Ché: Guerrilla

Se ha dicho que Steven Soderbergh y todo el equipo de producción decidieron partir en 2 la película biográfica sobre el Ché, por motivos de comercialización. Les parecía difícil que los espectadores desearan sentarse 4 horas y pico a ver una película. Después de haber visto la segunda parte, me parece que la decisión fue sabia, aunque no tenga que ver precisamente con asuntos de marketing.
Ché: Guerrilla se concentra estrictamente la campaña del Ché en Bolivia. Si la primera película culmina en el momento en que el Ché y su gente van camino a La Habana luego de la huida de Fulgencio Batista, ésta retoma la historia mucho tiempo después, comenzando exactamente en el momento en que Fidel Castro lee la carta de renuncia y despedida del Ché y en que, públicamente, no se sabe dónde está. Es decir, hay un salto de poco más de 6 años donde no sabemos de los primeros años de la revolución cubana, el tiempo del Ché como ministro de Industria y presidente del Banco Central, entre otras funciones más, y la campaña en el Congo.
El Ché se ha disfrazado para entrar bajo otra identidad en Bolivia, se despide de su familia y emprende aquella fallida aventura. La película se concentra en la recepción de los flamantes combatientes, los entrenamientos, la construcción del campamento, el asma que afecta al Ché y luego los combates que culminan con su captura y muerte.

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District 9

Hay varios elementos que hacen de District 9 (en español titulada Sector 9), una película novedosa e inesperada en el tratamiento de un tema que ya parece quemado en cuanto a la narrativa (literaria o fílmica) de la ciencia ficción: la llegada de extraterrestres al planeta tierra.
Por lo general, en las películas que hemos visto al respecto, se repiten los mismos elementos: extraterrestres agresivos con ansias de conquistar y destruir al planeta, que arriban en alguna ciudad de los USA, preferiblemente Nueva York o Washington, científicos y héroes militares o policiales que se meten a detener las agresiones alienígenas (mientras simultáneamente se destruyen ciudades como Paris y Moscú), y finalmente, el planeta salvado gracias al heroísmo gringo, y el héroe que ni siquiera se despeina ni suda.
Pero District 9 nos da la vuelta a todo el asunto. Y nos plantea la siguiente historia: una nave espacial inmensa se estaciona sobre la ciudad de Johanesburgo, Sudáfrica, y permanece ahí. Los humanos deciden entrar a ver qué pasa y se encuentran con una gran población de seres a los que, por mal nombre, llaman “langostinos”, por su aspecto similar al mencionado crustáceo (otra ruptura con la imagen clásica del ET gris, cabezón y de inmensos ojos u otros de formas francamente monstruosas y asquerosas).

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Ché, el argentino

Para muchas personas, sobre todo para los menores de 30 años, Ernesto “Ché” Guevara es una silueta que suele aparecer en camisetas y posters, una figura más del mundo pop que junto con la Coca Cola, Marilyn Monroe, McDonalds y las Sopas Campbell hechas famosas por Andy Warhol, es parte de los íconos culturales de nuestro tiempo.
Los más informados podrán vagamente “saber” que el Ché era amigo de Fidel Castro y que algo tuvo que ver con la revolución cubana. Pero seguramente no saben que detrás de la imagen de las camisetas, está un médico argentino que escribió una obra ensayística de carácter político, y hasta algunos poemas, y sobre todo, el constructor de las bases ideológicas de la guerrilla cubana, que sirviera de modelo e influencia para la construcción de las posteriores guerrillas latinoamericanas en los años 70, y cuyos preceptos y nociones fueron puestos (o intentados poner en práctica), durante las guerras de los 80, particularmente en Centro América.
Intentar hablar del Ché no es cosa fácil. Hay mucho mito, mucha politización de la figura y finalmente, en algún lugar oculto, la verdad sobre la persona. Por lo tanto, probar una biografía es una empresa compleja, que necesita definir exactamente cuál de todos los hilos y versiones va a seguirse para esbozar parte de su retrato. Un retrato que, me parece, siempre quedará incompleto y siempre contará con el acercamiento subjetivo de quien lo emprenda. Porque el Ché ha trascendido la persona, la realidad, y en ese mundo alado del mito, se le ama, se le aborrece, se le mistifica, se le distorsiona, se le manipula.

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Sin nombre

Maras y migraciones son dos realidades cotidianas intensas para millones de centroamericanos. De manera directa o indirecta nos relacionamos con al menos una de ellas, quizás acaso más con las migraciones. Conocidos, familiares, amigos, más de alguien que conocemos y amamos ha tomado su maleta y se ha ido, de cualquier manera posible, a otro país para buscar una mejor vida. Algunos, de manera también directa o indirecta, hemos tenido que conocer a las maras. Recuerdo a una pareja de migrantes salvadoreños que trabajaban en Florencia, Italia. Cuando les pregunté por qué se habían ido de El Salvador, él dijo: “si me quedaba sólo tenía dos alternativas: me mataban o me hacía de la mara”. Y no quería ni morir ni ser marero y no vio más alternativa que irse, con su novia, y se la miraban de cuadritos en Florencia, sobre todo porque ella no tenía papeles, pero todo era mejor a correr el peligro de la dominación de la mara.
En lo personal no voy a olvidar jamás algún viaje rumbo a mi casa, cuando el bus atravesaba una calle lateral de la Colonia Modelo y la mara paró el bus. Se montaron los muchachos, tatuados, y el asunto era que le pedían al chofer el peaje correspondiente. Yo, que iba sentada en el primer asiento junto a la puerta, vi la lágrima tatuada junto a la esquina del ojo izquierdo que llevaba el que se había subido al bus y le hablaba al chofer. “Portate bien” le decía al chofer, mientras apretaba un puñal en la mano izquierda, medio metido en el pantalón, pero lo suficientemente a la vista como para que el chofer y los pasajeros lo viéramos.

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David Carradine (1936-2009)

Hay actores y personajes que se hacen tan de la vida de uno que cuando se van, uno siente la partida como una pérdida propia...

The curious case of Benjamin Button

Por fin logré entrar en el cine y no para ver una “película de consuelo” sino la que quería ver desde la semana pasada, The curious case of Benjamin Button.
Ya más o menos todo mundo sabe que es la historia de un hombre que nace viejito y que a medida que pasa el tiempo, rejuvenece. Con un final que no hay que tener demasiada imaginación para deducir cuál será.
Benjamin Button me dejó pensando en muchas cosas:
Me recordó al cuento de Alejo Carpentier llamado "Viaje a la semilla".
Me hizo conocer el cuento de F. Scott Fitzgerald, que se llama igual que la película, pero que prácticamente no tienen nada que ver.
Recordé la leyenda sobre el nacimiento de Lao Tsé (autor del Tao Te King): su madre, una virgen, lo llevó en su seno durante más de 80 años y le dio a luz bajo la axila izquierda cuando un rayo de sol se introdujo casualmente en su boca mientras descansaba a la sombra de un ciruelo. Lao Tsé nació con cabellos y barba blanca, el rostro arrugado, orejas inmensas y hecho todo un sabio: se puso a meditar en silencio, de inmediato.
¿El tiempo marcha hacia adelante o marcha hacia atrás? ¿Y por qué tenemos la vanidad de pensar que “sabemos” que marcha “hacia adelante”?
La vejez, como circunstancia biológica, no es lo mismo que la vejez, como circunstancia mental o emocional. Se puede ser viejo a los 27 años, se puede ser joven a los 78.
Elizabeth Abott dice algo así como que está esperando desde hace años que algo pase en su vida, algo que la hará mejor. Pero lo único que pasa es el tiempo. Y la vida y ella siguen iguales.
Benjamin Button vuelve a su casa, paradójicamente un hogar de ancianos, y aunque todo le es familiar y los cuartos y todo sigue igual, algo se siente diferente: “soy yo el que ha cambiado”. Conozco esa sensación demasiado bien.
¿Cuál es nuestra relación con el tiempo? ¿Qué hacemos en él/con él?
Habría que vivir sin conciencia de la edad, pero con conciencia del tiempo, es decir, sentir que nunca es tarde para comenzar a realizar nuestros proyectos. Pero por la conciencia del tiempo, que nos lleva a ese callejón sin salida que es la muerte, apurar el paso: hacer, concretar, ejecutar. No seguir esperando.
Aprender y desaprender en la vida.
Rincones en la película que producen serenidad y melancolía: esos encuentros de Button y Elizabeth en la cocina del hotel. Esos encuentros y desencuentros de Button y Daisy a lo largo de la vida. Ese reencuentro donde ella habla y habla y él sólo la mira y ella le dice que él no ha dicho nada y él dice que es para no arruinar el momento.
Agüita en los ojos.
Si la vida fuera como en las películas quizás la entendería mejor.
Las palomitas siguen igual de horripilantes que la semana pasada.

