Silk / Elizabeth, The Golden Age

Cuando supe que se había hecho una película basada en la novela Seda de Alessandro Baricco sentí algo de escalofríos. Si bien es cierto que el cine se ha alimentado muchísimo de obras literarias, algunas con mayor o menor acierto, hay libros que me parecen intraducibles al cine y Seda es uno de ellos. ¿Por qué? Porque la belleza de esa novela se centra mucho en el uso de las palabras para crear un ánimo en el lector, que se convierte en el ambiente ideal para que cada quien, mediante el uso de su imaginación, vaya creando los cuadros y visualice con lo que conoce (o no) del mundo y su paisaje.
Ésa es la belleza que hay en la lectura. Ésa es la magia que un buen escritor debe saber realizar: una persona que no conoce ni conocerá nunca, lee su escrito e imagina. No hay más misterio en esto de leer y escribir aunque académicos y teóricos se empeñen en lo contrario.
Pero la magia que debe convocar un director de cine es algo distinta y se le complica si trabaja en base a una obra literaria. Debe hacer lo mismo que el escritor, pero trabaja con muchos más elementos: imágenes, historia, personajes, actores, luz, sombras...
En pocas palabras, diré que la película Seda es una decepción bastante grande. No le llega a los pies al libro. No transmite el ambiente que Baricco ha logrado a través de frases muy precisas y pequeñas escenas. En la película no sentimos la intensidad de una historia que narra no sólo una historia de amor, sino la lucha de una pequeña localidad por sobrevivir y los viajes que un personaje hace a través de Europa y Asia.
Todo eso se diluye en una película tediosa, que no despierta simpatía ni interés alguno en el espectador. ¿Habrá sido un error que Michael Pitt hiciera el papel principal? ¿Qué faltó en la fotografía que no fue arrobadora y no contribuyó a mantener el interés? ¿Estuvo la falla en el guión?
No lo sé, y seguramente no interesa. La película no funciona y no se la recomiendo porque no encontrará mucho que salvar de la misma y seguro tiene cosas más importantes que hacer.

The Diving Bell and the Butterfly

El entusiasmo generalizado acerca de la película The Diving Bell and The Butterfly, me hizo crearme unas expectativas bastante altas de lo que sería esta cinta que pude ver el fin de semana en DVD. Y quizás fue eso mismo lo que me hizo que me resultara decepcionante y que prácticamente me resbalara.
Había escuchado maravillas de la fotografía, de cómo está contada la historia de Jean Dominique Bauby, editor de la revista Elle, que luego de sufrir un derrame masivo queda lúcido aunque no puede mover absolutamente ninguna parte de su cuerpo, a excepción del párpado izquierdo.
Sin embargo, lo que yo vi, fue una película algo lenta, tediosa y que terminé de ver por disciplina, menos con entusiasmo, sin ninguna curiosidad ni mucho menos enternecimiento, cosa rara en mí que soy tan corazón de pollo y que soy buena a llorar con historias tristes.
Hay que reconocerle una cosa: la idea de contar gran parte de la historia desde el interior del personaje central, tratando de hacer sentir al espectador que es él quien está viendo a través de uno sólo de sus ojos, logra el cometido de transmitir la angustia del personaje, su sensación de encierro y por supuesto, resulta inevitable preguntarse qué haría uno puesto en esa circunstancia.

El violín

Don Plutarco es violinista y junto con su hijo Genaro y su nieto Lucio, tocan en pueblos, duermen en la calle y regresan a su comunidad. Pero en uno de esos viajes de regreso, el ejército la ha invadido; mujeres y niños huyen. El ejército busca a rebeldes. Los pobladores se esconden en la montaña.
Genaro y don Plutarco tienen contacto con los rebeldes y están preocupados por una cosa: las municiones que quedaron escondidas en la comunidad y que necesitan para una próxima acción. Así es que mientras los rebeldes organizan sus planes, don Plutarco intenta entrar a la comunidad. Los soldados lo detienen, decomisan su violín, le obligan a tocar. El capitán se fascina tanto con la música y la habilidad de Plutarco, que le pide lecciones...
La película mexicana El violín está construida con poco diálogo, con una excelente fotografía en blanco y negro y con un desarrollo que a ratos se antoja algo lento. Sin embargo, diría que esa lentitud tiene que ver con el ritmo mismo de la vida de los personajes y con su carácter, en particular con el de don Plutarco, quien sostiene la narración y que es una persona de pocas y precisas palabras.
Pese a que la historia transcurre en un lugar que asumimos es México (por los localismos del habla), no hay menciones a épocas o lugares particulares y por lo tanto, la historia adquiere un carácter de universalidad. No es difícil imaginar eventos como los descritos en la película ocurriendo en cualquier lugar de Latinoamérica donde haya habido una guerrilla, y en lo personal no me fue difícil imaginarla aconteciendo en algún rincón de Centro América durante los años 80.

3 X 1: tres películas en un post

El pasado fin de semana alquilé un par de películas que tenía interés por ver pero que se me pasaron cuando estuvieron en el cine. Luego de verlas, la verdad fue que me alegré no haberlas ido a ver al cine porque me parecieron decepcionantes.
La primera de ellas, La Môme o La Vie en Rose, la película basada en la vida de Edith Piaf y que le valió el Oscar como mejor actriz a Marion Cotillard. Siendo que me crié escuchando sus discos, gracias a la pasión de mi padre por su música y que me convirtió también en fan de la Piaf, pensé que me gustaría esta historia. Pero no me tocó en lo absoluto.
La película parte de los últimos años de la Piaf y hace flashbacks a la infancia y adolescencia de la cantante, mostrándonos (o intentando) las dificultades materiales y emocionales que tuvo desde niña y cómo luego es descubierta cantando en la calle, cómo se convierte en una estrella popular, pero también la devastación de su enfermedad y el dolor ante la muerte del boxeador Marcel Cerdan, uno de sus grandes amores.
No sé si fue la estructura de la película, o si a pesar de todo, el querer abarcar desde su infancia hasta su muerte fue demasiado para una vida que aunque brevísima (Édith Piaf murió con apenas 47 años) fue intensa, y cuyos diversos acontecimientos forjaron el carácter difícil y contradictorio de la artista.
En referencia a la actuación de Marion Cotillard, estuvo bien, pero más impresionante que su actuación es seguramente el maquillaje que le permitió a la misma actriz interpretar gran parte de las edades de la Piaf. Vale decir que el equipo de maquillaje también ganó el Oscar.

