fin de músicos, desde los Rolling Stones y David Bowie hasta Puff Daddy. Se le considera el propulsor de la música disco, el rap, el hip-hop y el funk (se dice que él inventó la palabra). Sus canciones han sido emblemáticas como la popular I feel good, o It's a man's man's man's world. Su famosa I'm black and I'm proud convirtió su título en una frase representativa del orgullo racial y de las luchas por los derechos civiles de los años 60.
Su vida intensa estuvo llena de conflictos: estuvo en la cárcel, se casó y divorció varias veces, fue adicto al alcohol y las drogas y también fue acusado de violencia doméstica, viajó incansablemente en largas giras musicales y trabajó sin parar prácticamente hasta su muerte.
En sus conciertos era siempre esperado el momento en que, frente al micrófono, caía de rodillas y sus asistentes le ponían una capa para sacarlo, aparentemente agotado de bailar y cantar, pero casi al salir del escenario, Brown tiraba la capa y volvía con toda energía al micrófono, para júbilo de los presentes.
Fue uno de los primeros inducidos al Rock and Roll Hall of Fame junto con Elvis Presley, Chuck Berry y otros músicos considerados los fundadores de todos los ritmos actuales.
Aquí los dejo con una de mis favoritas y unos de sus primerísimos éxitos, Papa's gotta brand new bag... God bless your soul, brother!

Fashion

No sé por qué pero hoy se me metió en la cabeza una cancioncita que no es mi favorita de David Bowie ni la había escuchado en ninguna parte para decir que se me quedó pegada (tengo tiempos de no oírla), pero me dio por andar en la calle cantando Fashion, en particular el pedacito de fafafafafafafafashion, así es que ni modo, tuve que buscarla y oirla (y ahi se las dejo, a ver si no se les queda pegada la misma partecita...)

Shipping up to Boston: Dropkick Murphys

Si han visto o van a ver The Departed, se toparán con esta canción en más de una escena. Se llama Shipping up to Boston y pertenece al CD The Warrior's Code del grupo Dropkick Murphys.
El grupo se formó en Boston hace 10 años y según ellos mismos cuentan, al comienzo se trataba de un grupo de amigos tocando e improvisando alrededor del tipo de música con la que crecieron: punk rock, folk irlandés, rock y hardcore. El resultado es esta mezcla de neo-punk que me parece muy interesante.
Existen dos videos de la canción. Uno con escenas de la película y que fue "bendecido" por Martin Scorsese, gran fan de este grupo. El otro es este que comparto hoy.

La contra-lista de los 100 mejores discos

La semana pasada coloqué un post sobre los 100 mejores discos según la revista Time. La lista fue decepcionante, no solamente para los que leen este blog, sino también en otros medios donde pude leer comentarios sobre lo incompleta y parcial que era y donde muchos daban opinión acerca de los discos que hacían falta en la misma.
Algo comenté que lo mejor sería que hiciéramos nuestra propia lista... y un amigo lector de Jacintario se entusiasmó con la idea. Así es que hoy les presento la propuesta del amigo Ike Wanna. Sobre los criterios de selección, nos dice:

La base principal principal es la subjetividad. Esta selección parte de una amplia (aunque limitada) muestra de álbumes musicales que he ido escuchando a lo largo de mi vida. Mal podría valorar lo que no conozco. Asimismo confieso no "conectar" con ciertos estilos musicales (hip-hop, metal, industrial, free-jazz, heavy…) por lo que mi lista presenta carencias evidentes en referencias de esos géneros musicales. Mal podría valorar lo que no es de mi gusto.
A partir de esta declaración de principios podríamos citar como criterios los comunmente aceptados: originalidad, creatividad, calidad musical, calado y aceptación popular y, si se fija, heterodoxia. Un ejemplo: Ud. encontrará en todos las listas el "Dark Side of the Moon" de Pink Floyd; yo prefiero el "Wish you were here", por ser un trabajo más personal (¿hasta qué punto el primero es una obra de "ingeniería de sonido" nacida de la genialidad de Alan Parsons?). Otro: el "Who's next"; "Quadrophenia" me parece más relevante por acercarse a una realidad juvenil de una época…

