11. Black Swan (Darren Aronofsky (2011)

El Cisne Negro es una película que puede resultar incómoda al espectador cinéfago por el uso de ciertos referentes (Dario Argento o las pesadillas de Polansky) que se presentan quizás despotenciados para construir una película que busca obstinadamente ser “importante”.

Esto puede ser verdad, sin embargo, es necesario valorar también que no es nada habitual que una película tan moralmente ambigua, tan sádica y tan fiel en el retrato del dolor físico y psicológico tenga el éxito que está teniendo El Cisne Negro.

Quizás se deba a la espectacular interpretación de Natalie Portman, componiendo un personaje con muchos más matices que la mera “dupla” a la que parece llevarle el argumento. Quizás sea la pericia narrativa del propio Aronosky (que llega a superponer el trucaje a la interpretación en el momento más importante de la película) O quizás sea porque conecta con determinada forma de psique femenina actual, neurotizada por la exigencia constante de una perfección imposible.

10.- Valor de Ley. Joel y Ethan Coen (2011)

Los hermanos Coen, anteriormente maestros del cine posmoderno por la vía dela distancia irónica (que siguen transitando de tanto en tanto con historias tan maravillosas y esquivas "Quemar después de leer") han ido construyendo cierta forma de clasicismo a partir de películas con hilos comunes como “Muerte Entre Las Flores”, “No es País para Viejos” o éste western, adaptación de la novela de Charles Portis.

Valor de Ley tiene en la interpretación de Jeff Bridges y en la fotografía de Roger Deakins sus dos mejores bazas, pero está historia de amor entre un viejo y una niña, a veces paternofilial, a veces de un erotismo frío encuentra, tras un último acto quizás algo abrupto, un epílogo que alcanza una hondura imprevista y que convierte la película en una reivindicación del “salvaje oeste” como mito, más allá de la domesticación que produce, a veces, la distancia irónica. Una forma de contar que los mitos que no mueren terminan convertidos en caricaturas. Y que merecen un respeto.

"No Controles" Dónde la nostalgia se hace hielo

La segunda película del tandem "Cobeaga- San José" no es solo una de las comedias más descojonantes con las que servidor se ha topado en un buen tiempo (Y hablo de descojono del bueno, de lagrimones, de flato) sino también un relato con un fondo triste y bajonero. De esos dos ingredientes: la bajona y el descojono es de dónde sale la potencia de este comedia que roza la tragedia en varios y señalados momentos.

En una de las secuencias más emocionantes de la película, la espectacular Alexandra Jimenez interpreta al piano diversos temas clásicos de anuncios, sintonías de programas televisivos y canciones de los años ochenta. Sin embargo, a la canción principal, la que marca la relación que tienen los protagonistas, le falla una nota que ella no puede tocar bien. Ese error, esa disonancia, no define su historia de amor como problemática, sino al contrario, como auténtica.

La auténticidad a partir del error articula un discurso en torno a la nostalgia que apuntala toda la película y que se condensa en tres elementos fundamentales.

1.- El hielo: La película presenta un paraje desolado en el que los personajes viven un encierro temporal en el que solo tienen rituales sociales (que sistemáticamente salen mal) para sobrevivir. Es en torno al hielo como se construye una de las secuencias más divertidas y de mayor potencia simbólica de la película.

2.- El amor es el pasado: La pareja protagonista está enamorada de su pasado común. No hay forma de proyectar un futuro para ellos (lo cúal permite contar una relaciones románticas desde lo huidizo, lo no dicho, siempre fuera de campo y con los personajes separados) Que solo tienen algo real cuando se proyectan hacia atrás. A su memoria, que se condensa como memoria colectiva en esos fogonazos de cultura popular que salpican la película.

3.- Juancarlitros: No solo es el personaje más cómico (y quizás el mejor construído) de la película, sino que condensa y corporiza el discurso sobre la nostalgia con toda su violencia. Atrapado en un "buenos viejos tiempos" que se extiende hasta el presente, Juancarlitros es una anomalía en un paisaje de nostalgia para turistas. La violencia a través de la que se desata la carcajada se construye poniéndo cerca todo aquello que te hace cierta gracia de lejos: La caja de herramientas de la cultura popular. Un personaje interpretado por Julián López a la perfección.

Una película emocionante y divertidísima que, tiene en su final un doble salto mortal en materia emocional que, me temo, no está siendo suficientemente bien valorado. Algo que está en consonancia con uno de los panoramas críticos (tanto en la blogosfera como fuera de ella) más desoladores que recuerdo en bastante tiempo.

Para el crítico analógico, todas las señas de identidad de la película son problemáticos por ser coherentes con su discurso. Para el crítico digital una película que consigue hacer reír y emocionar al mismo tiempo es una película problemática, una película cuyas claves están en el subtexto es problemática. Una película que no se regodea en sus temas es un problema.

En este panorama yo os diría lo que DJ Desfas, AKA Juancarlitros: "La pelicula es una risión to guapa. Y que va a tope. El tipo de peli que nos gusta a nosotros"

Contra toda autoridad: Exit Trhough The Gift Shop

La primera película de Banksy, uno de los más representantes más importantes del llamado "Arte Urbano" es, además de un excelente documental, uno de los documentos más interesantes e iconoclastas para abrir el melón de la decada que se inicia.