Queriendo ver/habiendo visto

Hace meses que no iba al cine. No sé qué pasó. No sé si me empaché de ir casi todos los fines de semana. O si me hartó esa muchedumbre que ríe a carcajadas cuando matan a alguien o cuando algún personaje llora porque le está pasando lo peor de su vida. Quizás fue también por la mala oferta de las películas de los últimos meses y porque en cable había algo mejor que ver. Pero en realidad, ni en cable ni en la tienda de DVD’s había nada bueno que ver últimamente...
En fin, que cuando me decidí a ir al cine el fin de semana antepasado, me quedé con las ganas. Quise entrar a ver Vicky Cristina Barcelona pero las entradas estaban agotadas. Y el fin de semana pasado quise ver The curious case of Benjamin Button y lo mismo. De hecho, el domingo pasado parecía que iban a regalar no sé qué en los cines porque había unas colas y una cantidad tal de gente que creo que me comenzó a dar... ¿cómo se llama cuando a uno le dan fobia las muchedumbres?
Me tuve que conformar con Burn After Reading de los hermanos Coen. Que aunque algo divertida, realmente no ameritaba movilizarse hasta el cine para verla. Bien la hubiera esperado en cable o DVD. Tanto tiempo tenía de no ir al cine que no me daba cuenta que ya le habían subido al precio del boleto. Y las palomitas estuvieron francamente asquerosas.
Así de decepcionada volví a la choza para ver más tarde Death of a President en Cinemax. Ésta me causó algo más de gracia. El director Gabriel Range tuvo la osadía de filmar una película cuyo argumento es que matan a George Bush en Chicago, luego de dar un discurso (mientras todavía era presidente). La película está rodada en forma de documental. Y aunque me pareció que se alargó demasiado, finalmente constituye una crítica a Bush y a muchas de sus políticas.
Una serie que puedo recomendar y que comencé a ver el fin de semana en HBO es La casa de Saddam, sobre el ascenso al poder de Sadam Hussein en Iraq. Vale la pena verse. Está muy bien hecha y sin duda nos deja pensando sobre las dimensiones del poder. Sábado a las 22:00 pasan el segundo capítulo.
Y anoche vi un documental fuertísimo llamado The Ground Truth: After the Killing Ends (en español lo han traducido como La cruda verdad). Este indignante y a la vez conmovedor documental se enfoca en el síndrome de stress post-traumático que sufren los soldados estadounidenses que regresan de Irak. Se nos muestra su entrenamiento, y algunos protagonistas hablan con perturbadora candidez sobre el hecho de tener que matar a otras personas. Muy muy fuerte. Hay que verlo (lo presentó Cine Canal, pero su página es medio caótica así es que no sé cuándo lo repiten).
Y a ver si este fin de semana que viene, puedo entrar a ver la película que quiero y no alguna de consuelo.

Sorstalanság (Campos de esperanza)

Resulta un contrasentido el título original del título dado en español a esta película húngara. En español se está presentando como Campos de esperanza, pero en inglés se llama Fateless (Sin destino), que es a su vez el título, tanto en inglés como en español, de la novela de Imre Kertész en la que se basa. En húngaro, el título original es Sorstalanság. Si alguien sabe húngaro, dígame qué significa la palabra...
Y tengo que hacer la observación, porque realmente lo de Sin destino se acerca más a la sensación que queda después de conocer la historia de Györgi, un judío húngaro, quien a sus 14 años es llevado a un campo de concentración durante la Segunda Guerra Mundial.
Quizás a algunos les resulte cansino esto de las películas describiendo las vicisitudes de los judíos en los campos de concentración. Pero hay varios detalles que hacen algo diferente esta historia. Por un lado, el hecho de que esté basada en la novela autobiográfica de Kertész (Premio Nóbel de Literatura 2002), quien también escribió el guión. Luego, el retrato de un jovencito que, solo (es enviado al campo sin nadie de su familia), enfrenta la vida (o mejor dicho, la sobrevida) en Auschwitz y luego en Buchenwald.

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Apuntes en mi moleskine mientras veo 2001, A Space Odyssey de Kubrick

En “The Dawn of Man”, cuando nuestros ancestros simiescos descubren que pueden tomar algo, y con ello, golpear.
El hombre descubre la violencia. Y el acto de matar.
La herramienta, the weapon of choice, puede ser cualquier cosa. Una piedra, un hueso, una quijada de asno.
Matar le puede servir para dos fines: alimentar o vencer a sus enemigos. Luego, matar cobrará otras categorías: desahogar furias, demostrar poder, causar miedo.

Los otros, los que aún no descubrieron el acto de matar, miran con espanto cómo uno de los suyos cae, no se mueve más. Está muerto. Aprenderán por el ejemplo. Matarán también, tarde o temprano.
Más adelante, mucho más adelante, el hombre descubrirá que las palabras también hieren. Y hasta matan. Simultáneamente descubrirá que el silencio o el no decir también es hiriente, asesino, doloroso.

Las naves espaciales flotando en el espacio. Tan reales.
El espacio, la soledad.
Y si no fuera por la música, el silencio.
El infinito, angustiante silencio.

La limpieza de la estructura y las naves.
La respiración del capitán Dave Bowman en su traje espacial.
El zumbido del traje mientras sale a inspeccionar la nave.
Zumbidos, respiraciones. Seguramente también el palpitar del propio corazón. Sus únicas compañías.

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Paul Newman (1925-2008)

¿Cuál es su película favorita de Paul Newman?
¿La mía? Difícil quedarme con una. Me gustan: Butch Cassidy and The Sundance Kid, The Sting, Cool Hand Luke y The Color of Money...

El camino

Hacer cine en Centro América es una hazaña tan grande, que cuando alguien se aventura a filmar un largometraje, son muchas las expectativas sobre el resultado. Es una constante en dichas hazañas la limitación de medios, sobre todo económicos, que a veces alargan durante mucho tiempo las producciones o limitan algunos asuntos de calidad estrictamente técnica. Hay buenas ideas, buenas historias. Hay también personal calificado y con el talento para llevar a cabo tales empresas.
Cada película filmada y producida en Centro América resulta en ese sentido un auténtico triunfo. Pero eso no la exime de los posibles fallos y limitaciones del resultado final. Hay quienes tienden a ser muy benévolos y disculpar todo tipo de errores. Se hizo la película y es lo que importa, no el resultado, parece ser el lema de algunos. Para otros, la temática planteada puede ser el punto de disculpa.
En el caso de El Camino, de la costarricense Ishtar Yasin, las expectativas eran mucho más altas, debido a que primero se estrenó en varios países y festivales de cine alrededor del mundo y no es hasta un año después de su producción final que la película se estrena en Costa Rica. En algún momento pensé que quizás la estrategia partía de aquel lamentable dicho nuestro de que “nadie es profeta en su tierra” y que Yasin sentía necesidad de validar su película en el extranjero para estrenarla finalmente en Costa Rica. Esto son meras especulaciones mías, conste. Porque la verdad ignoro por qué se estrenó tan tarde acá. En todo caso, me fui con la mejor de las intenciones al cine. Pero salí bastante decepcionada.

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Ángel Tavira (1924-2008)

Hace menos de un mes compartí acá mis impresiones sobre la excelente película mexicana El violín, protagonizada por el músico Ángel Tavira. Ayer me topé con la triste noticia de que don Ángel falleció a pocos días de cumplir sus 84 años.
“Nací en Corral Falso (Municipio de Juchitlán, Guerrero, en la meritita Tierra Caliente). Trabajé en muchas cosas (orfebre, campesino, profesor); fui, posiblemente, un milusos, pero mi vida, desde niño, ha sido toda de música”, comienza la necrológica de La Jornada de México, citanto al propio Tavira, quien luego de un accidente con un cohete, perdió la mano derecha, pero no por eso la habilidad ni la gana de tocar el violín.
Con su primera y única participación como actor en la mencionada película, se ganó el premio al mejor actor en el festival de Cannes del 2006. Ése fue sin duda su máximo logro aunque su vida fue una constante lucha por proteger el patrimonio musical de su comunidad de Tierra Caliente. Llegó a formar una orquesta con sus hermanos, con el ánimo de difundir la música regional.
Si todavía no ha visto El violín, no pierda la oportunidad de hacerlo, no sólo para ver una excelente película, sino para gozar de los múltiples talentos de don Ángel, que ahora le estará tocando el violín a sus tocayos, allá donde van los violinistas cuando mueren.

Meteroro (la película) o cómo ser niño de nuevo

Desde el viernes me di permiso de volver a tener 10 años. Anduve canturreando “go Speed Racer, go Speed Racer goooooo” todo el santo fin de semana, planeando el operativo para ir a ver Meteoro, versión hermanos Wachowski, con una ansiedad que hace ratos no me da por ir a ver una película.
Debo confesar que también una parte de mí tenía miedo. Miedo de salir decepcionada. Porque que le toquen a uno sus muñequitos de infancia y se la quieran presentar añales después en película actuada con personas y no dibujada, bueno... es un riesgo. De hecho me parece que una de las cosas más complicadas que pueden hacerse, a nivel de cine, es este tipo de adaptaciones. En el 90 por ciento de los casos he salido bastante decepcionada de las películas basadas en comics o animés y de hecho mejor ni voy a verlas. Yo me quedo con el Batman y el Hombre Araña de los muñequitos que vi cuando niña y no con las versiones recientes, porque algo se pierde en la adaptación. (Aunque posible haré una excepción con la que venga de Batman, pero nada más por ir a ver a Heath Ledger...).
Y el motivo de la decepción ha sido que las películas, en su traducción de un animado, la hacen tan desde una perspectiva adulta y “moderna”, que se desconecta totalmente de lo original. Quizás eso le parezca genial a muchos. Pero a mí en lo personal, no me agrada. Me parece que “la ciencia” en todo esto sería que la película nos despertara al niño que fuimos y que ha naufragado en alguna parte de nuestra interioridad. Que la película nos haga volver a ese estado de inocencia original, donde no intelectualizábamos tanto lo que veíamos y gozábamos con diálogos sencillos, historias simples, acción sin sentido y humor primario. Y que lo gozáramos hasta la médula. Y eso es lo que me parece lograron los hermanos Wachowski de manera extraordinaria con su versión de Meteoro.

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Sin películas

¿Recuerdan aquella escena en La naranja mecánica, cuando Alex después del tratamiento Ludovico, ya no puede escuchar la música de Beethoven y se tira de una ventana, desesperado, pues es preferible morir a escuchar tan abominable música?
Más o menos así me pasa a mí cada vez que oigo cualquier composición de Beethoven, sobre todo la Novena Sinfonía y el Himno a la Alegría. Lo mío también es, sin duda, la consecuencia de un abominable proceso de programación, cuyo origen podría remontarse a mi infancia. Estoy muy consciente que mi aversión a Beethoven tiene que ver con traumas familiares y he hecho esfuerzos por escuchar su música, sin éxito alguno. Lo único que medio puedo tolerar son algunas de sus sonatas de piano pero eso no significa que yo tenga ni vaya a tener ninguna composición del alemán en mi biblioteca musical.
Intenté el sábado ver una película llamada Copying Beethoven, porque mi gusto por Ed Harris puede más que mi disgusto por Beethoven pero... el disgusto me ganó. Se me hizo insufrible tener que estar escuchando la musiquita de fondo, todo Beethoven, que iba y venía.