Jimi Hendrix

De estar vivo, este día Jimi Hendrix estaría cumpliendo 64 años. Es inevitable preguntarse qué estaría haciendo un genio como él, qué evolución y rumbo hubieran tomado su música, sus composiciones musicales y sobre todo la extraordinaria habilidad con la cual tocó la guitarra.
Cinemax está presentando en estos días el documental Jimi Hendrix, dirigido por Joe Boyd y John Head y realizado a 3 años de su muerte en 1970. El documental tiene presentaciones en vivo de Hendrix, así como una serie de entrevistas con gente como Pete Townsend, Mick Jagger, Eric Clapton, Lou Reed y Mitch Mitchell, entre varios más que lo conocieron y convivieron con él.
Me llamaron la atención un par de cosas dichas por Townsend: primero, que nadie quería tocar después de Jimi Hendrix (ni The Who ni Eric Burdon & The Animals) en Monterrey, porque... porque... ¿quién iba a tocar después de Hendrix y ser escuchado? Y segundo, Jimi Hendrix le permitió a la guitarra convertirse "en un instrumento" por cuenta propia, no en un instrumento más de un grupo, gracias al don que tenía Hendrix para tocarla.
Es obvio en el documental el profundo respeto y admiración que sentían todos por Hendrix. Y entre sus fans, hay una frase muy común, algo que encierra el sentir sobre este hombre, que fue muy "duro" para lo que los negros escuchaban en aquel tiempo, y muy "negro" para la escena rock, dominada casi por completo por los blancos, un hombre que tocaba su guitarra con los dientes, con la lengua, con la guitarra puesta en la espalda, con los ojos vendados, dando vuelta de gato (literalmente) y sacrificando su guitarra (como hizo en Monterrey) como una manera de honrar su propio instrumento: Jimi Hendrix is god.
El documental puede verse también los días 28 de noviembre (17:15), 1 de diciembre (13:45), 4 de diciembre (9:15), 7 de diciembre (7 a.m.) y 12 de diciembre (11:45), hora centroamericana.
Mientras tanto los dejo con la que es sin duda una de sus más memorables presentaciones, su interpretación de Wild Thing en el Festival de Monterrey en 1967.

Los 100 mejores discos según Time

La revista Time ha publicado una lista de los 100 mejores discos de los últimos 50 años. Leer la lista puede convertirse en un viaje por el tiempo, pero también en momentos de insatisfacción si tomamos en cuenta que, como toda lista, faltan algunos discos que para otros son esenciales. No hay nada de Pink Floyd, por ejemplo, lo cual es imperdonable; tampoco hay nada de The Doors o The Cure. La lista pretende ser textualmente "de los más grandes y más influyentes" y por eso las omisiones son más dramáticas.
Pero en todo caso, si usted de mete directamente a la lista del Time, podrá hacer clíck en cada disco y leerá el razonamiento de su selección.
En lo personal, me parece que la lista de los años 50 está incompleta (sólo hay 4 años) y en la lista de los años 2000, hay 4 antologías de cantantes de otras épocas (Elvis Presley, Hank Williams, Muddy Waters, Sam Cooke). No que no merezcan estar ahí, sino que es también una señal de que en esta década que estamos viviendo, la música no es precisamente grandiosa, excepcional y ciertamente dejará pocas influencias en las generaciones o músicos del futuro.
Pero bueno, tampoco hay que tomárselo tan a pecho. Las listas son para divertirse. A continuación, la lista completa:

Bravísimo, cantaor: Diego El Cigala en Costa Rica

Ante un Teatro Nacional a reventar, Diego El Cigala, considerado el mejor cantaor de flamenco actual, se presentó en la ciudad de San José este viernes 3 de noviembre.
Aunque la propaganda para el concierto fue algo discreta, los boletos se agotaron más de una semana antes de su presentación, pese a que los precios de entrada andaban entre los 20 y 65 dólares. Pero la verdad es que para espectáculos de esta categoría, el precio es lo de menos, y así lo consideramos los amantes del flamenco y seguidores de este personaje que desde su trabajo junto a Bebo Valdez y Lágrimas Negras, se metió el mundo en el bolsillo.
El concierto arrancó con un tema interpretado por 3 músicos: Yumitus, el robusto pianista, Yelsy Heredia al contrabajo y la percusión de Sabú Porriña (cajón incluido). El público aplaudió con calidez esperando al ídolo, que apareció luego de terminada la pieza de calentamiento, vistiendo traje negro y camisa rosado claro. La ovación que recibió, al apenas entrar, fue tan impresionante que me causó escalofríos. Largos minutos de aplausos, gritos de "bravo" y "Dieguito", que impidieron que El Cigala se sentara siquiera. Se quedó parado agradeciendo y saludando una y otra vez al público que simplemente no paraba de aplaudir y halagarlo... ¡y El Cigala ni había comenzado a cantar!