A través de la experiencia del improbable protagonista Thierry Guetta (un americano de origen francés obsesionado con grabar todo lo que tiene a su alrededor) Banksy compone una pieza desmitificadora de prácticamente todo: Del arte, del arte urbano como marca, de la marca Banksy, de la capacidad crítica del público, de la especulación cultural y del relato fílmico mismo como verdad absoluta.

Lo que Banksy construye a través de Guetta y su identidad egomaniáca "Mr Brainwash" es un dispositivo para poner en duda la fiabilidad de cualquier relato, la opinión de cualquier experto y, en general, todos los mecanismos a partir de los cuales nos formamos una opinión. El documental no deja nada, literalmente, en pie (La imagen final dificilmente podría ser más directa)

Y debajo de ese material de derribo nos enfrentamos a la posibilidad (y a las responsabilidad) de construir un criterio propio como espectadores (de cine, de arte urbano... o de lo que sea) Y al placer de conseguirlo.

El relato termina por ser también una cierta reivindicación "gremial", no tanto de los profesionales del Street Art, como de la pasión y la expresión de la subjetividad como motores de la creatividad, la crítica y la belleza frente a los lugares comunes. Recordándonos que tener al alcance los medios para que cualquiera pueda decir cualquier cosa, no quiere decir que lo que vaya a decirse sea interesante y singular o una mera repetición de clichés sin interés alguno.

Todo ello servido con un sentido del humor a prueba de bombas y con la sensación constante de que podríamos estar ante la enésima broma, el enésimo tachón en el paisaje cultural (Ya no urbano) del consenso. E incluso ante un arrebato de sinceridad a bocajarro disfrazada de broma ficcionada.

O sea, una buena plantilla y un buen graffitti, pero está vez en la pantalla, en vez de en la calle.

O como dicen Faemino y Cansado: "La gente nos dice que esto que hacemos es muy fácil, ¡coño¡ ¡Ya sabemos que es fácil, pero es que se nos ocurrió a nosotros primero¡"

La Red Social: David Fincher (2010)

Me ha costado casi una semana ponerme a escribir este texto. Me temo que es porque tengo la sensación de que me voy a dejar cosas por el camino o peor, que voy a intentar meter demasiadas cosas en un espacio limitado y no se va a entender nada... O que me voy a extender sin remedio. El motivo es que el visionado de “La Red Social”, última película de David Fincher escrita por Aaron Sorkin, me ha impactado mucho en niveles muy diferentes.

Partiendo de las películas con las que “La Red Social” tiene un parentesco más claro, es decir, aquellas que hablan de las gestas empresariales de un hombre y como éstas modifican su alma hasta extirpársela por completo(Con Ciudadano Kane a la cabeza) la película realiza un exodo consciente a partir de una diferencia fundamental: El protagonista de la película es prácticamente el mismo tipo cuando comienza que cuando termina.

Lo que media entre el minuto uno y el minuto final es la creación de una de las empresas más importantes del planeta y, sin duda, el interfaz comunicativo más importante de la historia de la humanidad. Nunca más gente ha tenido la posibilidad de comunicarse con más gente, y lo hacen gracias al invento de este caballero. Pero él sigue siendo fundamentalmente el mismo.

A lo largo de la película, rodada magistralmente por Fincher y escrita con la habitual maestría del creador de “El Ala Oeste de la Casa Blanca”, asistimos a dos procesos jurídicos diferentes y determinantes en su singularidad.

El primero enfrenta el Zuckerberg con la élite empresarial de Harvard y pone sobre la mesa tres cuestiones fundamentales:

1.- ¿Quién es el dueño de una idea? Y ¿cómo se producen las ideas?
2.- El cambio de paradigma entre las formas de producción de conocimiento de las élites socio-económicas y los nuevos agentes de la economía cognitiva.
3.- Un proceso de conquista de un éxito social no por la vía de la conquista de su espacio (Zuckerberg ama y odia por igual la exclusividad que las élites de los Clubs de Harvard representan) Sino a través de una vaciado de ese espacio mediante la producción de un nuevo lugar del poder y la exclusividad.

El segundo enfrenta a Zuckerberg con su amigo Eduardo Saverin, único apoyo financiero de facebook en sus orígenes y, aparentemente, creador del algoritmo matemático a través del cual funciona la herramienta.

Este segundo juicio, mucho más amargo, mucho más humano y emocionalmente expuesto desde la perspectiva perdedora de Saverin, nos muestra a un Zuckerberg que, básicamente, tiene dos preocupaciones reales: llegar a conquistar una posición social de poder a través de su inteligencia (Esto es, “ser alguien”) y mantener en funcionamiento la herramienta que ha construido. Herramienta que es por quién demuestra los arrebatos de apasionamiento más fuertes de toda la película.