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There will be blood

Lo que me encantó:
-Los primeros minutos de la película donde no se dice absolutamente ni una palabra. Las escenas, lo que va ocurriendo va construyendo un ambiente y una comprensión del personaje central, Daniel Plainview. No sé cuántos minutos son exactamente, podrían ser uno 10, pero me pareció muy interesante como elemento narrativo la sucesión de cortas escenas.
-La actuación de Daniel Day Lewis, como Plainview y también la de Dillon Freasier como el niño H.W.
-La fotografía, sobre todo en los planos abiertos. La desolación del paisaje.

Lo que no me gustó mucho:
-La música. Hubo momentos en que me pareció demasiado estridente aunque hubo algunas pocas escenas en que me gustó su aplicación. Por ejemplo, cuando están haciendo algunas de las perforaciones, la música simula un poco el ruido de la maquinaria y había también otros momentos en que, aunque no ligada a las máquinas, la música tenía un "feeling" industrial, simulación de maquinaria, prisa, la exaltación de la revolución industrial.
-Los últimos momentos de la película, donde hay un salto de tiempo muy largo y ya H.W. es un adulto. Creo que hay cosas "que faltan" como para comprender por qué termina habiendo un conflicto tan profundo entre padre e hijo. Y la escena final, la resolución de la historia, aunque tenía un aspecto que me pareció muy bueno (Daniel diciéndole a Eli que se declarara un profeta falso), lo demás me pareció... no sé. La verdad ni sé muy bien por qué no me gustó. Quizás por el súbito cambio de escenario. Aquella casa simplemente no parecía encajar con Daniel, aunque podría ser algo intencional por parte del director.

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No Country for Old Men

Es curioso. Recién caigo en la cuenta que, cuando algo es muy bueno, excelente, es difícil hablar de ello. Por lo menos para mí.
El fin de semana pasado vi No Country for Old Men. Y me ha pasado eso mismo. No saber qué decir. La sensación de que si digo algo, estaré nada más repitiendo lo que ya muchos han dicho seguramente de mejor manera.
Qué más voy a decir sobre Javier Bardem. Que está siniestro. Que su personaje me parece será uno de los clásicos del cine. Que lo miraremos imitado y utilizado como recurso cómico en alguna parodia de aquí al fin de los tiempos. Que desde Hanibal Lecter (magníficamente creado por Anthony Hopkins) no había habido otro personaje malvado en el cine que nos hiciera temer su aparición.
Me pasó que había alguna escena donde temía que apareciera. Que le volara los sesos a algún personaje. Y no aparecía. No tenía por qué aparecer, pero yo lo temía. Luego salí del cine y pensaba en sus ojos, su rostro su frialdad.
Pensaba en el “call it, friendo” que le dice al dueño del local donde compra una golosina y cuya vida se rifa en un cara o cruz de moneda. Esa voz tan serena, nada exaltada. Esa mirada. Ese pelo. Te encontrás con alguien que tiene ese aspecto y que te habla así de sereno y decime si no te daría miedo.
Me impresionó esa permanente frialdad del personaje. Que ni arruga la cara ante el dolor propio, como cuando se saca la bala que le ha herido la pierna. No sé si el personaje estaba delineado así en la novela de Cormac McCarthy, que ojalá se pueda leer en estas latitudes. O si los Coen decidieron formarlo así de siniestro (aunque he leído repetidas veces que los Coen se atuvieron a la novela con una exactitud pasmosa). O si Bardem decidió construir así su personaje. En todo caso, es un suceso.

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De la admiración al resentimiento: The Assassination of Jesse James...

Varios años antes de morir, Jesse James ya era un personaje de su propia vida. Por qué este hombre capturó tan profundamente la imaginación y la simpatía de sus contemporáneos es algo que quizás a nosotros, en este siglo, nos parezca lejano e incomprensible. Jesse James era un asaltante de bancos y trenes, se le atribuía el asesinato de 19 personas. Por lo demás, quienes lo conocían sabían que no se podía andar con dobles juegos con él. Las traiciones eran disculpadas a balazos, nada menos. Eso no impedía que James fuera un esposo fiel y padre amoroso. Como cualquier hijo de vecino.
Jesse James era buscado obsesivamente por las autoridades, con botines bastante elevados por su captura. Los escritores de la época escribían folletines narrando sus fechorías y aventuras imaginarias que sólo llegaron a aumentar el mito detrás del hombre. Tenía además alguna fama de Robin Hood del oeste y se decían cosas buenas de él y su hermano Frank, que habían estado en una suerte de guerrilla “benévola” durante la Guerra Civil.
En resumen: entre la realidad y la fantasía, Jesse James era muy querido en su tiempo.
Tanto que tenía admiradores. Como un tal Robert Ford. Desde niño, Bob coleccionaba todo lo que se escribiera sobre Jesse James. Notas en los periódicos, folletines de aventuras. Como tantos de su tiempo, Ford lo idolatraba como ahora se idolatran a las estrellas de cine o de rock. Tenía la ambición, no solamente de conocerlo, sino de ser parte de la pandilla de los hermanos James y por supuesto, ya en ésas, llegar a ser su amigo.
Pero entre la realidad y las fantasías que se había inventado había una distancia profunda. Y cuando al fin Ford se topó con el verdadero Jesse James, no sólo no lograría ser el amigo ni el miembro de su pandilla que soñaba, sino que se vio ignorado por la excesiva lambisconería que Bob desplegó ante James, quien no se vio para nada impresionado por la admiración de aquel don nadie.

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De cuando Eduardo Manos de Tijera se hizo adulto: Sweeney Todd

Cuando uno mira la película Sweeney Todd: El barbero demoníaco de Fleet Street, no queda ninguna duda del por qué Tim Burton se empeñó en llevar el exitoso musical de Broadway al cine. Están presentes, sin duda, muchos de los elementos que le son caros a Burton y que le darían el espacio para aplicar su particular estética gótica-gore.
Sin embargo, convencer al escritor original de la obra, Stephen Sondheim, de llevarla al cine no fue tan sencillo. De hecho, el plan de convertir el musical en película tardó 25 años. Diferentes directores estuvieron tentados o fueron pensados para hacerlo y la variedad de actores tomados en consideración para el papel de Todd iba desde Russell Crowe hasta Jack Nicholson pasando por toda una variada gama de famosos.
Pero sinceramente, me resulta difícil imaginar a nadie fuera de Johnny Depp haciendo el papel estelar. De nuevo, el gran equipo de trabajo que conforman Burton y Depp ha dado un resultado excepcional. Este equipo vino sin duda a ser enriquecido por la también talentosa presencia de Helena Bonham-Carter, compañera de Burton y embarazada del segundo hijo de ambos durante el rodaje de esta película.
La historia tiene tintes muy a lo Conde de Montecristo: una venganza concebida durante 15 años en la mente de un barbero que es encarcelado por un juez que está enamorado de la esposa de Benjamin Barker, nombre original del barbero, que retornará a Londres convertido en Sweeney Todd y transformado por el dolor y la amargura, incluso físicamente.

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Speed Racer (Meteoro)

Hace pocos días me di cuenta que los Hermanos Wachowski (los mismos de Matrix), han estado trabajando en la película Speed Racer (o Meteoro, como la conocimos por estos lados), basada en la serie animada japonesa de fines de los 60. La idea de esta combinación (Wachowski / Meteoro), me dio mucha curiosidad. Y debo decir que después de ver el trailer, parece que este dúo de hermanos ha logrado capturar el ambiente y los personajes del original. La película será con actores reales, pero hay ciertas ambientaciones y sobre todo, la caracterización de los personajes, que son fieles a la animación. Christina Ricci como Trixie y Susan Sarandon como la mamá de Meteoro están igualitas que los personajes de los muñequitos. Emile Hirsch, un actor relativamente nuevo, hace de Meteoro. Estoy con gran expectativa de ver esta película que será estrenada en mayo de este año.
Mientras tanto, los dejo con la cancioncilla original del programa, que ojalá perviva en la película para hacer completa la felicidad de todos aquellos que de niños no nos perdíamos esta serie pero por nada en el mundo... (recordé que la mirábamos con mi hermano, tirados en el piso de la sala. Yo cantaba la canción a grito partido y mi hermano, que estaba bien chiquito, hacía con la boca los efectos de sonido de los carros).

American Gangster y lo "basado en una historia verdadera"

Después de ver American Gangster y de buscar algo más de información sobre el verdadero Frank Lucas, me quedé con una pregunta: ¿en qué punto, cuando se dice que una historia está “basada en un hecho real”, se traspasa lo real y se entra en el campo de la ficción? ¿Cuánto es válido alterar para que siga siendo una historia “basada en un hecho verdadero”?
Y me lo pregunté porque muchos de los detalles planteados en la película, detalles realmente importantes, no ocurrieron ni fueron de esa manera en la vida real.
Esto no sería nuevo en Ridley Scott. Cuando Kingdom of Heaven también fueron cambiadas varias circunstancias de los personajes y los eventos que narra la película, la defensa de Jerusalén durante las cruzadas del siglo XII ante Saladino. Había que leer bastante sobre los personajes, las circunstancias y la época para comprender que la historia real sobre la que se basaba la película era una dramatización y que lo histórico fue bastante diferente.
Quizás mi inquietud viene más desde el sentido del escritor, del contador de historias. Y es seguramente un punto de partida para varios otros aspectos de cómo se nos presentan las historias (sea en una película, en un libro, en una obra de teatro). En American Gangster, el “villano” de la película es Frank Lucas, un negro de Harlem que a fines de los años 60 y aprovechándose de la guerra de Vietnam organiza toda una red de contrabando de heroína, para lo cual se vale de aviones y militares estacionados en aquel país. Lucas monta su negocio sin intermediarios, a un precio más bajo que el tradicional, y lo que era más importante, con un alto grado de pureza de la droga vendida.