Cigala, Picasso, Flamenco

Diego Ramón Jiménez Salazar fue rebautizado como Diego El Cigala por el mismísimo Camaron de la Isla, uno de los cantaores de flamenco más populares de todos los tiempos. Diego nació en el barrio popular de El Rastro, en Madrid, en 1968, y como muchos otros cantaores, comenzó cantando en las calles, en tablaos y peñas. A los 12 años ganaba su primer premio. Muy pronto, y gracias a su habilidad para marcar el ritmo, comenzaría a ser llamado para acompañar en el cante a bailaores tan importantes como Mario Maya, Faíco, Farruco, El Güito, Manuela Carrasco, Cristóbal Reyes, Carmen Cortés y Manolete. Luego se lanza como cantaor y graba su primer disco, Undebel, en 1998.
En el 2002, ya con una reputación consolidada y la admiración y el respeto de todos los seguidores del flamenco, ocurre uno de esos encuentros en que la magia y el genio se combinan para dar a luz una obra maestra: El Cigala canta boleros cubanos acompañado al piano por el gran maestro Bebo Valdés. De este encuentro, producido por Fernando Trueba, nace Lágrimas Negras. Este disco se convirtió en una sensación internacional que proyectó mundialmente al Cigala.

Friendly Fire: Sean Lennon

Han tenido que pasar 8 años para que por fin Sean Lennon sacara un nuevo disco, el primero desde su exitoso Into the sun. Recién lanzó Friendly Fire, un paquete que incluye un CD de música con 10 maravillosas canciones y un DVD con los 10 no muy maravilloso videos correspondientes a las canciones.
Musicalmente, las canciones parecen seguir un mismo hilo "temático" a nivel musical. Es un disco que destila mucha melancolía. Canciones melódicas, con pocos instrumentos, donde las letras giran en torno a la muerte y a amores perdidos, lo cual en combinación con las tonadas, proporciona ese aire melancólico.
Y lo siento, pero debo decirlo, es inevitable recordar a los Beatles de vez en cuando. Ningún disco o canción en particular, pero quizás el espíritu de aquellas canciones románticas, intensas, profundas. No debe ser fácil ser el hijo de John Lennon e intentar despegar con un proyecto musical propio sin que todos pensemos en el padre. Pero, habiendo dicho eso, tampoco es motivo de vergüenza pensar que John y Los Beatles son, sin duda, parte de las influencias notables de Sean Lennon (como lo son para muchos músicos y artistas en general).

Freddy Fender (1937-2006)

Baldemar Huerta, conocido popularmente como Freddy Fender, falleció hoy sábado al mediodía en su casa de Corpus Christi, Texas, a causa de cáncer de pulmón.
Nacido en San Benito, Texas, y orgulloso de sus raíces mexicanas, cantó alternando en inglés y en castellano. Sus estilos musicales fueron varios, desde el tex-mex hasta el pop pasando por la música tradicional mexicana hasta el country. Fue también miembro del exitoso y popular grupo The Texas Tornadoes en los 90.
En 1999 recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y en el 2002 ganó el Grammy al mejor álbum en la categoría Latin Pop por "La Música de Baldemar Huerta". También compartió dos Grammys: uno con The Texas Tornados, los cuales ganaron en 1990 en la categoría de mejor actuación México-Americana por la canción "Soy de San Luis", y con Los Super Seven en la misma categoría en 1998 por "Los Super Seven".
Fender fue sin duda de gran influencia para el surgimiento de otros grupos populares como Los Lobos y Los Lonely Boys. Su primer gran éxito fue la maravillosa Wasted days and wasted nights, grabada originalmente en 1959. Pero volvió a grabarla a mediados de los 70 para el disco más conocido de su carrera Before the next teardrop falls, volviendo a ser un hit.
Acá los dejo con uno de sus grandes éxitos, la sentimentalísima Before the next teardrop falls... take it away, Freddy:

Chavela Vargas se retira de los escenarios

Chavela Vargas hizo su última presentación el pasado sábado en la ciudad de México, después de 50 años de carrera. En el concierto homenaje participaron varios reconocidos artistas de diferentes generaciones y ámbitos, incluyendo a Carlos Monsiváis y Yolanda Montes, la "Tongolele".
Pero el punto culminante de la noche fue sin duda cuando apareció en el escenario Lila Downs, quien fue presentada por la misma Chavela diciendo "Yo ya me voy porque los años pasan, pero viene en lugar mío una señora llamada Lila Downs". "Usted no se va, siempre estará con nosotros", respondió Lila, y le dedicó "La tequilera" y "Qué bonito amor", canciones que dijo escuchaba cuando era niña en Oaxaca.
Chavela Vargas nació en Costa Rica y muy joven se fue a México para buscar fortuna como cantante, convirtiéndose en una de las grandes intérpretes de la música mexicana.
Hace un par de años, cuando fui invitada a un encuentro de escritores en Madrid, tuve oportunidad de conversar con ella un rato en la Residencia de Estudiantes, donde estábamos alojados los escritores al encuentro. Coincidía allí también Gonzalo Rojas, que recién se había ganado el Cervantes y que estaba en Madrid para algunas actividades.

The eraser (Thom Yorke)

Nunca voy a olvidar la primera vez que vi un video de Radiohead. Me impresionó la canción (Creep) pero sobretodo, me impresionó el vocalista, un hombre flaco, bastante feíto y con el párpado del ojo izquierdo caído no sé por qué motivo pero con una voz que superaba su extraña presencia. Luego vendría aquel excelente disco, OK computer y varias canciones magistrales como Karma Police y Paranoid Android.
Ese tipo del ojo extraño es Thom Yorke, quien se ha mantenido como vocalista de Radiohead, uno de los grupos de música alternativa más venerados de los últimos tiempos. Ahora Yorke acaba de lanzar su primer disco como solista, The eraser. El disco se estrenó en los primeros lugares tanto en Inglaterra como en los Estados Unidos.
Yorke escribió todas las canciones del disco en una laptop, pero también recurrió a cintas de archivo de las sesiones de grabación con el grupo. En una entrevista mencionó que era difícil saber a quién pertenecía cuál tramo de canción, por la manera en que el grupo trabaja, ya que las creaciones son por lo general colectivas y graban todas las sesiones de ensayo. Recurrió a esas cintas de archivo para complementar lo que había creado a través de su laptop.
Por eso, para los que hemos seguido al grupo, habrá un sonido familiar. Y sin embargo, las canciones se apartan y tienen su propia originalidad. Algo más rítmico y a la vez melancólico. Difícil decidir por una favorita pues todas son buenas y el conjunto es arrobador (éste es uno de esos discos que uno escucha una vez detrás de otra sin aburrirse, pues de pronto le encuentra algo nuevo). Pero quizás mi canción favorita es Black Swan.
Cabe destacar también el arte de la portada, hecho por Stanley Donwood, quien ha hecho casi todo el trabajo de portadas y posters de Radiohead, así como el arte de su website. Con tanto disco facilón que circula por ahí y que algunos tienen el descaro de llamar "música", The eraser destacará sin duda como uno de los mejores discos de este año.

Freddy Mercury

De estar vivo, hoy sería el cumpleaños 60 de Freddy Mercury. Nacido en Zanzíbar (cuando todavía era colonia británica), de padres persas, educado en la India y bautizado como Farrokh Bulsara, Mercury llegó a ser conocido como el cantante líder del grupo Queen. Pero su personalidad y talento trascendieron lo estrictamente musical. Interesado en la ópera y en el teatro, con un registro de voz envidiable, capaz de producir sonidos muy agudos, pero también sonidos bastante graves, logró como compositor hacer una mezcla entre lo operático y el rock que, por lo demás, impresionó favorablemente al público musical de los 70.
Desde el lanzamiento de A night at the opera, de donde se desprendería el extraordinario sencillo Bohemian Rhapsody, el grupo Queen, sus canciones, conciertos y videos sorprenderían e impactarían al mundo entero. Queen ganó una fanaticada leal. Mercury se dedicaría luego a algunos proyectos en solitario, como el disco Barcelona, junto a la cantante de ópera Montserrat Caballé.
Sobre el escenario, Mercury era un showman completo. Con trajes ceñidos al cuerpo, capas y coronas, shortcitos minúsculos o con un atuendo sencillo (jeans y camiseta) solía moverse, brincar, bailar, tocar el piano y por supuesto cantar con una entrega que ya muy poco se mira en los cantantes actuales. Las muchedumbres, por supuesto, se rendían ante el espectáculo.
En 1987 fue diagnosticado con el virus del VIH, muriendo en Noviembre de 1991 a los 45 años.
Aquí un clip de conciertos dados por Queen en Budapest en 1986, tocando Rapsodia Bohemia.