Y no es que Saverin no le importe. Le considera su amigo, pero los problemas relacionales de Zuckerberg y un esquema de prioridades particularmente autocentrado (y no quiero decir egocéntrico, es evidente que el personaje tiene un problema de ego, pero sobre todo, una incapaz enorme para relacionarse con el mundo) Hacen difícil una relación condicionada por una concepción de la empresa que han puesto en marcha que, en el caso de Saverin choca con el torrente empresarial de Sean Parker, creador de Napster y genio perverso de la película. La fascinación que Zuckerberg tiene por Parker (Espectacular trabajo interpretativo de Justin Timberlake) también está contada desde el punto de vista de Saverin. Y es una afinidad puramente intelectual: Admira su capacidad para poner en jaque una industria a través de su propia inteligencia, pero no aspira a ser un tipo cool, enrollado, etc. Simplemente, reconoce, como lo reconocería otra máquina, a alguien que habla un idioma similar.

El tercer elemento sobre el que se sostiene la película es una doble frustración del protagonista que se conjuga en un único problema: Una dificultad para relacionarse con el mundo en un plano comunicativo empático. Zuckerberg no tiene las habilidades sociales necesarias para tener una pareja o para caerle bien a los chicos listos de los clubs y Facebook es su respuesta a esa carencia.

Un sistema comunicativo que genera una interfaz con la realidad que nos permite jerarquizar la información y tener un mapa de orientación sencillo en un mundo saturado de estímulos y dónde nos encontramos incapaces de comprender la complejidad de lo real. Una interfaz que nos permite, además, relacionarnos en planos empáticos pre-fefinidos (Número de amigos. Gusta o no Gusta) Y que además es exclusivo.

Lo que Zuckerberg crea es una nueva forma de exclusividad que reproduce la vida social de manera a-histórica (No hay diferencia entre amigos de hace diez años y amigos nuevos) y con nuevos valores de jerarquías emocionales basados, principalmente, en lo cuantitativo.

Un club democratizado en su acceso y desapasionado. Un lenguaje para la psique de principios del siglo XXI. Un lugar sin memoria, atravesado por las pasiones de una adolescencia nunca abandonada, un lugar dónde lo real está siempre por actualizarse. Un lugar en el que esperamos dando al F5, a “recargar la página” para saber si nuestra vida habrá cambiando para siempre.

La red social es, entre otras muchas cosas, una disección directa a la vida emocional del Siglo XXI. El alma que desaparece, se cuantifica, se vuelve incapaz de empatizar, no es la Zuckerberg... Es la nuestra.

09.- Avatar. The Last Airbender. M. Night. Shyamalan. (2010)

The Last Airbender es una película lastrada por graves problemas, empezando por un guión empeñado en que todos los elementos importantes de la primera temporada de la serie de animación en la que se basa aparezcan en la película. Así, se da la paradoja de que el fan más ortodoxo (ese que se rasga las vestiduras ante cualquier cambio o mutilación sobre el material de partida) crítica la película por intentar por todos los medios ser fiel al original.

Si a eso le unimos la sensación de ver una película eternamente remontada, podemos entender parte de las nefastas críticas recibidas por Shyamalan.

Pero esas críticas olvidan (a veces conscientemente) que la película cuenta también con numerosas secuencias de un lirismo y una belleza que lanzan la película a un terreno incierto y difícilmente clasificable y que la apabullante capacidad narrativa de su director se muestra de lo más fértil.

Shyamalan demuestra que se pueden rodar secuencias épicas de batalla sin recurrir a la constante dialéctica entre grandes planos generales de situación y planos detalle más o menos expositivos, rodando majestuosas peleas que se sostienen sobre un único personaje, en planos-secuencia llenos de intensidad.

ORIGEN- Christopher Nolan (2010)

Ojo, Spoilers.

No deja de sorprenderme que haya quién hable de Matrix cuando se refiere a “Origén”. Parece que las referencias Matrixianas se darán en cualquier película en la que unos señores se tumben, se agujereen una parte del cuerpo y entren en un estado de conciencia diferente. Sin embargo hecho de menos en las críticas que he leído a Hitchcock (A “Recuerda”, por ejemplo) a Tarkovsky, a la fundamental (FUN-DA-MEN-TAL) “Dark City” de Alex Proyas, A James Bond, a “Oceans Eleven” (Origen podría ser un Oceans Eleven romántico, cerebral y sin sentido del humor) o a la también evidente “Olvídate de mi” como una versión Low-Fi de ésta (o mejor dicho, siendo ésta una versión blockuster veraniego de aquella)

En realidad, Origen no podría parecerse menos a Matrix. Dónde aquella planteaba una distopia rebelde y hablaba directamente al cortex psico-tecnológico de los primeros años del siglo XXI, esta le habla del espectador de diez años después. Allí la virtualidad y el simulacro eran complejas trampas de la sociedad de control. Aquí hablamos de la subjetividad individual y sus proyecciones. La ilusión en Matrix iba de la cabeza hacia afuera, aquí todo sucede de la mente hacia adentro.

No hay en Origen un solo momento en el que se nos esté planteando la disyuntiva de “lo real” más allá de puntuales momentos construidos como pequeñas sorpresas de la trama. La colección de teorías sobre qué es sueño y qué no en la película creo que se puede atribuir no tanto trabajo de Nolan siempre empeñado en ser “autor” único de sus películas, sino a un público ávido de confusión y teorías locas que está configurando un panorama mainstream de lo más interesante.