Into the wild: cuando la estupidez se confunde con el heroismo

Con 22 años, Christopher McCandless se gradúa en Historia y Antropología en la Universidad de Emory, toma 24 mil dólares de su fondo universitario y lo dona a una ONG, quema su identificación, tarjetas de crédito y del seguro social, empaca una mochila y emprende un viaje a través de los Estados Unidos cuya meta es llegar a Alaska. La idea de Christopher, quien durante el viaje se cambia el nombre a Alexander Supertramp, es renunciar a todo tipo de posesiones, darle la espalda a la sociedad consumista y vivir con lo mínimo. Durante su viaje, se empleará en oficios pasajeros para poder financiar algo de comida, pero igual, a veces se la pasa con nada, saltando a trenes para viajar, encontrándose con personajes estrambóticos y compartiendo con ellos su filosofía arrancada de libros de Thoreau y Jack London.
Into the Wild, cuyo guión y dirección están a cargo de Sean Penn, está basado en el libro homónimo de Jon Krakauer, y que es en realidad una extensión del artículo “Death of an Innocent: How Christopher McCandless Lost His Way in the Wilds”, publicado en la revista Outside en 1997. Krakauer mismo es un montañista que aprovecha el libro para narrar no sólo sus propias aventuras, sino también la historia de McCandless y también la de Everett Ruess otro “viajero” (voy a llamarlo así por el momento), que a los 20 años desapareció en el desierto de Utah en 1934.
Para comentar esta película con algo de justicia creo que hay que separar muy bien lo que es la cinta en sí y luego la historia y los personajes involucrados, porque sobre esto último, hay mucha tela para cortar.

I'm not there

La premisa de I’m not there es “simple” pero a la vez muy compleja: Todd Haynes presenta una propuesta audaz al abordar 6 ángulos diversos de la personalidad de Bob Dylan, ponerles un nombre diferente y armar a través de ellos, no una historia, sino la estructura de un personaje, la sospecha de un ser real, su poética, retazos de su vida, su pensamiento, su alter-ego y hasta su imaginación.
La idea cuesta más explicarla que verla. Yo misma no podía imaginarme el resultado concreto de esto y no lo comprendí (si es que podemos usar esa palabra), hasta ver la película. No estamos ante una historia lineal ni lógica, aunque esto es un decir. Metidos en la propuesta de Haynes, logramos asirnos al hilo conductor, un personaje que sin estar realmente allí (no en vano el título), está omnipresente a través de quienes se le semejan, lo evocan, y hasta se le parecen.
Tenemos a un niño negro que se llama Woody Guthrie, que con apenas 11 años es ya un “hobo”, vagando por los caminos de los Estados Unidos, saltando de tren en tren y tocando sus canciones de los días de los sindicatos. Está Jack Rollins, el cantante que se convierte en “la conciencia de una generación” y que mucho más adelante, 20 años para ser precisos, lo veremos convertido en un pastor evangélico. Arthur Rimbaud es un poeta sometido a juicio y contesta, cigarro tras cigarro, incansable e irreverente, preguntas de unos invisibles jueces, sobre por qué escribe o deja de escribir. Robbie Clark es un cantante de éxito que filma películas, que tiene una esposa e hijos y también, algunos amoríos. Jude Quinn es el cantante que llega a ser millonario, que es cuestionado por la prensa, que cambia la guitarra acústica por la eléctrica y que es acusado de Judas en un concierto. Y Billy the Kid vive apartado del mundo, ajeno al mismo en un lugar llamado Riddle, hasta que debe enfrentar a su némesis Pat Garrett, quien desalojará a todos para construir una autopista. Cualquier similitud con la vida de Bob Dylan, ¿es casual? Por supuesto que no.

The Fountain

Siempre he sospechado que cuando muere alguien, todas las palabras y manifestaciones de pena se deben en mayor medida sobre nosotros mismos que sobre el difunto. Lamentamos lo que será su ausencia permanente, las cosas que ya no se harán ni dirán, el no ver al difunto y lo imposible que es un reencuentro. Lamentamos también nuestra propia condición de mortales, nuestra falta de preparación para estar sin esa persona, nos preguntamos cómo será posible la vida de ahí en adelante.
Hay circunstancias que pueden agravar esa sensación de pérdida tan rotunda. Por ejemplo, cuando alguien que amamos sufre una enfermedad y no podemos hacer nada por salvar a esa persona de un final que, por lo demás, nos espera a todos. La muerte es un trámite ineludible en nuestras vidas y es, como dice el dicho, lo único seguro que tenemos.
Esto subyace en muchos de los mitos y representaciones de todas las culturas. La vida en el más allá, la vida eterna, la fuente de la juventud, la cura de todas las enfermedades, la manera de alejar la muerte, para siempre, cómo hacernos inmortales en esta dimensión de la realidad y la vida que conocemos (o creemos conocer), porque no estamos ciertos de nada, de ninguna otra verdad que no pueda ser asimilada más que por nuestros pobres sentidos.