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Heath Ledger (1979-2008)

Fue un joven sacerdote escogido para ser un Devorador de Pecados; el hijo de un americano secuestrado por soldados ingleses; el seductor Patrick Verona que acepta pago para salir con la chica intelectual de la escuela y termina enamorado de ella; un policía suicida; un soldado que se niega a ir a batalla por lo cual recibe cuatro plumas blancas de sus amigos, que lo marcan como un cobarde; un campesino que se hace pasar por caballero; el héroe australiano Ned Kelly que retó a las autoridades colonizadoras de aquel continente; Skip Engbloom, el dueño de una tienda de artículos para surfistas y que forma a los famosos Z-Boys, los primeros acróbatas de la patineta; uno de los hermanos Grimm, Jakob; Giacomo Casanova; un poeta adicto a la heroína; el vaquero Enis del Mar...
Fui fan de Heath Ledger desde antes que su nombre o su rostro se hicieran demasiado conocidos. No sé en cual lo vi primero, pero siempre su nombre era razón para ver sus películas. Me gustaba verlo en papeles tan diferentes, explotando su físico y haciéndolo oscilar entre la belleza, la fealdad, la gordura, la juventud, la tontería o el misterio, cambiando su acento del australiano al irlandés al inglés standard o al acento de California, eufórico y ridículo, serio y heroico, enamorado, atormentado, seductor. Me gustaba mucho el timbre de su voz.
Me costó ayer creer que hubiera muerto en lo que tiene toda la apariencia de ser un suicidio. Pensaba en su juventud y en todas las grandes actuaciones que de seguro íbamos a ver de él todavía y que ya no serán. Pensé en su pequeña hija que lo conocerá nada más que a través del recuerdo de los otros, y de sus películas. Y en los últimos momentos. Y en las pastillas. Y en cómo, por qué. Y recordé a River Phoenix y a un montón de otros muertos. Y ese extraño club de los muertos antes de los 30. Y me dio pesar, mucho pesar.
Ojalá a alguien se le ocurra traer por estos rumbos I’m Not There, donde es uno de los actores que interpreta a Bob Dylan. Me veré obligada a ver el próximo Batman donde él hace de Guasón. Me quedaré con las ganas de ver The Imaginarium of Doctor Parnassus, la que iba a filmar.
Hace algunos meses soñé con él (tengo una extraña recurrencia a soñar con mis actores favoritos). Sonreía, era intolerablemente bello. Caminábamos junto al mar. Hablábamos tonterías. Reíamos. Entrábamos a una casa, de ésas que salen en las revistas, y mirábamos el mar. Siempre el mar. Y no recuerdo más.
Ahora será bello por siempre. Un sueño detenido en el tiempo.

El Orfanato

Laura regresa a lo que fuera su hogar de infancia, un orfanato. Compra el caserón, se instala allí con su esposo Carlos y su pequeño hijo Simón y planea abrir un hogar para cuidar niños con limitaciones físicas. Pero muy pronto comienzan a pasar cosas extrañas y además, Simón insiste en que juega con unos amigos imaginarios...
El Orfanato es el primer largometraje del director Juan Antonio Bayona y viene a ser una refrescante visita al género del misterio y el horror. Lo que me sorprendió en particular es que los elementos con los que crea la tensión en el espectador no son extraordinarios ni novedosos. Rincones oscuros, puertas que se abren con chirridos, maderas que crujen al caminar, música dramática: uno espera en cualquier momento que ocurra algo (que aparezca una mano peluda o un monstruo de facciones aterradoras), pero las más de las veces no pasa nada. Y entonces, cuando tenemos la guardia baja, ya pegaste el primer grito del susto.
El director va construyendo en el espectador una tensión que no da tregua, desde los primeros momentos de la película y realmente uno está a la expectativa de “algo” porque sospecha que en efecto, algo no anda bien, aunque no tenemos la menor idea de qué.
La composición del terror que va armando el director se basa más en lo sugerido y en las piezas que poco a poco se nos van presentando en la historia. Pero no es un terror (como desafortunadamente ocurre en tantas películas actuales), basado en lo escabroso o grotesco. Es algo mucho más fino y construido muy meticulosamente aprovechando todo tipo de elementos (claroscuros, espacios, ruidos, etc.)
Esa tensión es intensa y constante como ya mencioné. Y me ocurrió lo que no recuerdo haber vivido jamás en ninguna película: ¡la gente pegaba unos gritos tremendos! No, yo no grité, pero sí confieso haber pegado mis 3 o 4 brincos en algunas escenas y me pasé con una tensión casi insoportable durante toda la película. ¿Qué más puede uno pedir de una peli de miedo y misterio?
Pero ciertamente la película ofrece mucho más. Hay muy buenos momentos fotográficos. Las escenas de exteriores tiene momentos preciosos. Y también la fotografía (con un constante uso del claroscuro en interiores) es de los elementos que construyen el misterio. Muy buena la escena a nivel fotográfico de cuando Laura va bajando las escaleras a lo que es “la casa de Tomás” (toda la gente del cine en ese momento le gritaba a Laura “¡noooo, no bajés!”).
Belén Rueda está super bien en el papel de Laura. Y luego tenemos un par de sorpresivas presencias, como la de Geraldine Chaplin como una medium que intenta ayudar a Laura y Carlos, y la de Edgar Vivar (conocido y constante cómplice de Chespirito) como parte del equipo de la medium.
Lo único que en lo personal no me gustó fue el final. Me pareció que rompió con toda lo dark y la carga de tensión que llevaba la película desde el comienzo. Pero bueno, puedo comprender la intención del director al hacerlo de esa manera.
No puedo hablar más de esta historia primero para no arruinarles el cuento, pero sobre todo porque El Orfanato es una experiencia que debe vivirse. Si le gusta sentir que se le paran los pelos de la nuca, pegar brincos del miedo y experimentar un salón oscuro lleno de gritones miedosos, no deje de verla. Y lo mejor es que vaya acompañado.
Y ciertamente, quedo a la espera de más películas de este excelente director.

Fearless

En un impulso me fui ayer domingo al cine a ver la última de Jet Li, Fearless (El duelo en español). La película llega con más de un año de retraso desde su estreno a las salas costarricenses, pero si usted es seguidor de las películas de artes marciales y sobre todo, de Jet Li, por supuesto que no puede perdérsela.
Fearless rompe un poco la dinámica de las películas de este género, pues no se trata de un argumento banal para simplemente mostrar un montón de buenas peleas. Ésta se basa en la biografía de Huo Yuanjia, un famoso y legendario peleador de wuchu, que mediante las artes marciales, enfrenta a los invasores de China a comienzos del siglo pasado con el fin de restaurar el deteriorado honor chino.
Pero enfrentarse a luchadores extranjeros pasa por un proceso de vida doloroso. El padre de Yuanjia, también peleador, no quiere enseñarle a su hijo asmático los secretos detrás de la pelea y prefiere que se dedique a la caligrafía. El hijo aprende viendo y se convierte en un gran peleador pero, al no ser instruido en las bases filosóficas que sustentan toda arte marcial, Yuanjia se convierte en un arrogante que pelea por vanidad para demostrar lo bueno que es y para vengarse de los que lo derrotaron en sus peleas de infancia. Su madre le indica que el wuchu no es para vengarse, sino para encontrarse a sí mismo y ayudar a los débiles.
Un encuentro con el único rival con el que le falta pelear se sale de control y la tragedia se implanta en la familia tanto del rival como de Yuanjia, quien huye de su ciudad y encuentra refugio en una lejana aldea donde pasa varios años. Allí, una joven ciega y su abuela lo amparan y lo cuidan. Yuanjia conoce la vida sencilla de aquel lugar, aprende a sembrar arroz y deja por muchos años de pelear.
Una mención a la familia hace que Yuanjia sienta necesidad de regresar a su ciudad y se encuentra con extranjeros que se refieren a los chinos como “los animales apestosos de Oriente”. Yuanjia busca unificar las escuelas de artes marciales en una federación unificada para que los chinos no peleen unos contra otros y acepta un reto propuesto por la Camara de Comercio Exterior contra 4 de los mejores peleadores internacionales.
Por el proceso de cambio del personaje, me recordó un poco a la estructura de Hom Rong (La overtura), donde el personaje arrogante cambia y asume su talento como una manera de ayudar a otros y reafirmar una identidad nacional.
La recreación de época es estupenda así como todas las escenas de artes marciales, que por supuesto, tienen el lugar predominante en el film. Para los fans de Jet Li ésta se convierte además en una película imprescindible pues hay rumores de que con ella se despide del cine.

The Wind that Shakes the Barley

En la siempre verde Irlanda, 1920. Cuando Micheail O'Sullivan se niega a decir su nombre en inglés ante las tropas inglesas, es muerto por éstas. Demien y Teddy, un par de hermanos, deciden incorporarse entonces a un grupo armado de resistencia contra los "Black and Tans", el ejército de ocupación inglés, luego de ver los brutales abusos de éstos contra los irlandeses. El grupo armado es el incipiente Ejército Republicano Irlandés (IRA). Los muchachos recuperan armas, emboscan a los ingleses y reciben el apoyo de la población civil. Pero cuando se firma el tratado de paz, comienzan las divisiones internas, ya que el tratado no le concede independencia absoluta a Irlanda, esperando que los irlandeses sean parte de la comunidad británica y le juren lealtad al rey inglés. Ante esto, comienzan las luchas entre los miembros del IRA que se oponen al tratado y los que conforman el Ejército Nacional de Irlanda, que piensan que lo mejor es terminar con la guerra y aceptar el nuevo orden. Los hermanos, Demian y Terry, terminan divididos por sus creencias opuestas.
Uno de los logros de The Wind that Shakes the Barley (título en español El viento que acaricia el prado) de Ken Loach, es la manera en que expone la compleja situación irlandesa a través de la historia de los hermanos que comienzan juntos una lucha política, pero terminan divididos, una metáfora tristísima de toda una situación nacional.
Desafortunadamente, y como ya es frecuente, el título en español no se acerca al original en inglés que sería "el viento que sacude la cebada". El título en español desvirtúa el título en inglés, debido al simbolismo de la cebada para los rebeldes irlandeses, ya que éstos llevaban cebada y centeno en sus bolsillos como reserva alimenticia cuando iban a pelear. Al morir, y ser enterrados en fosas sin lápida, la cebada que quedaba en sus bolsillos germinaba señalando el lugar donde yacían. El mismo se desprende del verso de una tristísima canción irlandesa, cantada en los primeros minutos de la película, durante un velorio:

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Das Leben der Anderen (La vida de los otros)

En efecto, así era Berlin Oriental. Gris. El impacto visual era mucho más fuerte cuando llegabas de Berlin Occidental, lleno de las luces y colores de “la decadencia capitalista”. Berlin era gris, sus edificios eran grises, las calles estaban más bien vacías y eran bastante silenciosas. Y en efecto, por las noches, bastante temprano de hecho, apenas había carros circulando por las calles.