Origen se entiende bastante bien (aunque solo sea porque cada vez que se llega a un punto posiblemente confuso alguien lo explica con palabras muy claras para poder seguir adelante)

Concebida como un “más difícil todavía” de la estructura (Con una segunda mitad con cuatro tramas en paralelo, cada una con su propio código narrativo) La película consigue una paradoja curiosa, que es tener sus puntos más poéticos y sugerentes en los diálogos y los más explícitos, en la imagen. Origen utiliza la tramoya del cine espectáculo y del thriller de acción para esconder una historia sobre el amor, la perdida y la memoria que se hace explícita por la boca de los personajes.

El mejor ejemplo de esa paradoja es el mundo que Cobb y su mujer construyen para vivir su amor. Nada menos que una ciudad llena de rascacielos tan mimética con cualquier metrópolis de aluminio y cristal de nuestro mundo, tan desprovista de vida, que parece diseñado por la mente de un arquitecto desapasionado.

Es una pena no haberle dado algo más de concreción a las motivaciones del personaje de Aryadne, motor de la mayor parte de las teorías locas de la red y, quizás, único fleco sin cubrir de la película.

Origen, sin embargo, funciona a las mil maravillas como “película-comercial-y-algo-más”. Transmite ritmo, emoción, imágenes poderosas (Como el tren que irrumpe en la ciudad), resulta conmovedora en algunos de sus pasajes y, sobre todo, consigue doblar, extender y jugar con el tiempo y expresar la naturaleza subjetiva de la percepción sin dejar por ello de ser un relato para todos los público.

Quizás su importancia no sea, como señalan algunos críticos, la de la película en sí misma, sino la del camino que abre al cine espectáculo como vehículo para el intimismo épico.

08. Up In The Air (Jason Reitman. 2010)

Jason Reitman dirige películas de amor disfrazadas de otra cosa. El problema para mi es que si bien fumar o no, quedarse embarazada o no tiene un porcentaje de decisión individual y el debate en torno a esas opciones tiene que ver con los valores de cada cual, el despido no es un problema cultural. Los despedidos no eligen.

En ese sentido, la historia de amor de Up In The Air se acompaña de un relato en el que el mundo de las relaciones laborales aparece como un medio muy poco conflictivo, casi individual, terapéutico. Así, los pasajes de la película que tienen que ver con “lo laboral” resultan prácticamente increíbles: Parados que reconocen que el sueño de su vida es no tener dinero, que lo importante es la familia y no estar solo y empresas que desprecian avances tecnológicos que les permitirían optimizar los beneficios y reducir su propio personal a costa de dar un “trato humano”.

Reitman filma la película con una precisión apabullante, crea imágenes bellísimas y desoladoras acompañado de un reparto magnífico, componiendo una comedia triste que tiene en su intento por dibujar una cierta crítica al modelo económico y social en el que vivimos su mayor defecto y que rebela el éxito de ese sistema al desactivar la potencia de la cultura como un factor de cambio y convertirla en un dispositivo de “cuidado” de la sociedad. Es decir, de perpetuación de lo existente.

07. Asalto al tren de Pelham 123. Tony Scott (2009)

No he visto la película original ni he leído el libro en el que se basa esta adaptación de Tony Scott, pero una película de robos y/o secuestros siempre merece la pena. Lamentablemente, ésta se pierde en lo esencial de las películas de este tipo (medir inteligencias y deslumbrar con planes y contra-planes) y se centra en lo accesorio (metáforas morales sobre vivir, morir y ser un héroe)

Se supone que la película debería ser una aproximación al Nueva York post- 11S y la sociedad videovigilada y híperconectada., pero nada más lejos de la realidad. Los recursos narrativos al respecto se reducen a un ordenador con conexión wireless para que conversen dos adolescentes idiotas. Un recurso muy parecido al utilizado en la magnífica Speed (que tiene ya sus años) y que allí estaba jugado con inteligencia, mientras que aquí es totalmente desaprovechado.

La dirección de Scott es, sin embargo, de lo más eficaz para mantener una tensión que el guión desarrolla poco y le interpretación de Denzel Washington es, como casi siempre, de lo mejorcito de una película que podría haber dado mucho más de sí, pero que termina siendo un entretenimiento agradable.

04. Celda 211. Daniel Monzón (2009)

La cuarta película de Daniel Monzón es casi un capítulo de The Shield ampliado. Tiene todo lo bueno de la serie de Shawn Ryan, pero además convenientemente traducido a nuestro territorio socio-cultural. Tiene la complejidad, tiene los diálogos, tiene el fascinante retrato de las relaciones de poder (Maravilloso el “Utrilla” que compone Antonio Resines) tiene la defensa de una ética de la palabra y de la fidelidad a, al menos, el nombre propio, en un mundo dónde impera el cinismo, el oportunismo y el miedo. Y tiene, claro, la violencia.

Las interpretaciones de todos los personajes (Con Tosar a la cabeza con un personaje magistral) son impecables, así como el guión de Jorge Gerricaechevarria (Habitual de Alex de la Iglesia) Pero lo más importante de todo es que ninguna de las cuestiones planteadas en la película, ninguno de sus temas, aparece subrayado como discurso, sino que está perfectamente acoplado a una trama cuyo ritmo es absolutamente imparable.

Y sí, hay algunas casualidades en el guión, pero exactamente igual que sucede con los buenos capítulos de The Shield, general situaciones tan interesantes que casi se perdona.