The Good German

En el final de la II Guerra Mundial, mientras los aliados se reúnen en Potsdam, un periodista asignado a cubrir dicho encuentro se mira envuelto en una serie de acontecimientos que involucran a su antigua amante, su chofer (que luego aparece muerto) y a un hombre que todos dan por muerto pero que en realidad está escondido en las ruinas de Berlin bombardeada.
The Good German de Steven Soderbergh narra esta historia en clave de film noir y con toda una minuciosa recreación de las películas de los años 40. Desde su filmación en blanco y negro hasta las ambientaciones y ángulos fotográficos, pasando por los créditos iniciales, la música y los cambios de escena, la película nos traslada magníficamente a aquel tipo de cine. De no ser por la presencia de rostros muy familiares del cine actual, la cinta bien podría pasar por original de aquellos años.
George Clooney interpreta al Capitán Jake Geismer en su intento por entender por qué tanto rusos como americanos andan detrás de Emil Brandt, para cuya localización se sigue de cerca a Lena, su esposa y ex-amante de Geismer.

A Cock and Bull Story y Tristram Shandy

Cuando vi esta película en la tienda, aunque me llamó la atención, no quise alquilarla de inmediato. No había oído nada de ella, ni bien ni mal. Pero lo que menos me convencía era pensar que a alguien se le hubiera ocurrido siquiera intentar la temeraria empresa de plasmar en cine La vida y opiniones del caballero Tristram Shandy, la compleja novela de Laurence Sterne. Sin embargo, un comentario leído en El Lamento de Portnoy, me animó a darle una oportunidad.
Para los que conocen la novela de Sterne, la gran pregunta es ¿cómo se adapta al cine un libro semejante, un libro que, como dirá uno de los personajes de la película “es la primera novela post-moderna sin que hubiera existido aún la modernidad”? Fácil: no se pretende adaptar la historia, pero sí capturar su espíritu.
A Cock and Bull Story es el interesante resultado de la visión de Michael Winterbottom sobre cómo aproximarse a Tristram Shandy. Y lo hace desde la perspectiva del director que se propone filmar una película basada en la mencionada novela. Es decir, un grupo de actores se maquillan, se preparan a filmar, repiten escenas una y otra vez, hay entrevistas, discusiones sobre presupuesto, escenas que deben incluirse o excluirse... El resultado final (la película dentro de la película), es desconocido para el espectador pero logramos tener alguna idea de lo que es el nacimiento del personaje principal y la batalla en que el tío Toby es herido. Conocer el resto de la historia correrá por nuestra cuenta.

The US vs. John Lennon

Durante muchos años circuló el rumor (que luego se comprobó era cierto) de que John Lennon había sido investigado y vigilado por el FBI. La influencia de un músico de fama internacional como Lennon, que se convirtió en un activista por la paz, no era conveniente para las aspiraciones de reelección de Richard Nixon, sobre todo cuando recién se permitía el voto a los jóvenes a partir de los 18 años (antes votaban a partir de los 21). Muchas variantes e historias inverosímiles emanaron de este rumor.
El documental The U.S. vs. John Lennon examina detenidamente este episodio en la vida del músico inglés. De manera muy coherente, David Leaf y John Scheinfeld (los directores) nos pasean por la vida de Lennon, desde sus días en los Beatles, la transformación politica de Lennon y cómo, a través de sus declaraciones o acciones, de sus amistades en los Estados Unidos (como Bobby Seale, cofundador de las Panteras Negras) fue convirtiéndose en un individuo que al gobierno de los USA y al mismísimo Nixon, le interesaba mantener vigilado, por si acaso.
Agentes del FBI seguían a Lennon e intervinieron su teléfono. Posteriormente Inmigración intentaría deportar a John y Yoko, pero Lennon apeló el caso y durante 5 años luchó para detener la deportación. Copias de las cartas que Inmigración le enviaba a Lennon iban a parar hasta el escritorio de Nixon.

Thank you for smoking

Siempre lo he dicho: el que tiene labia suficiente es capaz de venderte bosta de vaca y convencerte de que es justo lo que necesitás. De eso exactamente se trata el trabajo de Nick Naylor, el portavoz de la Academia de Estudios del Tabaco, una organización financiada por diversas empresas tabacaleras y cuya misión primordial en la vida es aumentar la venta y consumo de cigarrillos, a pesar de la fuerte oposición de políticos y organizaciones que confirman que fumar es dañino para la salud.
Naylor sabe exactamente la dimensión de lo que hace. Sabe que el tabaco mata diariamente a 1,200 personas y tiene el cinismo de auto-nombrarse “el Coronel Sanders del tabaco”. Para Naylor esto es un trabajo como cualquier otro, pero finalmente, todo parte de una filosofía de vida, o como Naylor diría, una habilidad especial: si se argumenta correctamente sobre un tema, nunca se está equivocado.

Little Miss Sunshine

El título no es nada alentador ni sugerente; la descripción argumental no prometía mucho (una familia que emprende un viaje para lograr que su hija participe en un concurso de belleza infantil); de remate, se trata de una comedia (y en lo personal, prefiero el drama). Tampoco hizo nada de ruido en los cines comerciales y a Costa Rica por lo menos no ha venido más que en forma de DVD. No actúan en ella actores demasiado famosos ni guapos ni es la película de un director reconocido y finalmente, pocos han hablado de ella. Pero un par de comentaristas de cine a los que respeto y con los que usualmente coincido en opiniones y gustos hablaron con tanto entusiasmo de esta película que cuando la vi en el Videocentro de San Pedro la alquilé sin pensarlo dos veces, aunque todavía con algo de escepticismo.
Pero desde las escenas iniciales de Little Miss Sunshine, uno intuye que está ante una buena película. Se engancha uno de inmediato y comprende además que la línea de humor que manejaron sus directores, Jonathan Dayton y Valerie Faris, es la del humor negro, el sarcasmo y la ironía.