Libertango

Entre los ritmos favoritos de mi ecléctico gusto musical, se incluye, por supuesto, el tango. Mi favorito es uno llamado Nostalgia (Nostalgia, de escuchar su risa loca y sentir junto a mi boca como un fuego su respiración. Angustia de sentirme abandonado y pensar que otro a su lado pronto, pronto, le hablará de amor. Hermano, yo no quiero rebajarme ni pedirle ni llorarle ni decirle que no puedo más vivir. Desde mi triste soledad veré caer las rosas muertas de mi juventud).
Libertango es la pieza de Astor Piazzolla que más me gusta. Hay una versión cantada por Grace Jones que no está nada mal (I've seen than face before, se llamaba).
Por hoy comparto esta versión, en la que David, hijo de Astor, toca el bandoneón, acompañado de Yo Yo Ma en el contrabajo.

Manu Chao: Clandestino

José Manuel Arthur Chao, mejor conocido como Manu Chao, tenía la idea de grabar un disco que, pensó, nada más compraría su madre y algunos amigos. El disco fue Clandestino y vendió millonadas de copias. Los que no lo conocían como vocalista del grupo Mano Negra, lo conocieron con este disco como un músico que fusiona diversos géneros e idiomas. Con fuertes influencias del punk, ska, rock, raï y hasta cumbia, cantando en español, portugués, francés, árabe y gallego, "sampleando" dentro de su música emisiones de radio, partidos de fútbol, diálogos de películas del cine de oro mexicano y sonidos de la calle, las canciones de Manu Chao se han destacado además por el contenido de sus letras que señalan realidades sociales pero que también son juegos de palabras. En alguna entrevista ha dicho que su famosa "Me gustas tú" está escrita de tal manera que cualquiera puede tomar su letra y cambiarla por las cosas que le gusten a cada quien.
Su segundo disco Próxima estación: esperanza, también fue un éxito. Pese a ello, y a los llenos de todos sus conciertos, Manu Chao no ha perdido su centro ni su estilo de vida particular. Su pasión de vida es viajar, no como turista en hoteles 5 estrellas, sino que viaja por los países de Latinoamérica y el norte de África, con muy bajo perfil y se la pasa en autobuses, visitando pequeños pueblos, filmando parajes con una video-cámara de mano (clips que luego utiliza en sus videos), intercambiando canciones con los lugareños, estudiando sonidos e instrumentos musicales autóctonos, grabando programas de radio y en fin, empapándose de la vida y la problemática de nuestros países, para luego trasladarlo a sus canciones.
En su recital del 7 de agosto recién pasado en Prospect Park, situado en el barrio de Brooklyn en Nueva York, hizo una dura crítica a las políticas de inmigración estadounidense, tema al que alude en su canción Clandestino. En el recital dijo estar en contra de las "guerras ilegales" y también de cualquier forma de represión. "Basta de bombas de la Casa Blanca. El problema del terrorismo se soluciona con cultura y educación" dijo Manu.

Iggy Pop: The Passenger

Hacia fines de los 60 apareció un grupo llamado The Stooges, con la voz cantante de Iggy Pop, y que influenció toda una nueva corriente del rock pesado de los 70. Después de 3 discos, Iggy Pop siguió su carrera de solista y llegó a ser conocido como el Padrino del Punk.
En sus primeros conciertos era común verlo tirarse al público (se considera que fue él quien inició el "stage diving"), untarse mantequilla de maní o cortarse con vidrios de botellas rotas. Sobreviviente a adicciones a la heroína, cocaína y otras yerbas, Iggy Pop siempre con el pelo hecho un desastre, sin camisa y con un rostro de rasgos intensos, ha sido un provocador tanto con su música como con su actitud y sus declaraciones a la prensa.
Acá un clip de Iggy en el Fuji Rock Festival de 1998 en Japón, cantando la archi-famosa The Passenger, basada en un poema del también legendario Jim Morrison.