Das Leben der Anderen (La vida de los otros) relata la historia de Wiesler, un oficial de la Stassi, la policía secreta de la extinta República Democrática Alemana, a quien le es asignada la misión de observar a un dramaturgo y su pareja, una actriz, pues son considerados “sospechosos”. A medida que avanza en la misión (para la cual se han hecho instalar micrófonos en el apartamento de la pareja), Wiesler se da cuenta de que, en realidad, la labor de espiar a la pareja no es tanto política como pasional: el Ministro de Cultura está obsesionado con la actriz y quiere eliminar del camino a su rival.
La historia se construye minuciosamente. Detalle a detalle. Y es ésa una de las grandes virtudes de esta película. Me parece que cuando alguien se toma la paciencia de presentar tanto detallismo, despacio pero de manera certera, la comprensión de los sucesos que siguen es apropiada para el espectador. Pero lo mejor es que no anticipa ninguna sospecha sobre el posible desenlace de este drama.

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Stupid Sunday y 300

A eso de las 8 y media de la mañana de ayer domingo se fue la luz. No volvió hasta las 5 y tantas de la tarde. El corte de luz, anunciado con suprema discreción en los medios de comunicación, se suponía que era para hacer trabajos de mantenimiento en el cableado eléctrico de la zona. Lo malo fue que vino a sumarse a una serie de inesperados y largos apagones que, hasta ahora se sabe, se prolongarán durante toda la semana.
El jueves hubo un apagón general de 3 horas en toda Costa Rica. Y aunque ha habido contradicciones en cuanto a la causa del mismo (se habla de un transformador que explotó en una de las centrales de energía), la verdad es que el país está sufriendo una severa crisis de desabastecimiento energético. La empresa correspondiente ha decidido por eso efectuar racionamientos, que de hecho comenzaron el miércoles, antes del apagón general. Lo malo es que no se sabe si los racionamientos serán a la misma hora toda la semana o qué. El nuestro del viernes fue de 1 a 4... Hoy supe que para San Pedro toca corte lunes de 3 a 6 de la tarde, lo que para muchos (yo incluida) significará, una tarde sin poder trabajar.
Por ello, el apagón de hoy fue recibido con gran fastidio. Estaba en el mini-super de la vuelta comprando el periódico y un pan de chocolate para el desayuno cuando se fue la luz allí. Pensé que tendría que comerme mi pan con un vaso de leche, porque no podría hacer café: mi cocinita es eléctrica, como se acostumbra mucho por acá.

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Corre Maya Corre

No tenía muchos deseos de ver Apocalypto, sobre todo después de las críticas, los comentarios, las discusiones, las protestas, etc. etc. Pero algo de curiosidad me daba y fui un poco resignada a perder la tarde y a tratar de ver la película con ojos neutrales, tratando de no pensar en toda la propaganda negativa que se dio alrededor de ella.
Pero la película objetivamente decepciona por varios motivos. La historia no tiene elaboraciones ni sorpresas: un grupo maya es atacado y masacrado por otro, los sobrevivientes son tomados prisioneros y llevados a una ciudad donde serán sacrificados para rogar por lluvias debido a que la sequía a hecho perder sus cosechas. Garra Jaguar se salva en el último minuto de ser sacrificado porque justito en el momento que el sacerdote alza el puñal para clavárselo en el pecho y sacarle el corazón (como ya hizo antes con chorrocientos hombres más), hay un eclipse...

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The Queen

Vamos al grano: la actuación de Helen Mirren en The Queen es extraordinaria. Mientras miraba la película pensé que todo el que trabaja en la actuación debería ir a verla y tomársela como una lección en esa disciplina. Lo que Helen Mirren a hecho es impresionante, desde el aspecto físico hasta toda la rectitud, severidad y momentos donde la reina es meramente una persona con dudas, preocupaciones, tristezas. A pesar de esa expresión petrificada que siempre luce ante los otros, un movimiento de su boca, una mirada, un giro de cabeza, cualquier pequeño gesto dice mucho de lo que pasa al interior de esta mujer tan contenida e impenetrable.
La presencia de Helen Mirren en pantalla es tan imponente que uno podría olvidarse o ignorar qué ocurre en el resto de la cinta o con el resto de los actores. Me pasó un poco eso. Uno quería que estuviera la Mirren todo el tiempo para poder mirarla absorto, incrédulo, admirarla.
Mirren misma confesó en una entrevista que al principio no estaba muy segura de aceptar este papel, porque la Reina de Inglaterra es uno de los personajes más utilizados como blanco de comicidad y burlas en Inglaterra. El reto, decía Mirren, era cómo asumir a la Reina sin caricaturizarla, un personaje que se presta mucho para ello.

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Letters from Iwo Jima

Tengo un gran interés en la representación de la guerra, vista y tratada desde el arte, el cine y la literatura. La guerra como concepto. La guerra como escenario del drama humano, de su naturaleza, de sus arrogancias, de sus miedos más oscuros. La guerra como el escenario de las historias íntimas trastocadas por el ruido de las balas y las bombas.
La guerra en cualquier parte del mundo, por el motivo y con la justificación que sea, me parece la máxima expresión de la bajeza y la estupidez del ser humano. Pero por más que me repugne, siempre me fascinan sus historias.
Me parece muy interesante la idea de Clint Eastwood de presentar los dos lados de un mismo suceso. Y aunque no me gustó demasiado la primera, Flags from our fathers, puesta en dúo con su par, Letters from Iwo Jima, sospecho (o por lo menos yo así las veo), sospecho que la primera es bastante irrespetuosa (por no decir burlona) del sentido de espectáculo que los estadounidenses le dan a la guerra: muchos flashes de cámara, postres con jarabe de fresa o chocolate, fiestas, discursos, aplausos. Y esta sospecha resalta más luego de la sobriedad y el dolor que transmite Letters from Iwo Jima.
La película narra los días previos a la invasión, cuando las fuerzas japonesas planifican cómo defenderán el islote de la invasión estadounidense. Es impresionante que, desde un comienzo, se sabía que todo estaba perdido y que los soldados japoneses, sobre todo los oficiales, estaban conscientes de que todo aquello era un suicidio, pero que era importante dar la batalla para evitar que los estadounidenses se tomaran el lugar, al que tenían la intención de convertir en la base de asalto del resto de las islas japonesas.

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La noche de los Oscares

Tenía en lo personal una gran expectativa y hasta entusiasmo por los premios Oscar de este año, quizás y sobre todo porque considero que hemos tenido oportunidad de ver películas muy buenas y actuaciones excelentes. Emocionante era también la numerosa cantidad de nominaciones a artistas hispanos en diferentes categorías, lo cual daba por lo menos la ilusión de que el concepto estético holliwoodense se está ampliando. Pero ocurrió como en todos los años y los favoritos personales no fueron los galardonados.
El espectáculo en general estuvo apagado y casi algo desordenado. No hubo, como en otros años, una presentación especial para cada una de las nominadas a mejor película del año sino nada más un video con escenas y comentarios de los participantes en las mismas. Las cortinas de los bailarines haciendo figuras de sombra me parecieron absolutamente innecesarias y sin gracia. Y por qué llamaron a Celine Dion para cantar una canción de Enio Morricone, todavía lo ignoro. A pesar de ello, fueron muy buenas las presentaciones de cómo el cine ve a los escritores (con fragmentos de muchas conocidas películas donde interviene un personaje que es escritor) y también la importancia de las películas extranjeras.

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El laberinto del fauno

Lo que más me gustó de El Laberinto del Fauno de Guillermo del Toro fue la combinación del mundo real con el mundo de la fantasía. Me parece que en esta película, el equilibrio entre ambos mundos está en su punto justo: tanto nos interesa el Capitán Vidal, Mercedes y los rebeldes que sabemos se albergan en el bosque como saber cuál será la siguiente prueba que le pondrá el Fauno a Ofelia para definir si es la princesa reencarnada buscada por su padre, el rey de un mundo en el fondo de un laberinto.
La historia, escrita por del Toro mismo, la veo como una lección aplicable a lo literario. Últimamente me da la impresión que las novelas se tornan tan suciamente realistas que para qué las leo. Basta leer el periódico con las noticias del mundo real, encender el noticiero, salir a la calle, hablar con los vecinos. El día viene inundado de malas noticias y no las quiero leer también en las novelas a las que acudo para poder dejarme llevar en un rapto de seducción, lejos de la vil realidad, porque si no descansamos de ella nos volveremos locos. Y necesitamos de la fantasía, necesitamos creer en lo imposible, en los amores con final feliz, en que el bueno siempre vencerá al malo y en que el planeta nunca se terminará porque siempre habrá héroes para salvar al mundo completo. Lo necesitamos porque la vida real es más cruel de lo que sabemos.

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Flags of our Fathers

No tenía muchas ganas de ver Flags of our Fathers, pero pensé que debería hacerlo si también quería ver Letters of Iwo Jima (que se anuncia ya en San José), la película que realmente me interesa de la reciente dupla de Clint Eastwood. Me parece necesario ver ambas ya que se trata de un proyecto interesante: presentar el mismo evento visto desde las perspectivas opuestas, en este caso, ganadores y vencidos en la batalla de Iwo Jima, en la II GM. Me parece también interesante que ambas películas se hayan presentado en un lapso de tiempo relativamente corto.
Flags of our Fathers es la historia detrás de una foto que se convirtió en emblemática. La foto fue tomada casi que de casualidad por Joe Rosenthal, mientras un grupo de soldados levantaban una bandera de los Estados Unidos. La película va preparándonos para ir conociendo la historia del desembarco estadounidense en Iwo Jima y los terribles combates que ocurrieron para tomar el control sobre los japoneses, que culminan con la toma de la fotografía.