Match Point

En lo personal siempre he preferido las películas "serias" de Woody Allen. Sus comedias son finalmente variables de los mismos temas y obsesiones de Allen y creo que llegan al punto de cansar o no causar sorpresa. Y la sorpresa, el imprevisto, es un ingrediente esencial para la comicidad. O quizás estoy muy lejos de comprender los sutiles hilos de relaciones y referentes culturales que se mueven en Nueva York y el mundo de los judíos. Todo lo cual no significa que no me haya reído con más de alguna de sus comedias.
Pero recuerdo mucho más las películas que Allen ha utilizado para explorar las complejas relaciones entre los seres humanos. Una de mis favoritas fue Interiors, la cual no he podido volver a ver y que por desgracia, no ha entrado en el ciclo de reprogramaciones constantes que sí tienen películas como Manhattan (también excelente).
Por fin logré ver Match Point, la película de Allen filmada en Londres, y con un tema que podría parecer curtido, el triángulo amoroso, pero que puesto en las manos de Allen, se refresca y se consolida como uno de los temas eternos tanto de la literatura como del cine.

Tsotsi

Tsotsi es el líder de una pandillita de muchachos que viven en las zonas marginales de Johanesburgo. Salen cada noche a asaltar a gente. En una de esas noches, Tsotsi se va por su cuenta y roba un automóvil. Tsotsi no sabe manejar, así es que a duras penas logra sacar el vehículo de la zona de donde se lo robó. Al detenerse descubre que en el asiento de atrás hay un bebé de meses de nacido. Y decide llevárselo a su morada. ¿Pero qué puede hacer un ladronzuelo frío y malvado con un bebé?
Es la interesante cuestión que plantea la película sudafricana Tsotsi, ganadora del Oscar del año pasado a mejor película en lengua extranjera. Dirigida por Gavin Hood, la película retrata la vida de un grupo de muchachos delincuentes sin romanticismos ni pretensión de distinguir culpables o inocentes. Es "nada más" la vida tal cual es. El personaje principal, Tsotsi, reconstruirá a través de flashbacks su infancia: su madre muere de Sida y el constante maltrato de quien me pareció era su padrastro, lo obligan a huir de casa y a vivir y crecer entre unos tubos de concreto junto con otros niños de la calle. Son los recuerdos que le brotan al personaje al intentar el cuido del bebé. Los sentimientos que le provoca la pequeña criatura evocan en él no sólo recuerdos que ha reprimido durante mucho tiempo, sino que le hacen descubrir un lado humano que la crueldad de la vida cotidiana en la calle le había hecho olvidar tenía. Hasta llega a recordar su verdadero nombre, ya que Tsotsi es un apodo, una palabra que significa delincuente negro, criminal, pandillero, según el lenguaje usado en los barrios bajos.

Samsara

¿Qué es más importante: satisfacer mil pequeños deseos o concentrarse en satisfacer uno solo?
Tashi es un monje budista que se ha pasado 3 años encerrado en una cueva meditando. Su logro le permite ganar el respeto y la admiración de sus compañeros y maestros. Se reincorpora a la vida del monasterio pero su adaptación es lenta y dificultosa. Tiene sueños húmedos. Se desconcentra al ver los brazos de las mujeres en medio de las ceremonias grupales. Y finalmente se enamora de una muchacha, Pema. Tashi decide algo que parece absolutamente incoherente con toda su práctica espiritual: abandonar el monasterio y vivir la vida del hombre común.
Samsara, del director hindú Pan Nalin, narra esta historia de excelente factura, que puede ser vista como una dramática historia de amor, pero también como un drama que plantea preguntas filosóficas o espirituales muy profundas. Con los imponentes paisajes de Ladakh, región de la India vecina a los Himalayas, con austeridad de diálogos y con un ritmo muy pausado, Nalin logra impresionar con un largometraje de dos horas y 15 minutos.

Los tres entierros de Melquiades Estrada

Melquiades Estrada aparece muerto y nadie sabe qué pasó con él. Su amigo Pete Perkins comienza a buscar pistas para encontrar a su asesino. Las autoridades del pequeño pueblo fronterizo donde muere no hacen mucho por solucionar el crimen: Melquiades era un mexicano ilegal. Pero en un pueblo pequeño todo se llega a saber, así es que Pete encuentra al hechor, Mike Norton, un miembro de la patrulla fronteriza, hace que desentierre a Melquiades y emprenden un viaje hacia México, a caballo, para cumplir con la promesa que Pete le había hecho a Melquiades: de morir en Texas, Pete debería llevar su cuerpo de vuelta a Coahuila, a casa de su mujer.
The Three Burials of Melquiades Estrada es la primera película dirigida por Tomy Lee Jones, quien a su vez interpreta soberbiamente el papel de Pete Perkins. La historia, escrita por Guillermo Arriaga (el mismo que escribió las historias de Amores Perros y 21 Gramos), guarda sorpresas y giros inesperados a lo largo de todo su transcurso que hacen de esta película un western moderno con evocaciones rulfianas (de hecho el título de la historia bien podría pasar por un cuento de Juan Rulfo).

Caché

Una pareja comienza a recibir misteriosos videos en los que se dan cuenta que su casa está siendo filmada. La pareja no sabe qué está pasando, quién envía los videos ni qué desea la persona que los envía. Las cosas comienzan a ponerse algo serias cuando los videos son acompañados por dibujos de un niño al que le sale sangre por la boca y de una gallina con el cuello cortado, también con un manchón de sangre. Ellos acuden a la policía, pero la policía no puede ayudarlos hasta que ocurra realmente "algo".
Es el argumento de Caché, del director alemán Michael Haneke, una película de suspenso psicológico que funciona con elementos inusuales pero que logran atrapar al espectador hasta el final.
El presente se mezcla con el pasado, con lo onírico, con las cintas del voyeur y nos colocan, a los espectadores, también como mirones: miramos cómo el matrimonio, frente al problema, reacciona de manera tensa, desconfiada y con frialdad el uno hacia el otro; cómo el hijo de ambos, Pierrot, se transforma de la noche a la mañana en un niño rebelde y frío ante la sospecha de que su madre tiene un romance con alguien; miramos cómo, ante una situación de estas, a usted y a mí se nos ocurrirían algunas opciones obvias (como filmar la calle desde donde "el mirón" los filma a ellos para descubrir su identidad), pero supongo que a veces la lógica falla ante situaciones desconcertantes y los personajes no llegan a tener esas ideas.