David Bowie: Space Oddity

A inicios de los 70, apareció un ser andrógino, vestido con trajes metálicos, maquillado como mujer, con un ojo celeste y otro café (esto, algo natural), y cantando canciones sobre el angst espacial (somo Starman y Ziggy Stardust): el hombre había llegado a la luna y David Bowie penetraba en la soledad del cosmonauta, indefenso ante la grandeza del universo, seducido por esa grandeza y misterio, renovando el rock de la época y marcando por siempre a muchos músicos.
David Bowie sigue produciendo y haciendo música, siempre cuestionando el presente del ser humano, pero es sin duda Space Oddity uno de sus grandes clásicos:
Ground Control to Major Tom your circuit's dead, there's something wrong.
Can you hear me Major Tom? Can you hear me Major Tom?
Can you hear...?

Syd Barrett (1946-2006)

Syd Barrett, uno de los fundadores del legendario grupo Pink Floyd, murió el pasado 7 de Julio, aunque la noticia recién se dio a conocer ayer. Tenía 60 años y se presume que murió por complicaciones relacionadas con la diabetes, que sufría desde hacía algunos años, aunque no se ha dado un informe oficial al respecto. Vivía en reclusión total desde hacía 30 años en la casa que había sido de su madre, en Cambridgeshire (Inglaterra) y no hablaba con fans ni periodistas, aunque era común verlo caminar por el vecindario o andar en bicicleta.
En el 68 salió del grupo tras una muy publicitada crisis con el LSD y fue sustituido por David Gilmore. Lanzaría un par de discos como solista pero, al recluirse en su hogar, se dedicó a sus dos grandes pasiones, la pintura y la jardinería.
Caramba. Como que el mundo se va quedando vacío...

Muere "el quinto Beatle" Billy Preston

Billy Preston, quien llegara a ser conocido como "el quinto Beatle", falleció por complicaciones renales. Tenía 59 años. Había estado en coma desde noviembre debido a complicaciones con un riñón que le había sido transplantado en el 2002 pero que posteriormente falló y que lo obligó a recibir diálisis desde entonces.
Aunque Preston se hizo conocido por sus colaboraciones con grupos como The Rolling Stones y The Beatles, logró luego despegar por cuenta propia, llegando a tener éxitos como intérprete de música funk y compositor. Recuerden Will it go round in circles y Nothing from nothing. Y aunque pocos lo saben, fue el compositor de aquella preciosa canción cantada por Joe Cocker You are so beautiful.
Pero definitivamente será más recordado como uno de los grandes colaboradores musicales de The Beatles. Toca el solo de piano en Get back y en Let it be y si se fijan en cintas del grupo, verán a un negro de afro por ahí, concentrado en su piano y complementando a los genios de Liverpool.

Algunas páginas con info sobre Billy Preston:
Página oficial: http://www.billypreston.net/
Biografía: http://www.billypreston.net/biography.html
Ficha del Imdb: http://www.imdb.com/name/nm0696383/
Algunos fotos y clips con la voz de Preston hablando de The Beatles: http://www.beatlesagain.com/bbilly.html.

La cantina de Lila Downs

Yo no tenía ni la menor idea de quién era Lila Downs. Jamás había escuchado su nombre, hasta que un día del 2003, una mi amiga en Berlin, Alemania, me insistió a que fuéramos a un concierto suyo. La única vaga referencia que tenía de ella (y esto porque me lo recordaron), fue su aparición en la película Frida, versión Salma Hayek, donde Lila Downs canta en la escena donde Frida baila con no sé quién y le planta un beso en la boca a otra mujer (creo que a quien hace de Tina Modotti). A mí la película no me gustó mucho y quizás por eso ni registré el rostro de la Downs, que por cierto, se parece mil veces más a Frida Kahlo que Salmita Hayek.
El caso es que dicho concierto ha sido una de las más agradables sorpresas que he tenido en la vida: Ella aparece en el escenario vestida invariablemente con algún atuendo típico mexicano, rodeada de músicos de diferentes nacionalidades y de un virtuosismo extraordinario. Canta canciones compuestas por ella pero también rescata canciones tradicionales, y lo mismo te canta en inglés que en español, maya, náhuatl, mixteco y zapoteco.