Con Pagafantas, le mejor película española del año.

02. Inglorious Basterds Quentin Tarantino (2009)

Como alguna película tiene que ser la mejor de cuantas uno ve en el año, yo creo que la séptima película de Tarantino va a ser la mía. Digamos que todo lo que otros han señalado a mi me ha convencido también: La absoluta falta de respeto por la Historia, la forma de encubrir una historia de mujeres (y que mujeres) dentro de una historia de hombres, la reivindicación del cine como mecanismo para transformar la realidad, lo divertidísima que es, la tensión, los personajes, la falta de respeto por la estructura tradicional de organización de la información, la calidad literaria de los textos, la música, etc, etc, etc.

Pero no es por eso por lo que Tarantino me ha llegado al alma, sino por otros dos motivos. El primero es que vi la película acompañado por dos personas que no sabían lo que iban a ver y pude asistir en directo a la experiencia de un espectador que entra el cine sin sobredosis de información, sin “a prioris”

La segunda es que es una película que juega con los mitos y las representaciones (La importancia del idioma y las diferentes formas de hablar de la gente, por ejemplo) Le da la vuelta al mito del judío como víctima. Conecta el Nazismo de los años cuarenta con la segregación de los negros en Estados Unidos en esa misma época (y en adelante) Y finalmente hace una crítica al oportunismo, a la falta de palabra, a esos hombres que pueden hablar muchas lenguas para salirse con la suya porque el fin y al cabo no tienen palabra y lo deja claro: Hay cosas que no cambian por quitarse el uniforme. Pura dialéctica. Hitler dice “No, no, no”, El teniente Aldo Reine, el último antifascista dice “Sí, sí, sí”.

100x1000 1. Dónde viven los monstruos. Spike Jonze (2009)

Una de las cosas que he aprendido escribiendo la columna mensual para Libro de Notas es que tener límites precisos estimula la imaginación y la disciplina (No es que antes no lo supiera, pero ponerlo en práctica es otra cosa) Por ese motivo he decidido lanzar una mini-maxi iniciativa en el blog viendo que veo muchas películas, dvds, etc. Y luego no me da tiempo a comentarlos aquí como me gustaría.

La cosa es sencilla: 100 post de 1000 carácteres (aproximadamente) 100x1000. El ritmo de publicación será aleatorio, me he hecho un pequeño repositorio de post para ir con cierta ventaja y que no me pille el toro, así que probablemente esto saldrá los días que tenga poco o nada que contar de otros asuntos. Otras de las fuentes de inspiración del asunto son, sin duda, Microcritic y Dosis mínima

Y sin más parrafadas, vayamos al asunto.

01. Dónde Viven los Monstruos. Spike Jonze (2009)

Spike Jonze realiza con su tercer largo un ejercicio quizás algo cerebral, pero que expresa a las mil maravillas la psique infantil y el complejo proceso de madurez que cualquier ser humano tiene que atravesar.

Alejada por completo de moralejas o lecturas tranquilizantes, Jonze nos cuenta como crecer no es una decisión, sino algo inevitable. Un proceso de perdidas y pactos con uno mismo. Pero ojo, sin nostalgia de ningún tipo.

La estética de la película, de un aire casi naive, está plagada de momentos de auténtica sensación de fragilidad, momentos previos a grandes tormentas de violencia y sacudidas inesperadas. Es imposible no pensar que toda paz no es más que el interludio de una nueva guerra.

En medio de eso solo quedan los momentos de total y absoluta libertad. Momentos compartidos entre Max y los Monstruos en los que el niño ve en los otros retazos de sí mismo y su mundo. Casi un relato fantástico de un proceso mental.

Jonze logra el retrato perfecto, pero en el camino no consigue (probablemente no lo pretenda) que empaticemos con ese niño, que nos emocionemos con él. Tan solo que lo entendamos.

Los Cronocrímenes: El duro camino de la madurez.

Spoilers a go-go a partir de aquí. OJITO

Lo que me resultó fascinante de Los Cronocrímenes la primera vez que la vi era la intuición de que más allá de un juego narrativo, la película estaba hablando de otra cosa.

La mecánica narrativa de Los Cronocrimenes se sostiene sobre la resolución de las paradojas que todo viaje en el tiempo provoca. Las paradojas, por tanto, son resolubles (Héctor uno se convierte en Héctor dos y consigue que la paradoja Héctor uno haga lo que tiene que hacer para convertirse en Héctor dos y así sucesivamente) La película explica esto con una sencillez tan apabullante que a nada que uno tenga la mente un poco retorcida en seguida empieza a creer que hay algo más. Lo cierto es que sí hay algo más, pero no está ahí. Todas las críticas que han dicho que Los Cronocrímenes no se entiende mienten. Los Cronocrimenes se entiende tan bien que no nos lo creemos.

Lo que hace a Los Cronocrímenes una película diferente no es su mecanismo narrativo, sino el motor del mismo: El punto de Partida.

El hombre con los prismáticos.

Los Cronocrímenes trata de un hombre que va en su coche desde un supermercado hasta su casa y, por el camino, ve a una chica en bicicleta, una chica guapa, una chica que le gusta. El personaje de Barbara Goenaga va por la misma carretera por la que sube Héctor al principio de la película.