Waking life

Por lo general me gusta comenzar mis comentarios sobre las películas que he visto con un pequeño resumen. Pero con Waking life hacer eso es bastante complicado porque su argumento es breve y, supongo, incluso podrá parecer falto de interés: un muchacho duerme y tiene sueños. En algún momento llega a dudar de si está despierto o dormido, de si sueña o tiene sueños lúcidos, quiere despertar y no puede, pero ¿está dormido o despierto? ¿Y de qué van todos esos sueños?
Los sueños del personaje principal (que no tiene nombre) son diálogos que tiene con diferentes personas. Bueno, en realidad menos que diálogos (los cuales son pocos), el muchacho escucha a otros hablar sobre la vida, la muerte, la sociedad, el papel de los medios de comunicación en la era moderna, el existencialismo y toda suerte de tópicos filosóficos, incluida la posibilidad de que la vida después de la muerte sea algo así como un sueño lúcido del cual jamás se despierta.
La novedad sin embargo, en esta película de Richard Linklater es que está animada.

Lord of War

La verdad es que esta película no me había llamado para nada la atención. No se había escuchado decir prácticamente nada de ella, pero un día leí un comentario sobre la misma en el blog de Santiago Roncagliolo y me quedé con ganas de verla.
Lord of War narra la historia de Yuri Orlov, un migrante ucraniano de Brooklyn quien decide dedicarse al comercio y tráfico de armas. Cómo comienza con dichas actividades y las diversas situaciones que vive, las personas que conoce y cómo se mueve dicho negocio son narradas por Orlov con una mezcla de humor negro y cinismo que nos permite conocer las interioridades del personaje.
Lo curioso del asunto es que Orlov, quien podría ser el villano al que todos quisiéramos ver frito, es un buen tipo: ama a su mujer y a su familia, es responsable en su negocio y respeta a todos sus clientes, siempre viste traje y corbata y fuera de su cinismo, es un tipo absolutamente correcto. No es un inmoral: es un amoral, no piensa en qué o a quién van a parar las armas. O lo piensa y lo sabe, pero no le parece peor lo que hace a lo que hacen otros, como por ejemplo, el propio Presidente de los USA a quien acusa de ser el mayor traficante de armas del mundo.

Shopgirl

Mirabelle trabaja en el Sacks Fifth Avenue de Los Angeles vendiendo guantes de lujo. Lleva una vida rutinaria, monótona, acaso animada un poco por su afición al dibujo y la fotografía. En la lavandería conoce a Jeremy, un muchacho raro, despistado con quien inicia una relación. Y luego conoce a Ray Porter, un señor bastante mayor que ella, con quien iniciará también una relación. Jeremy, ante el cortón, se va de gira con un grupo musical, mientras Mirabelle vive un romance con Ray, limitado por los viajes de éste.
Es la historia detrás de Shopgirl, dirigida por Anand Tucker, escrita y actuada por Steve Martin. La película, según mi impresión, tiene un ritmo irregular y me parece que desaprovechó algunos elementos y mal usó otros. La historia tenía el potencial como para convertirla en un buen análisis de la soledad en la sociedad actual, pero creo que se quedó corta. Quizás, moviendo algunas piezas, la película hubiera funcionado mejor.

Tartan Asian 4: Temas, recursos y elementos comunes

Quiero terminar esta visita a las películas de horror y suspenso asiático, detallando algunos temas, recursos y elementos que hacen de ellas, a mi parecer, un cine muy atractivo y por lo cual tantas personas nos hemos enganchado con ellas.

-La venganza (tanto entre los vivos como de los muertos a los vivos), la culpa, el apego al pasado, los espíritus como una realidad que vive paralela a nosotros, la videncia, las maldiciones, la soledad, el dolor físico, emocional, el suicidio y los problemas psicológicos, son los temas predominantes. Es interesante ver cómo se acepta como natural la presencia de los fantasmas en nuestro mundo contemporáneo y cómo ellos inciden fuertemente en la cotidianidad. También es interesante ver cómo la soledad del hombre moderno está acompañada del dolor y cómo ambas pueden ser el pasto para alimentar la venganza. La venganza vista como un motivo de vida, como el ímpetu que nos hace levantarnos por la mañana y continuar adelante, aunque una vez realizada la venganza ¿para qué se sigue viviendo?

Tartan Asian 3: A tale of two sisters

Dos hermanas regresan a su hogar con su padre. La casa está en un lugar aislado, en el campo. Ahí tienen que convivir con su madrastra, una mujer cruel y difícil que violenta constantemente a las niñas, sobre todo a Su-yeon, la menor. El padre parece estar abstraído en sus propios asuntos y no se mete en lo doméstico. Encima de la tensión que les ocasiona a las hermanas vivir bajo la tiranía de la madrastra y la falta de apoyo del padre, las niñas sufren pesadillas y visiones: una ahorcada, una niña que aparece debajo de los muebles o sentada en el comedor y la constante sensación de ser observadas o de que "alguien" está en los pasillos de la imensa casa.
No puede adelantarse más del argumento de A tale of two sisters sin delatar una serie de giros y situaciones inesperadas que explicarán (o no) toda esta historia. Dirigida por el sur-coreano Ji-woon Kim, esta película se incluye en el género del horror psicológico e indaga sobre todo en la culpa y en la incapacidad de soltar el pasado.