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Babel

Debo decir que Babel me decepcionó bastante. Comenzaré diciendo sin embargo que no se trata de una mala película y que mi decepción puede tener más que ver con la expectativa que ha generado a partir de todas las nominaciones a premios y algunas críticas que la catalogan de “excelente” y hasta de “obra maestra”. Babel es una película buena, que vale la pena irse a ver. Pero...
Comencemos con su estructura, nada novedosa, y menos en González Iñárritu que ha utilizado la técnica de las historias cruzadas en Amores Perros y 21 Gramos, las cuales conforman con Babel una así llamada “trilogía de la muerte”. Ya sabemos pues que, de alguna manera, las historias que ocurren en diferentes escenarios del planeta terminan amarradas por algún detalle. Este mecanismo no es nuevo y su efectividad consiste en el elemento sorpresa que, en Babel, es muy débil. El elemento que involucra a personas en Marruecos, México, Estados Unidos y Japón es un rifle. Un rifle que ocasiona una tragedia (o quizás dos o tres o cuatro), pero que, en lo personal, no me conmovieron ni un ápice. (Pensé por ejemplo en El Violín Rojo, donde el objeto cobra protagonismo a medida que se cuentan las historias de sus diversos dueños a través de cientos de años).
Aquí vamos a otro aspecto en que me parece falla la película. La frialdad de la historia. Todo está ahí, es cierto, pero hay una distancia, algo que no me llega a tocar en ningún momento como espectador. ¿O será que me estoy volviendo cínica?

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Children of Men

Las ciudades son lugares grises y deprimentes. En los campos se queman animales (¿vacas locas?). Hay diferentes grupos radicales de índole político y también, grupos de otro tipo, que pretenden mediante flagelaciones u oraciones redimir a la humanidad perdida. Bombas explotan en cualquier parte. Miles de inmigrantes ilegales, “fugees”, son apresados a montones y confinados en ciudades-cárcel, los más asquerosos guettos desde los campos de concentración.
El año 2027 no parece ser demasiado diferente al presente, pero en la ficción de Alfonso Cuarón, Children of Men, hay un detalle sustancial: las mujeres, la totalidad de ellas, son infértiles desde hace 18 años. Ya no existen niños. Ya no hay embarazos. Y la muerte de la persona más joven del mundo, un muchacho de 18 años y algunos meses, es vista como una tragedia y seguida por todos en televisores y pantallas de computador. Por otro lado, el Estado es lo suficientemente benévolo como para comprender que en una realidad así, donde la esperanza es un mito resbaladizo, el suicidio es más que una alternativa. Es casi un consuelo. Por lo tanto, el Estado pone a disposición de los que quedan paquetes con un medicamento que puede dormirlos de manera tranquila... y la mariguana sigue siendo ilegal.

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La Naranja Mecánica revisitada

No recuerdo ahora el detalle exacto pero hace algunas semanas leí un comentario sobre La Naranja Mecánica (A Clockwork Orange) que me llamó la atención. Desafortunadamente, no guardé el link, pero iba en torno a lo que el autor llamaba “la violencia gratuita” de la película. El comentario me pareció curioso porque era algo escrito en medio de esta “era moderna” en la que convivimos con la violencia de tal manera que ya es parte de nuestra vida.
Por casualidad, metida en una librería donde tenía que recoger un libro que me habían enviado, vi la novela de Anthony Burguess y aunque el precio estaba bastante violento, lo compré empujada por la motivación que me dejó el comentario y porque siempre he querido leer este libro. Luego, aprovechando las vacaciones en que me dio un frenesí por alquilar DVD’s, encontré la película de Stanley Kubrick y la alquilé.
Verla fue como no haberla visto, como si fuera una película nueva. Casi la tenía borrada de la memoria (y me convencí de que volver a leer ciertos libros y ver algunas películas, es un ejercicio valioso, no solamente para refrescar la memoria o para comprender mejor las cosas, sino también para confirmar que algunas propuestas no pierden vigencia a través del tiempo).

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Déjà Vu

Una de las obsesiones del ser humano es sin duda la de volver atrás en el tiempo. ¿Qué haríamos si tuviéramos esa capacidad? El tema ha sido recurrente en el cine y la literatura. En algunas propuestas, la idea de los viajeros en el tiempo es la de investigar o conocer el pasado. En otras el viaje ocurre por circunstancias incontrolables y la obsesión, luego de estar atrapados en otras épocas y países, es volver al “comfort zone” del conocido presente. Y en otras ocasiones, la idea es volver al pasado para enmendar errores o impedir tragedias.
Es en esta última línea que se basa el argumento de Déjà Vu, de Tony Scott y protagonizada por Denzel Washington, sobre quien el tiempo parece pasar de manera benévola (lo digo porque en la misma aparece Val Kilmer, quien luego de pasar por galán de cine está ahora algo desmejorado).
El título y la propaganda de la película sugieren algo bastante errado. No puedo más que parafrasear la propaganda del trailer para decir lo que es un déjà vu: la sensación de ya haber estado antes en otro lugar o de estar viviendo una circunstancia por segunda vez. Algunas veces la sensación es tan fuerte que uno sabe lo que ocurrirá a continuación. Es algo así como “recordar el futuro”. Los científicos creen que se trata estrictamente de una anomalía de la memoria debido a que, aunque existe una sensación de familiaridad en una situación, no logra ubicarse con exactitud el recuerdo.

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The Illusionist

Un buen mago jamás descubre sus trucos. Y aunque se parte de que la magia de salón es siempre un habilidoso despliegue de mecanismos ocultos a la vista humana, los actos de magia de Eisenheim, el Ilusionista son tan especiales, que su público comienza a creer firmemente que tiene poderes sobrenaturales. Eisenheim se presenta en un teatro de Viena asombrando con sus habilidades a todos, hasta que llega a oídos del Príncipe heredero quien acude al espectáculo. Allí Eisenheim se reencontrará de nuevo con su amor de infancia, Sophie, quien está prometida al Príncipe... Eishenheim ve en este reencuentro la esperanza de culminar el amor que le fue negado en la infancia por ser apenas el hijo de un carpintero.
The Illusionist dirigida por Neil Burger está basada en una historia corta de Steven Millhauser, ganador del Premio Pulitzer por una de sus novelas. El cuento, con el título original de "Eisenheim the Illusionist", está incluido en la colección The Barnum Museum.

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Eragon

Un muchacho encuentra en el bosque una piedra azul y se la lleva a casa. A los pocos días, la "piedra" se rompe: es en realidad un huevo de dragón. Comienza así la aventura de Eragon, un muchacho que ha sido llamado a revivir los días de los jinetes de dragones, días de paz y armonía que concluyeron con la muerte del último dragón a manos del malvado rey Galbatorix.
Basada en la popular novela del mismo nombre, de Christopher Paolini, la película nos lleva por un viaje de aventuras y fantasías que rememora las historias de reinos y leyendas creados por Ursula K. LeGuin, Tolkien o Philip Pullman, lecturas todas de las cuales se alimentó la fantasía de Paolini. El autor escribió el primer borrador de la novela cuando contaba cosa de 17 años y ese fervor juvenil por lo mágico está obviamente retratado en su historia. Actualmente, Paolini trabaja en la tercera novela de lo que llama la Inheritance Trilogy (el segundo libro se llama Eldest), y se espera que aparezca publicada el próximo año. En lo personal, no he leído los libros (anque pueden leerse avances en la página de Paolini).

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The Departed

La última película de Martin Scorsese ha despertado tanto entusiasmos exacerbados como profunda decepción. Comentarios que van desde calificarla como "la obra maestra de Scorsese" a "una película que se le fue de las manos". En ese ánimo, uno entra al cine sin saber qué pensar sobre lo que va a ver, y va porque, querrámoslo o no, Scorsese tiene grandes películas en su historial y hay que ver lo que hace.
Yo sería de las que me colocaría en el espectro medio de dichos comentarios. No creo que The Departed (Los Infiltrados, como se llama en español), sea una obra maestra, pero tampoco me parece decepcionante. Entretiene, mantiene cierto suspenso y sobre todo, aunque uno intuye lo que puede pasar con aquello de las historias paralelas iniciales, plantea elementos suficientes como para querer ver ese encuentro y desear cierto tipo de desenlace.

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Jack Palance (1919-2006)

Este era uno de los rostros que más disfrutaba viendo en las películas en blanco y negro de los años 50. Jack Palance fue boxeador profesional (su nom de guerre era Jack Brazzo), pero se enlistó luego en la Fuerza Aérea y luchó en la II Guerra Mundial. Su rostro, que por las golpizas del boxeo ya estaba algo averiado, se vería totalmente descompuesto luego de un accidente de avión durante un entrenamiento, motivo por el cual sería sometido a varias cirugías reconstructivas, a las que se le atribuyen el efecto anguloso de su cara. Muy alto (1.93 mts.) y con una voz profunda, Palance tuvo (como varios excelentes actores de su época), la capacidad de interpretar diferente tipo de personajes: desde Drácula hasta vaqueros, desde boxeador, detective o gángster hasta el Dr. Jekyll y Mr. Hide, desde Atila el Huno hasta Fidel Castro.
En lo personal lo recuerdo por dos películas: una, que vi cuando niña y cuyo título de plano no recuerdo, donde él hacía de boxeador atormentado (me parecía impresionante que un hombre que se bajaba a cualquiera con un par de puñetazos pudiera ser un manojo de angustias y sentimientos); la otra película que me encanta de él es Flor de Mayo de 1959, donde actúa en español junto a María Félix e interpreta a un marinero gringo que regresa a un pueblo donde Félix es un antiguo amor. El dúo es complementado por otro grande, Pedro Armendáriz.
Otras buenas películas suyas son Shane (por la que fuera nominado al Oscar), Man in the Attic y Sudden Fear donde actúa junto a Joan Crawford.
Clap, clap, clap para uno de los mejores.