Héctor llega a su casa y coge sus prismáticos para ver si puede observar un rato a esa chica. Le gustaría ver a esa chica desnuda. Le gustaría imaginarse con esa chica. Su mujer está bien, pero es el día a día, es la cotidianidad. No es el deseo. Esa chica sí. Y de pronto, mirando por los prismáticos ve como sus deseos se hacen realidad y la chica se desnuda para él.

Y en el momento en que la chica se desnuda y él sale en su busca empieza un viaje contra si mismo.

Hector va a buscar a la chica y eso le lleva al primer salto temporal. En ese primer salto, el motor de la obsesión es sencillo: Otro, que no soy yo, está en mi casa con mi mujer. Héctor tiene celos de si mismo. En el momento en que el deseo toma el poder y Héctor se imagina con esa bella chica en bicicleta, también se construye una alteridad. El otro no me gusta. El otro piensa cosas sucias sobre chicas en la carretera, el otro soy yo. Y me conozco. Y solo yo sé lo asqueroso que puedo llegar a ser. Ese íntimo conocimiento lleva a la paradoja de pensar que yo mismo no sería bueno para mi mujer y que si pudiera me impediría estar con ella.

Héctor dos cumple los pasos proféticos, ayuda a desencadenar la obsesión, clava la tijeras y, de pronto, pierde el control de la situación cuando la chica va hasta su casa y cree ver a su mujer muerta. “Dios mío, mi obsesión ha matado lo único concreto- y real- que tengo, no puedo permitirlo”. “Tengo que evitarlo”

Héctor tres es el encargado de volver a ponerlo todo en su sitio. Pero, ¿qué es Héctor tres más que la suma de los anteriores? ¿Más que la suma de las violencias que purgan sus propias obsesiones? Cada Héctor peor que el anterior, más golpeado, más humillado, más sucio. Pero más determinado, más decidido, más en el mundo. Más maduro.

Héctor tres se da cuenta de que la única forma de salvar a su mujer es matar su obsesión. Matar a la chica guapa de la bici.

No hay moralidad en el asesinato del personaje de Barbara Goenaga, porque no se está matando a una persona, sino a una idea. A un objeto de obsesión. La mujer de Héctor es real, el personaje de Barbara Goenaga, no. Lo único determinante que sabemos de ella es que “Es preciosa” (Y es una definición a partir de los ojos de Héctor)

Cuando Héctor tres fuerza el accidente de coche de Héctor dos, él tiene su propio accidente. Se despierta completamente ido y llama por el Walkie Talkie al científico. La música de la película cambia y nos centramos en un plano contraplano. El plano es el del propio Héctor tres hablando, acompañado de una música romántica, inédita en toda la película. El contraplano es un zoom lento que intenta seguir (casi como unos prismáticos) los movimientos de Barbara Goenaga intentando escapar de su presa, Héctor 2. En ese momento Héctor 3 les pregunta al científico: ¿Por qué tuviste que poner en marcha la máquina? El científico responde que se iba a inaugurar en seis meses pero que el tenía curiosidad.

Héctor tres dice “Querías mirar antes y querías mirar de cerca, ¿no?” Pues eso.

Este artículo no existiría sin la importante colaboración de Alberto Aj-Saleh y sus imprescindibles conversaciones vía chat

GORDOS- Coralidad perversa.

En el contexto de la red y más de la red 2.0, de los facebooks, los tuentis, etc. La escritura es toma de posición. La crítica es delimitar bandos. O sea, la “famosa conversación” que auguraban los primeros defensores de la red, se está convirtiendo en una absurda pelea de colegio tipo “¿Y tú con quien vas?”. El fenómeno español por antonomasia es el “perodóndevas” que se resume en eso que comentaba Alex de la Iglesia en “La Bestia Anda Suelta”. Pasar de “Que majo es éste chico, que bien se lo ha montado” a “Pero este hijoputa de qué va”.

La forma en la que la red y especialmente las webs dedicadas al cine está ignorando ampliamente la segunda película de Dani Sánchez Arévalo tiene un tufillo a condescendencia de esa de la de los críticos de toda la vida más que sospechosa, solo comparable (y quizás a causa de) la presencia mediática que el estreno de la película ha suscitado. De nuevo, parece que podemos pasarnos media vida pidiendo al cine español más y mejor promoción y cuando ésto sucede ya “no mola”.

Y lo peor es que, de por medio, el personal se está perdiendo una película que está bastante bien. Así que hablemos de Gordos y dejémonos de historias. Porque el mayor problema de todo este fenómeno es que dejamos de hablar de cine, de libros, de discos, de política y ya solo hablamos de personas que hemos convertido en cosas. Fatal.

Gordos es una película rara y de difícil clasificación. Eso, en mi esquema de las cosas es un SI rotundo y un acto de valentía. Es una película compleja de estructura por su coralidad y por su diversidad de tonos que está resuelta con un equilibrio notable, probablemente más conseguido que en Azul Oscuro Casi Negro.