Tartar Asian 2: Audition

Shigeharu Aoyama es un viudo que, después de muchos años de estar dedicado a su trabajo y a la crianza de su único hijo, piensa que es hora de volver a casarse. Lo comenta con un amigo quien le propone emprender la búsqueda de la posible candidata organizando una audición ficticia para la filmación de una película. Aoyama examina cientos de fotos y solicitudes y de inmediato le llama la atención la de Asami Yamazaki, una joven que quiso ser balletista pero que por un problema con la cadera finalmente no pudo realizarlo y piensa ahora ser actriz.
Aoyama junto con su amigo entrevistan a más de 25 jóvenes hasta que por fin es el turno de Asami. Aoyama la invitará a comer, la llamará, la volverá a ver. Así comienza el cortejo pero también la revelación de algunos datos extraños: el amigo quiere confirmar los contactos de la joven pero no puede localizar a nadie y un productor musical que ella ha dado como referencia está desaparecido desde hace más de un año...

Tartan Asian I: Oldboy

Esta semana la dedicaré al cine asiático de horror y misterio, conocido como Tartan Asian, películas producidas y filmadas en varios países de aquel continente y que han llegado a occidente gracias a una distribuidora llamada, precisamente, Tartan (de ahí su nombre). Estas películas se caracterizan por tocar los temas del misterio, del horror, del thriller psicológico y del drama combinado con elementos de violencia extrema gráfica o con lo sobrenatural.
Mis comentarios son apenas los de una principiante (y por ello mismo, agradeceré comentarios, rectificaciones, sugerencias de alguno que sí sea conocedor...), pero luego de haber visto algunas he comprendido un poco la pasión que han suscitado entre sus fans. Me parece también que hay elementos más profundos (desde la cinematografía hasta los temas implícitos en sus historias), que hacen de ellas algo más que un montón de películas que la gente mira pasar con frivolidad o puro entretenimiento. La constante indagación en la soledad, la venganza, el dolor (físico, emocional y mental), los espíritus y la infancia (curiosamente varias de ellas tienen como personajes estelares a niños o adolescentes), aportan elementos de reflexión. Y luego, a nivel estrictamente fílmico, es interesante ver cómo se ha renovado tanto el género de terror como la presentación misma de la violencia en el cine asiático, cómo se crea suspenso y cómo puede reconocerse la mano de los viejos maestros como Hitchcock. Así mismo, puede rastrearse su influencia en algunos directores contemporáneos como Quentin Tarantino, gran entusiasta de este género.
Mi idea es comentar tres de las películas que más me han gustado: Oldboy de Chan-wook Park, Audition de Takashi Miike y A tale of two sisters de Kim-ji Woon, para finalizar con un comentario sobre los temas y recursos que utiliza este cine.

The Pianist

Esta es la verdadera historia del pianista Wladislaw Szpilman, considerado en su época no sólo el mejor pianista de Polonia, sino también de Europa. Cuando estalla la II Guerra Mundial, Szpilman y su familia son trasladados al guetto judío de Varsovia. Eventualmente su familia es trasladada a un campo de exterminio y él es enviado a un campo de trabajos forzosos, del cual huye para vivir escondido en Varsovia, auxiliado por una frágil red de colaboradores pero quedando, eventualmente, a su suerte.
Es hasta ahora que tengo la oportunidad de ver The Pianist de Roman Polanski y me ha impresionado profundamente. Tanto que estoy convencida que es una película que debe verse más de una vez para sacudirse la sobrecogedora diversidad de emociones que provoca esta historia. En más de alguna ocasión he leído que hay gente que ya está algo harta de leer, ver o escuchar historias de judíos sobrevivientes de la Guerra. Yo creo que el ejercicio de confrontar este tema es saludable porque está demostrado: la memoria del ser humano es absurdamente corta.

Everything is illuminated

Jonathan, un muchacho judío-americano decide viajar hasta Ucrania para localizar a una mujer que supuestamente salvó a su abuelo durante la II Guerra Mundial. Para ayudarse, contrata a un joven intérprete que habla un pésimo y muy defectuoso inglés y al abuelo del intérprete, un señor que se cree ciego pero que puede manejar. Los acompañará Sammy Davis Jr. Jr. (sí, no hay error, dos veces junior), una perra guía que detesta a Jonathan desde el primer instante en que lo ve… y Jonathan a su vez, odia a los perros.
Jonathan es además un coleccionista poco convencional: “colecciona” prácticamente todo (tierra, dientes postizos, fotos, trozos de comida, insectos), que va colocando cuidadosamente en bolsas plásticas Zip-loc, para luego colgarlas en una pared de su casa con una tachuela. Dice que lo hace para “no olvidar nada”.
Así comienza un viaje en un carrito destartalado por la interminable campiña ucraniana, un viaje que revela sucesos, desentierra recuerdos, trae algunas risas y por supuesto, obligará eventualmente a cambios en sus protagonistas.
Basada en la exitosa novela de Jonathan Safran Foer, Everything is Illuminated es la ópera prima como director del también actor Liev Schreiber, para quien no pude tener palabras amables luego de su papel como padre de Damien en la rápidamente olvidable Profecía versión 2006. Pero puedo perdonarle a Schreiber su actuación y sugerirle que mejor se dedique a dirigir y escribir guiones, pues con su primera película ha presentado un film verdaderamente interesante, muy bello visualmente y coherente dentro de la aparente sucesión de aparentes absurdos que se dan dentro de la historia.

Capote

El escritor Truman Capote se empeña en escribir sobre el asesinato de una familia en Kansas y viaja hasta allá acompañado de su buena amiga (y también escritora) Harper Lee, para recabar toda la información posible y entrevistar a todos los relacionados con el caso, incluso los asesinos.
Lo que comenzó con la intención de ser un reportaje para la revista New Yorker terminaría convertido, en la mente del escritor, en una novela que luego resultaría ser no solamente su obra maestra (In Cold Blood), sino también un libro que transformaría de ahí en adelante, la manera de hacer periodismo y no-ficción.
Capote se centra sobre todo en la relación del narrador con Perry Smith, uno de los asesinos y de todos los esfuerzos del escritor por armar su libro, un libro que él mismo está convencido, constituirá un hito en su carrera. Capote busca la gloria, la fama, el reconocimiento, y está dispuesto a todo con tal de lograrlo.