All the king's men

Todavía no sé qué pensar de All the King's men. Dirigida y adaptada por Steve Zaillian (el mismo que escribió La lista de Schindler), y basada en una novela de Robert Penn Warren, la película narra el ascenso al poder de William Stark, un personaje populista del estado de Lousiana que se convierte en Gobernador y que en alguna parte del camino, comienza a obrar con los mismos métodos corruptos que criticó al inició de su carrera y que le ganaron la victoria en las elecciones.
La película cuenta con un reparto de estrellas: Sean Penn es Stark; Jude Law es Jack Burden, el periodista que trabaja con él; en otros roles vemos a Sir Anthony Hopkins, Kate Winslet, James Gandolfini y Mark Ruffalo, entre varios más. Podría decirse que el director tenía una fórmula ganadora entre sus manos, y sin embargo algo falló. Y creo que lo que falló fue la ambigüedad de la historia y sus personajes, convirtiéndola casi en una historia sin sentido, en la que finalmente, nos importa poco si los personajes mueren, viven, son asesinados o lo que sea.

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Volver

En la página oficial de la película Volver de Pedro Almodóvar, él mismo dice que lo más difícil de esta película ha sido escribir su sinopsis:

Mis películas cada vez son más difíciles de contar y de resumir en pocas líneas. Afortunadamente esta dificultad no se ha reflejado en el trabajo de los actores, ni del resto del equipo. El rodaje de Volver ha ido como la seda.

Y es cierto. Muchas cosas ocurren simultáneamente: Raimunda (Penélope Cruz) tiene varios trabajos para poder salir adelante, su esposo está desempleado y tienen una hija adolescente. También existe una tía, Paula, que está bastante mayor y enferma y la hermana de Raimunda, Sole, que trabaja arreglándole el pelo a mujeres en su propio apartamento. La muerte de la tía Paula coincide con un drama en casa de Raimunda (que no adelantaré para no arruinar la película) y a partir de entonces reaparece la madre de ambas mujeres, Irene (Carmen Maura), quien se supone muerta en un incendio. A partir de entonces empiezan a desarrollarse situaciones y revelaciones sobre el pasado de las mujeres.

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Glenn Ford (1916-2006)

Para los que hemos visto películas desde niños, este rostro es muy conocido. Lo vimos en westerns, películas bélicas, como detective, pero Glenn Ford será quizás y sobre todo recordado como Johnny Farrell, quien narraba la historia de Gilda, una película que en su época causó gran conmoción, sobre todo por la actuación de Rita Hayworth que asumió el papel de la erótica y sensual esposa infiel de Johnny, y que convirtió el personaje de Gilda en una de esas figuras del deseo masculino que los señores de cierta edad todavía añoran. Esta dupla volvería a actuar junta en 4 películas más.
Glenn Ford falleció el miércoles a los 90 años en Beverly Hills. Su extensa filmografía de más de 100 películas incluyen algunos títulos como Las Aventuras de Martin Eden, Vaquero, The big heat, Cimarron, The courtship of Eddie's Father y La Batalla de Midway.
Para los que quieran volver a ver algunas de sus películas y según la información de la página Glenn Ford Online, Turner Classic Movies, TCM, anunció que modificará su programación habitual del próximo 10 de septiembre, para presentar una maratón de 6 películas continuas protagonizadas por Glenn Ford. Esperemos que entre ellas esté la mencionada Gilda, una película que merece verse más de una vez.

Pirates of the Caribbean 2: Dead Man's Chest

El pirata Jack Sparrow, uhm, perdón, digo, el Capitán Jack Sparrow tiene que escapar de una extraña deuda al pirata Davy Jones. Para ello, debe encontrar la llave que abre el cofre que guarda el corazón de Jones, con lo cual podrá liberarse del incómodo pendiente. Mientras tanto, Will Turner y su prometida Elizabeth son condenados a la horca por ayudar a escapar a Sparrow, pero podrán salvarse si le llevan la brújula de Sparrow a Cuttler Beckett, representante del gobierno con la autoridad de dar cartas de libertad a Sparrow o a Turner.
Es la nueva aventura en la que nos envuelven los personajes de Pirates of the Caribbean 2: Dead Man's Chest (traducida erróneamente como "El cofre de la muerte"). Actuada y producida prácticamente por el mismo equipo de la película inicial, tenía algunas dudas de si la segunda parte sería igual de emocionante y si no decaería un poco o me aburriría del mismo cuento y personajes. Pero nada de eso. La segunda parte es igual de divertida, emocionante y entretenida.

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"Vincent" de Tim Burton

Este es uno de los primeros cortos de Tim Burton. Se llama Vincent y es de 1982. Algunos dicen que es su primer trabajo, pero de acuerdo a su ficha del Imdb, antes de éste hubo 3 trabajos más. Basada en un poema escrito por Burton, Vincent narra la historia de Vincent Malloy, de 7 años, que quiere ser como Vincent Price, el famoso actor que vimos en innumerables películas de horror, sobre todo en los años 60.
Este corto me parece simplemente excelente y como cereza para coronar el pastel, quien narra esta historia es el propio Vincent Price. Disfrútenlo.
(La versión colocada acá es la original en inglés con la voz de Price. Para los que quieran verla en español, pueden ir aquí).

Tartan Asian 4: Temas, recursos y elementos comunes

Quiero terminar esta visita a las películas de horror y suspenso asiático, detallando algunos temas, recursos y elementos que hacen de ellas, a mi parecer, un cine muy atractivo y por lo cual tantas personas nos hemos enganchado con ellas.

-La venganza (tanto entre los vivos como de los muertos a los vivos), la culpa, el apego al pasado, los espíritus como una realidad que vive paralela a nosotros, la videncia, las maldiciones, la soledad, el dolor físico, emocional, el suicidio y los problemas psicológicos, son los temas predominantes. Es interesante ver cómo se acepta como natural la presencia de los fantasmas en nuestro mundo contemporáneo y cómo ellos inciden fuertemente en la cotidianidad. También es interesante ver cómo la soledad del hombre moderno está acompañada del dolor y cómo ambas pueden ser el pasto para alimentar la venganza. La venganza vista como un motivo de vida, como el ímpetu que nos hace levantarnos por la mañana y continuar adelante, aunque una vez realizada la venganza ¿para qué se sigue viviendo?

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Tartan Asian 3: A tale of two sisters

Dos hermanas regresan a su hogar con su padre. La casa está en un lugar aislado, en el campo. Ahí tienen que convivir con su madrastra, una mujer cruel y difícil que violenta constantemente a las niñas, sobre todo a Su-yeon, la menor. El padre parece estar abstraído en sus propios asuntos y no se mete en lo doméstico. Encima de la tensión que les ocasiona a las hermanas vivir bajo la tiranía de la madrastra y la falta de apoyo del padre, las niñas sufren pesadillas y visiones: una ahorcada, una niña que aparece debajo de los muebles o sentada en el comedor y la constante sensación de ser observadas o de que "alguien" está en los pasillos de la imensa casa.
No puede adelantarse más del argumento de A tale of two sisters sin delatar una serie de giros y situaciones inesperadas que explicarán (o no) toda esta historia. Dirigida por el sur-coreano Ji-woon Kim, esta película se incluye en el género del horror psicológico e indaga sobre todo en la culpa y en la incapacidad de soltar el pasado.

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Tartar Asian 2: Audition

(Dicen que tiene "spoilers"...)

Shigeharu Aoyama es un viudo que, después de muchos años de estar dedicado a su trabajo y a la crianza de su único hijo, piensa que es hora de volver a casarse. Lo comenta con un amigo quien le propone emprender la búsqueda de la posible candidata organizando una audición ficticia para la filmación de una película. Aoyama examina cientos de fotos y solicitudes y de inmediato le llama la atención la de Asami Yamazaki, una joven que quiso ser balletista pero que por un problema con la cadera finalmente no pudo realizarlo y piensa ahora ser actriz.
Aoyama junto con su amigo entrevistan a más de 25 jóvenes hasta que por fin es el turno de Asami. Aoyama la invitará a comer, la llamará, la volverá a ver. Así comienza el cortejo pero también la revelación de algunos datos extraños: el amigo quiere confirmar los contactos de la joven pero no puede localizar a nadie y un productor musical que ella ha dado como referencia está desaparecido desde hace más de un año...

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Tartan Asian I: Oldboy

Esta semana la dedicaré al cine asiático de horror y misterio, conocido como Tartan Asian, películas producidas y filmadas en varios países de aquel continente y que han llegado a occidente gracias a una distribuidora llamada, precisamente, Tartan (de ahí su nombre). Estas películas se caracterizan por tocar los temas del misterio, del horror, del thriller psicológico y del drama combinado con elementos de violencia extrema gráfica o con lo sobrenatural.
Mis comentarios son apenas los de una principiante (y por ello mismo, agradeceré comentarios, rectificaciones, sugerencias de alguno que sí sea conocedor...), pero luego de haber visto algunas he comprendido un poco la pasión que han suscitado entre sus fans. Me parece también que hay elementos más profundos (desde la cinematografía hasta los temas implícitos en sus historias), que hacen de ellas algo más que un montón de películas que la gente mira pasar con frivolidad o puro entretenimiento. La constante indagación en la soledad, la venganza, el dolor (físico, emocional y mental), los espíritus y la infancia (curiosamente varias de ellas tienen como personajes estelares a niños o adolescentes), aportan elementos de reflexión. Y luego, a nivel estrictamente fílmico, es interesante ver cómo se ha renovado tanto el género de terror como la presentación misma de la violencia en el cine asiático, cómo se crea suspenso y cómo puede reconocerse la mano de los viejos maestros como Hitchcock. Así mismo, puede rastrearse su influencia en algunos directores contemporáneos como Quentin Tarantino, gran entusiasta de este género.
Mi idea es comentar tres de las películas que más me han gustado: Oldboy de Chan-wook Park, Audition de Takashi Miike y A tale of two sisters de Kim-ji Woon, para finalizar con un comentario sobre los temas y recursos que utiliza este cine.