La película está llena de ideas perversas y ambivalentes. Por ejemplo, ¿quién hace la terapia? ¿Un terapeuta o un anuncio de televisión? Cuando la tele nos dice que seamos nosotros mismos... ¿quiere realmente que seamos nosotros mismos? (Probablemente sí, siempre y cuando sigamos mirando la tele y comprando lo que la tele nos dice) Esas ideas perversas se mezclan con momentos de ternura deliciosos y con momentos de amargura que llegan a violentar al espectador por lo descarnado (Casi como la risa involuntaria que generan algunos episodios de The Office)

Asímismo, la película explora (a veces con mayor acierto y veces con menos) las historias hasta dejarlas secas. Encontrando giros, ideas nuevas, progresiones dramáticas inesperadas a fuerza de puro guión y pura estructura. Debo reconocer que algunas de esas ideas me han convencido algo menos, pero me parece algo totalmente normal en una película cuya vocación por entretener al espectador hace que la pelota esté constantemente en movimiento.

Mi mayor pega (quizás la única) es que- como pasa a veces con las películas corales- sea difícil extraer una síntesis colectiva de la historia. Una lectura global que una de alguna manera todas las historias más allá del “todos somos distintos” y “todos nos contamos mentiras”.

Ah, sí, también están los que critican la actuación que Antonio de la Torre. Son los mismos que en su día criticarían a Peter Sellers o Jim Carrey. Son los que creen que la única forma de llegar a una buena interpretación es a través de la contención. Queridos pesaos, hay todo un mundo ahí fuera por explorar.

Contar la realidad con hipérboles realistas o con realismo mentiroso

Se han estrenado en las últimas semanas dos películas que, contando dos historias que nada tienen que ver y habitando universos aparentemente distintos, guardan un punto en común (Bueno, dos. Las dos son grandes películas) las dos nos hablan del problema de lo real, desde dos enfoques distintos que llegan a lugares comunes. Se trata de Gamer y de District 9

Gamer utiliza el hipérbole para contarnos la vida como si fuera un videojuego sublimando de paso los dos tabúes motores de nuestra sociedad: El Sexo y la violencia. Si durante la primera parte de la película nos encontramos en el interior de uno de tantos “shooters”, la segunda reproduce un alucinado y lisérgico “Second Life” que se parece demasiado en su estética a la realidad hiperbolizada de gimnasios, modernitos y identidad gay pauperizada por el mercado, etc. Su exageración alocada y salvaje acaba por hablarnos de la realidad. Exactamente igual que ese gordo que pone un espejo deforme en el propio espectador y le incomoda porque detrás de la virtualidad y la imagen hay carne, deseo. La explotación de los móviles por parte de los inmóviles… O como dicen en la película: “Pagas por controlar, te pagan por ser controlado”

District 9 se nos presenta como un falso documental y, como sabemos, en los últimos años hay diferentes ejemplos que nos hablan de la realidad a partir de una ficción narrada como realidad. District 9 va un paso más allá y nos muestra dos realidades con la cámara. Una realidad que reproduce la forma que tenemos nosotros de relacionarnos con “lo real” O sea, un falso documental. Y posteriormente nos cuenta la realidad- real (O la verdad) que enmcascara ese documental. Es decir. Llega a hablarnos de la construcción de la realidad por el método contrario al de Gamer, a través de la deconstrucción de los dispositivos narrativos que median entre la realidad y los espectadores. Es decir, los que escriben que es lo real.

Solo por ese motivo merece la pena correr al cine a ver cualquiera de las dos.

A eso podemos sumarle mamporros, acción trepidante, planificación espectacular, mujeres despampanantes, carreras y el elemento que hace que cualquier película gane muchos puntos. No, no son los zombies (que también) Sino LOS MECHAS: Armazones robóticos creados para repartir amor.

Up- La aventura de vivir

[SPOILERS WARNING]
Pixar lo ha vuelto a hacer. Quizás lo ha hecho hasta mejor que otras veces (aunque a mi me haya gustado algo menos)

Ha hecho una película para niños que se adentra poderosamente en los lugares que se supone vedados a los niños. Una película que habla de la perdida, la memoria y la aventura y sus reversos tenebrosos y patológicos. Ya lo ha dicho todo el mundo, pero no está de más decirlo de nuevo. Los primeros quince minutos de UP son un prodigio de contención y sintésis narrativa. Un claro "menos es más" que además deja al noventa por ciento de los críos de la sala plantéandole incómodas preguntas a sus padres.

Una canción del grupo italiano Assalti Frontalli dice "tenemos que tener una casa para dar la vuelta por el mundo". UP no solo cuenta que la aventura no está (o no exclusivamente) en lo lejano, sino principalmente cerca. Que es, por tanto, una cuestión de mirada. Como decía Chesterton es "un inconveniente planteado como es debido". La casa, metáfora para la memoria y la propia vida, solo puede elevarse cuando, en la secuencia mas emocionante de toda la película, el protagonista (Un viejo gruñon que cree haber visto su vida pasar en apenas unos minutos sin poder cumplir el supuesto sueño de su esposa) descubre que todo lo que contiene su casa, no son recuerdos, sino lastres. Que sin cambio no hay movimiento. Más aún, que es necesario perderse (El chiste del GPS del muchacho) abandonarse, dejarse ir, para encontrar la auténtica aventura.