Good night, and good luck

En los años 50, cuando en los USA se desató la cacería de brujas y donde cualquiera era sospechoso de ser comunista, el reportero de televisión Edward Murrow denunció el estado de miedo y paranoia que el Senador Joseph McCarthy alimentó en todo el país.
Good night, and good luck, dirigida por George Clooney, filmada en blanco y negro, sin acción, sin romance, sin erotismo ni sexo, sin persecuciones, sin nada más que diálogos, es una película de ideas. Y eso hace difícil hablar de ella a nivel cinematográfico. Es, repito, una película de ideas, y de ideales. Una reflexión sobre la libertad de expresión, sobre el poder de los políticos y las corporaciones noticiosas, pero también, sobre el poder de la televisión. Un vistazo a un momento histórico dentro de la televisión estadounidense del cual las generaciones actuales, muy posiblemente, ni tengan conocimiento.
La apuesta de George Clooney por contar esta historia es fuerte. No es una historia que les gustará conocer a aquellos que prefieren voltear el rostro y fingir que "todo está y ha estado siempre bien". El formato y la manera de contar la historia tampoco ofrecen un espacio que, a nivel cinematográfico, pueda resultar en un producto más atractivo o a algo que estemos más acostumbrados a ver.

Dot the i

En la noche de su despedida de soltera, Carmen es incitada a cumplir un dizque ritual de besar a un extraño, su último beso de soltera. Pero, mmm, el beso es demasiado largo, les gusta demasiado a ambos... y comienza lo que aparenta ser una película de amor más, donde el triángulo es el centro de un drama que pensamos ya saber para donde nos lleva. Pero ojo, no es tan así. Y no puedo decir más de la historia de esta película cuyo argumento nos reserva algunas inesperadísimas sorpresas que hacen de Dot the i una película interesante.
Dirigida por Matthew Parkhill (con un historial cinematográfico bastante corto, siendo esta apenas su segunda película), Dot the i (o Punto sobre la i, como se llama en español), cuenta con la actuación estelar de Gael García Bernal, interpretando al extraño que hace tambalear las intenciones de Carmen, interpretada por Natalia Verbeke, y James D'Arcy quien interpreta al millonario Barnaby y novio de Carmen.

Bukowski, born into this

Para los fans de hueso colorado del inolvidable Charles Bukowski, este documental es obligatorio y también un lujo. John Dullaghan, el director de Bukowski, born into this pasó alrededor de 7 años realizando filmaciones, entrevistas y reuniendo material para presentarnos este retrato de uno de los escritores más controversiales de los USA.
El documental presenta la lucha del joven poeta Bukowski no sólo por dar a conocer su obra sino también por escribirla. Viajó por los Estados Unidos durante algún tiempo, alojándose en cuartos baratos y realizando toda suerte de trabajos temporales que le daban para sobrevivir y que le permitían escribir por las noches, hasta que finalmente regresó a Los Ángeles y comenzó a trabajar en una oficina de correos, su trabajo más largo pero no necesariamente porque le agradara sino porque eso le permitía la seguridad de un ingreso mensual fijo.
El documental sigue a Bukowski manejando por la ciudad yendo a dejar su ropa a la lavandería, en lecturas donde apura versos entre botellas de cerveza, en fragmentos de entrevistas hechas a revistas europeas, sentado en la sala de su pequeño apartamento. Pero también son entrevistadas varias de sus ex-novias, su hija y Linda Lee Bukowski, la esposa que estuvo con él en sus últimos años y últimos minutos de vida.

El Gabinete del Dr. Caligari

Un extraño personaje llamado Dr. Caligari, presenta en la feria de un pueblo un espectáculo nunca antes visto: El Sonámbulo Cesare, quien duerme desde hace 23 años y tiene la facultad de predecir el futuro. A partir de su presencia en el pueblo, comienzan a ocurrir también algunos extraños crímenes...
El Gabinete del Dr. Caligari de Robert Wiene supone la inauguración del expresionismo alemán, movimiento al que pertenecieron también El Golem (1920), Nosferatu (1922) y por supuesto Metrópolis (1927) de Fritz Lang. La utilización de contrastes de luz y sombra, y sobre todo, el tratamiento de historias donde el lado oscuro del ser humano (lo sobrenatural, la locura, lo monstruoso, lo inexplicable), fueron las características primordiales de esta serie de películas que, aunque pocas, llegaron a ser una influencia incluso para cineastas de nuestros días (hay quienes no dudan en opinar que Tim Burton se inspiró en Cesare para crear el personaje de Eduardo Manos de Tijera, interpretado magistralmente por Johnny Depp).

La Vendedora de Rosas

Mónica es una niña de unos 12 años que vende rosas de noche por las calles de Medellín, junto con otro grupo de niñas a las que llega a sumarse Andrea, de 10 años, que ha huido de su casa por los golpes de su madre. A lo largo de una noche (la del 23 de diciembre de un año cualquiera) y del día siguiente, La Vendedora de Rosas nos lleva a conocer el entorno en el que vive Mónica, los demás niños y seres con los que se relaciona.
Esta película colombiana, dirigida por Víctor Gaviria, tiene varios puntos a su favor que hacen difícil analizarla estrictamente desde el punto de vista cinematográfico. Este es uno de los raros casos en que la realidad trasciende la pantalla por varios motivos.
Uno de sus muy grandes aciertos es que Gaviria utilizó a niños de la calle y no a actores. Así mismo, filmó todo en las calles de Medellín, en escenarios reales y no en lugares redecorados. Esto le da un toque de autenticidad profundo a la película. Porque los rostros que vemos, la ropa que usan, las expresiones que dicen al hablar, los lugares como bares, calles, y habitaciones de pensiones o casuchas donde viven los personajes, todo es auténtico. Retomar ese tipo de escenarios e intentar, desde una perspectiva clasemediera "redecorarlo" o "recrear a los personajes" para una película, simple y sencillamente no hubiera sido igual. Y que algún actor profesional hubiera encarnado a Mónica (pienso en Catalina Sandino Moreno, la de María llena de gracia, por ejemplo, para nombrar a otra colombiana), no hubiera resultado. Quizás lo hubiera logrado a nivel actoral, pero no a nivel de presencia física, porque hay algo en el mestizaje de rasgos, el pelo, la estatura, la manera de caminar y moverse, que los actores no pueden, por mucho que lo estudian, replicar.