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La Profecía 2006

Está bien. Caí en la trampa. Me moría de la curiosidad por ver la nueva versión de La Profecía, a sabiendas (por los comentarios leídos y por el trailer visto), que seguramente no era ni mínimamente cercana a la versión original. La Profecía original, de 1976, sorprendió en su momento por el tratamiento del tema del Anticristo y por el uso de una violencia muy gráfica que se miraba pocas veces en aquellos años. En lo personal pienso que ésta, junto con El Exorcista (1973), renovaron la manera en la que miraríamos (y se concebirían de ahí en adelante), las películas del llamado género de horror.
Esta nueva versión es tan, pero tan mala, que hay una escena donde muy claramente se miran los micrófonos (cuando Robert le limpia la frente a su mujer en la cocina, pueden verse en la parte superior de la pantalla, uno fijo y el otro que se mueve siguiendo a Robert en su movimiento en la escena).
No sé por qué se les ocurrió la desafortunada idea de hacer esta película. ¿Porque es el 2006 y había que hacer "algo rápido" para coincidir con la "profecía" del nacimiento del Anticristo el 6 de Junio? Con una tímida y poco convincente campaña de lanzamiento, con un staff de actores poco convencidos de su mismo rol y con una historia que no le llega ni a los talones a la otra, la película cuenta, como ya se sabe, la historia de Damien, adoptado por el Embajador de los USA en Londres y los sucesos que llevan a Robert Thorn, el embajador, a caer en la cuenta de que su hijo es el Anticristo.

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El Código DaVinci: la película

Ya que me tomé en algún momento el trabajo de leer el libro, tenía que cerrar el ciclo viendo la película. Esto me permitió ir simplemente a cumplir un requisito y a no tener expectativas. Porque bueno, si el libro es malo, por muy milagroso que sea un guionista (y a menos que cambie demasiado la historia original), será difícil que la película supere al libro (aunque ha ocurrido).
Curiosamente, tengo la impresión de que Ron Howard hizo precisamente eso: cumplir con el oportunista requisito de filmar la película del bestseller del momento. Juntó a un grupo de actores muy conocidos, encabezados por Tom Hanks, encargó un guión que es fiel al libro en un 90% (apenas un par de situaciones fueron variadas, nada vital) y aprovechándose de toda la discusión, controversias, prohibiciones, juicios y ventas multimillonarias, pareciera que se sentó a dirigir esta película con la mano en la cintura, o sea, sin mayor esfuerzo.
Tampoco es que la historia (que no repetiré porque creo que ya es del conocimiento público), dé espacio para mucho. No hay fotografía ni efectos especiales, no hay una gran historia, no hay más que una trama (que luego de tanto hablarse de ello, ya ni es sorpresa) mezclada con los ingredientes elementales para una película que ayudará a pasar el rato pero nada más.

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Nochnoy Dozor (Guardianes de la noche)

Anton acude a una bruja para saber sobre su ex-novia, que se ha ido con otro. Él quiere hacerla volver y la bruja le dice que ella está embarazada, que el hijo no es de él, que ella puede hacer que el niño muera y Anton acepta. Pero en el justo momento de realizar su hechizo, la bruja es detenida por los Guardianes de la Noche.
En el Moscú actual convergen brujas, vampiros, videntes, transformistas (humanos que pueden convertirse en animales) y Otros, la raza de los humanos con poderes (vamos a llamarlos) sobrenaturales, que desde el comienzo de los tiempos libraron una lucha hasta llegar a una tregua que será rota cuando aparezca El Otro, un niño que optará, en su momento por el bien o el mal, pero cuya presencia traerá el rompimiento de esa tregua.
Es la historia de Nochnoy Dozor (o en castellano, Guardianes de la noche).

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El Gabinete del Dr. Caligari

Un extraño personaje llamado Dr. Caligari, presenta en la feria de un pueblo un espectáculo nunca antes visto: El Sonámbulo Cesare, quien duerme desde hace 23 años y tiene la facultad de predecir el futuro. A partir de su presencia en el pueblo, comienzan a ocurrir también algunos extraños crímenes...
El Gabinete del Dr. Caligari de Robert Wiene supone la inauguración del expresionismo alemán, movimiento al que pertenecieron también El Golem (1920), Nosferatu (1922) y por supuesto Metrópolis (1927) de Fritz Lang. La utilización de contrastes de luz y sombra, y sobre todo, el tratamiento de historias donde el lado oscuro del ser humano (lo sobrenatural, la locura, lo monstruoso, lo inexplicable), fueron las características primordiales de esta serie de películas que, aunque pocas, llegaron a ser una influencia incluso para cineastas de nuestros días (hay quienes no dudan en opinar que Tim Burton se inspiró en Cesare para crear el personaje de Eduardo Manos de Tijera, interpretado magistralmente por Johnny Depp).

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De libro a película: ¿la mejor adaptación?

¿Cuál será la mejor adaptación cinematográfica que se haya hecho de un libro? Es la pregunta que se ha planteado The Guardian, quien le encargó a un grupo de expertos la selección de los 50 libros que han sido mejor adaptados a película. Eventualmente esta lista pasará a votación del público. Involucrados en esta votación están también las mega-librerías Waterstones y Borders, quienes promoverán la venta de los títulos correspondientes.
Aquí la lista completa de libros adaptados al cine (las que tienen un asterisco, son las películas que he visto; las que tienen dos asteriscos son película que he visto y libro que he leído):

1984**
Alice in Wonderland**
American Psycho*
Breakfast at Tiffany's*
Brighton Rock
Catch 22
Charlie & the Chocolate Factory**
A Clockwork Orange*
Close Range (inc Brokeback Mountain)**
The Day of the Triffids

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V for Vendetta

Todavía no sé bien qué pensar de V for Vendetta. Y me es difícil dar una opinión de estrictamente la película, siendo que está basada en un comic de tanto respeto y culto como el de Alan Moore y David Lloyd. El caso es que, como suele ocurrir, hay asuntos de la historia que seguramente los guionistas no pudieron alterar, respetando como debían ser fieles al comic original.
Un personaje enmascarado, conocido como V, pretende alzar al pueblo de Inglaterra contra el régimen, que ha tomado giros tipo el Big Brother del 1984 de Orwell. En las acciones de V se mira involucrada Evey, una muchacha cuyos padres fueron muertos por cuerpos de seguridad del gobierno. V es tratado por el régimen como "terrorista", debido a algunos asesinatos de gente clave del partido gobernante. Pero muy lejos de ser un terrorista, V es apenas un tipo obsesionado con una revancha personal a la que pretende darle un giro social. Y para mí es ahí donde comienza el problema argumental.

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Más bonita que ninguna

Nunca fui fan de Rocío Durcal, pero es innegable que forma parte de mi soundtrack personal y de mi imaginario infantil, junto a Mili y Pili, Joselito, Rafael, Palito Ortega, Sandro, José José, Leo Dan y otros.
Todos esos artistas llegaba a mi casa y mi infancia en las películas en blanco y negro que amenizaban mis tardes de sábado. Y luego, ellos mismos entraban por la radio a través de la YSR o la KL o Radio Cadena Central, las favoritas de las muchachas que trabajaban en casa. De tanto escucharlas, me fui aprendiendo varias canciones, entre ellas las de la Durcal. Lo divertido era que uno se aprendía las canciones y luego los miraba a los artistas cantándolas en alguna película y le daba a uno no sé qué de conocer por fin el rostro de la voz que se decía "más bonita que ninguna".
Aquellas películas eran en su mayoría comedias predecibles, mal actuadas, pero con un alto énfasis en lo musical y en los finales felices. Lo cual por supuesto le sembraba ilusiones a uno de que quizás, en la vida real, podrían resolverse así de fáciles las cosas.
El tiempo ha pasado, el mundo ha girado, uno ha caminado. El fin de semana murió uno de mis personajes de infancia y de la infancia de muchos que crecimos escuchando Amor en el aire, En un cartel de publicidad y luego, coqueta junto a Juan Gabriel cantando aquella de "para tí no tengo amor, no tengo amor ni tengo nada".
Somos de la muerte, no hay duda.

Elizabethtown

Cuando murió mi padre, pasaron muchas, pero muchas cosas simultáneamente. No tuve tiempo ni de reaccionar, ni de pensar, y mucho menos, de llorar. Tuve que prestar dinero para viajar a San Salvador desde Managua (y asumir de inmediato la angustia de pensar cómo carajos iba a pagar ese préstamo si estaba crónicamente desempleada), y reencontrarme con conocidos y extraños, y ver lo del entierro y otras cosas, todo eso en medio de las réplicas del terremoto de enero del 2001 y otra tragedia aún mayor que ocurriría días después pero que en ese momento ni intuía ni contaré acá.
Creo que algo así como 48 horas después, me quedé sola por fin en la casa familiar, y me quedaría allí creo que una semana más. Una noche me puse a ver fotos. Y entonces vi una foto de mi padre, muy joven, quizás de 35-40 años, riendo. Tenía la boca abierta, mostraba los dientes. La expresión me era desconocida, pues jamás lo vi reír así en la vida real. Estaba con gente que no conocía, en un lugar que no supe identificar. Y entonces me pregunté si conocí, si realmente alguna vez supe quién era mi padre. Y sentí que mi padre fue un hombre de muchos secretos que se fueron con él a la tumba. Que siempre había sido un extraño para mí. Y hasta entonces, ante la certeza de no haberlo conocido, de no saber quién era realmente, ante la foto de mi padre riendo a carcajadas, pude por fin llorarlo.

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Memoirs of a Geisha

Compré la novela Memoirs of a Geisha de Arthur Golden la noche del 4 de Febrero del año 2000 en el aeropuerto de Miami. Iba de camino a Alemania, aquel memorable año en que me la pasé en Europa gracias a dos becas como escritora. Compré la novela porque ya el año anterior la había visto en otro viaje a los USA y me llamaba la atención el tema.

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And the Oscar goes to...

Este domingo se celebrará la 78ava. entrega anual de los Oscar de la Academia. Considero que este año ha sido un muy buen año para el cine (y por ende, para los espectadores), en muchos sentidos. Hemos visto realmente muy buenas cosas y además, cine diferente, independiente, que toca temas sociales y políticos con gran calidad. Y lo asombroso ha sido que varias de dichas películas han sido nominadas.
¿Cualés son mis favoritas?

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