Whisky

Jacobo Koller es el dueño de una pequeña y vieja fábrica de calcetines. Su rutina diaria es idéntica, todos los días. La tranquilidad de esa rutina se mira alterada ante el anuncio de la llegada de su hermano, Herman, quien vive en Brasil y que también tiene una fábrica de calcetines allá, pero con más éxito. Para no pasar por menos ante su hermano, Jacobo le pide a Marta, la empleada de confianza en la fábrica de calcetines, que se haga pasar por su esposa... Es a grandes rasgos la historia de Whisky, esta excelente película uruguaya dirigida por Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll.
Como se imaginarán, esta situación forzada podría arrastrar a circunstancias cómicas. De hecho la película está catalogada dentro del género de comedia, pero... no sé por qué. Si bien es cierto hay momentos que resultan de un humor muy seco y sombrío, los actores no pretenden ser cómicos ni es ésa la intención de la película.

Dogville

Lars von Trier parece estar empeñado en asombrar al espectador con cambios drásticos en sus últimas producciones. Si en Dancer in the Dark presentó un musical dramático y muy conmovedor, que muchos le criticaron ácidamente (parte de las "acusaciones" era que "se había vendido a Hollywood", por hacer una película con dicho formato y en apariencia alejado de los intensos dramas que lo caracterizan), en Dogville nos desconcierta y sorprende con una película que anda más por los caminos del teatro que de lo cinematográfico.
La historia se desarrolla en uno de esos pequeños pueblos donde todos se conocen y al cual arriba una desconocida, Grace (Nicole Kidman) huyendo de unos extraños hombres. El pueblo acepta que Grace viva allí y que haga trabajos para los habitantes de la comunidad, a manera de ganarse la vida. Al comienzo, los habitantes del pueblo actúan hacia ella con desconfianza y poco a poco van encariñándose aunque, como suele acontecer en estas cosas, el cariño se torna en costumbre y eventualmente en desprecio.

Super Size Me

Un par de adolescentes demandan a la empresa McDonalds, argumentando que su obesidad es originada por comer en esa cadena de comidas rápidas. El tribunal consideró que podía estimar su caso como válido si podían probarlo. Ellas no pudieron pero Morgan Spurlock se propuso hacerlo de una manera muy drástica: comer todos sus tiempos de comida en McDonalds durante un mes, para ver los efectos que este tipo de comida puede causar en el organismo. Así nace el documental Super Size Me.
Antes de comenzar el experimento, Spurlock se hace un exhaustivo examen físico en el que resulta que está en óptimas condiciones de salud. Mientras come todos los días en McDonalds, entrevista y reúne información sobre el problema de la obesidad en los USA, una de cuyas causas descansan en el abuso de consumo de los estadounidenses de comidas poco saludables. Y a la par de ello comienza también el deterioro de la salud de Spurlock.

House of Flying Daggers

Durante la dinastía Tang en China, surge un grupo de rebeldes llamados "Casa de las Dagas Voladoras", que obran un poco a lo Robin Hood, robando a los ricos para ayudar a los pobres y luchando contra las fuerzas del gobierno. Un oficial del ejército es encomendado de infiltrar la organización y poder localizar a sus dirigentes, a través de Mei, una joven ciega. Así comienza un viaje que termina distorsionando por completo la intención inicial.
Esta maravillosa película de Zhang Yimou es no solamente una preciosa historia de artes marciales, sino también una trágica historia de amor y una suerte de "road-movie" (debería llamarse algo así como "horse-movie", porque el viaje es a caballo sobre todo...)
Ya Zhang Yimou nos había extasiado con la belleza de Héroe, una que ha pasado a formar parte de mi lista de películas favoritas de todos los tiempos. Si en Héroe nos extasiaron los efectos, el uso de los colores distintivos para cada "capítulo" de la historia, acá los efectos siguen deslumbrando y también el colorido. Pero de manera diferente.

No direction home: Bob Dylan

Dylan se prepara para cantar. Alguien del público le grita: "Judas!"
Dylan contesta muy tranquilo: "I don't believe you".
Da la vuelta, toca unos acordes en su guitarra. Vuelve al micrófono y dice: "You're a liar!"
Se voltea a los muchachos de The Band, y mirando a Robbie Robertson dice Dylan: "Play it fucking loud!"
Y arranca Like a Rolling Stone. Bien loud.

Aquello ocurrió en un concierto que dio Bob Dylan en 1966 en Newcastle, Inglaterra. La primera mitad del mismo, Dylan cantó acompañado de su guitarra acústica y su harmónica. Pero la segunda mitad, Dylan canta acompañado de su primera banda eléctrica, y que siempre sería conocida simplemente como The Band (quienes luego harían carrera por sí mismos, con el mismo nombre).
El repudio de los fanáticos ante la transición de Dylan de tocar apenas con su guitarra y explorar nuevas perspectivas musicales con otro tipo de instrumentos fue muy fuerte. Durante varios conciertos fue abucheado. Recuerdo haber leído (hace años) alguna nota donde decía que lo insultaron tanto, que Dylan salió del escenario y entre bastidores lloró. Nadie comprendía que un talento como el de este tipo no podía quedarse estancado para siempre en un único sonido.