UP es, además, tierna, alegre y, sí, un tanto alocada. (Perros parlantes pilotan aviones mientras persiguen una casa voladora, un anciano en plena forma y un Dodo gigante. La prueba viviente de que emoción y credibilidad son, a veces, palabras opuestas. Si eres de esos seres que opinan que un anciano NO PUEDE transportar una casa voladora... Digamos que es que entonces no has entendido NADA.

Mis dos únicas pegas son que se me hizo un pelín aburrida desde que la casa aterriza hasta que encuentran al villano (perfecto reverso del personaje del protagonista, neurótico buscador de aventuras viviendo en un museo de lo muerto) y que la idea de los perros parlanchines me parece una gran idea, pero no me acabo de gustar en vivo y en directo.

Pagafantas: La Comedia es el lenguaje de los Dioses.

Dos maestros de la comedia en posición de combate

Hacer cine es fácil, lo sé porque yo he hecho mi diminuto porcentaje. Y si yo puedo, puede cualquiera.

Hacer cine bien es dificilísimo. Lo sé por lo mismo de antes y por la cantidad de películas no demasiado buenas que he visto a lo largo de mi vida (Creedme, son miles).

Hacer comedia es muy, muy difícil. Tengo la sensación de que es lo más difícil del mundo. La comedia tiene muchos problemas. Por ejemplo, en un thriller, cuando está bien hecho, se nota. Notas la tensión. Notas el mecanismo y gozas con el mecanismo. Pero en la comedia, cuando funciona, no lo notas. No ves el mecanismo, porque te estás descojonando. Por tanto parece fácil, natural.

La risa, además, tiene el problema de que es un sentimiento agradable. Si partimos de que la mayor parte de la gente piensa que estamos en este mundo para sufrir, quizás empecemos a entender porque la comedia está tan poco y tan mal valorada. Afortunadamente, creo que aquellos que se dedican al oficio de la comedia, les da más o menos igual su valoración y se conforman con las carcajadas.

El viernes fui a ver Pagafantas. Tiendo a exagerar cuando escribo. Pongo rápidamente adverbios terminados en mente y expresiones como “Fantástica” o “Momento mítico”, etc. No quiero hacer eso con “Pagafantas” porque no quiero que la vayáis a ver con el tic-tac de “Obra Maestra”. Id a verla como lo que es. Una comedia en la que te descojonas. En la que te lo pasas de Maravilla. O sea, que consigue hacer algo muy difícil. Lo más difícil del mundo.

Pagafantas cumple una de las máximas del humor. Una ecuación que es fundamental para armar una buena historia cómica: DOLOR+ VERDAD. Todo el metraje de Pagafantas es una sucesión de este mecanismo.

Además, cuenta una historia dónde el equilibrio entre crueldad y ternura es finísimo. Dónde la identificación con el personaje protagonista es total. Dónde los secundarios aparecen y, como en las grandes comedias del cine español, sientes que tienen una película dentro. Una cada uno.

En cuanto a la chica. ¿Quién no ha conocido brevemente a alguien así? Para mi la perfección de la película no es solo él. Es ella. Porque consigue la doble relación entre “Esta tía es fascinante” (Unido a “Que buena está) con “Esta tía es imbécil”. Que suele acompañar a éste tipo de historias en las que todo el mundo es consciente de lo que pasa menos tú.

He leído por ahí que Pagafantas está “mal realizada”. Esto… ¡JA!. Cuando uno hace una comedia la realización está al servicio del humor. Es limpia, directa, deja que los personajes lleven la carga emocional. De nuevo, el truco no se nota. No puede ni debe notarse. Y en ese sentido Pagafantes es soberbia, porque no sólo cumple a la perfección con esta premisa (Salvo en un momento concreto) sino que además hace un uso de la elipsis narrativa de lo más elegante (De nuevo para potenciar el humor) La fotografía de ese Bilbao tan lejano de nuestro estereotipos de “lo vasco”.

Y encima es triste. Porque las comedias, que son el lenguaje de los Dioses, están para decirnos la verdad y hacernos mejores. ¿Os parece poco?

Pd.- Yo, por supuesto soy un Pagafantas de cuidado. Quizás el momento más aterrador al respecto fue en una reunión de padres en mi instituto a la que asistí como delegado de clase y la madre de la chica que me gustaba me dijo “Tú es que eres muy responsable, que lo dice mi hija. Eres el mejor delegado”. En ese momento supe que todo estaba perdido.

Algunas reflexiones en torno a Gran Torino

Ojo. Spoilers

1.- No es el único, pero sí uno de los más relevantes. Podemos decir que desde una cantidad importante de años, los personajes de Clint Eastwood representan algo. Quizás una determinada concepción de los Estados Unidos. Voy a simplificar: Para el caso que nos ocupa los personajes de Eastwood hablan de "America".

2.- Durante el final de los años setenta y parte de los ochenta, Eastwood formalizó ese heróe americano que utiliza la violencia para llegar allí dónde el estado no llega con Harry el sucio.

3.- Las películas drigidas por Eastwood en los noventa son, en su inmensa mayoría, reflexiones sobre la violencia: Complejizándola, criticándola, cuestionándola, etc. Así son Sin Perdón, Un Mundo Perfecto o más recientemente Mystic River. No es exagerado pensar que Eastwood está desconstruyendo el vector principal de su héroe y por tanto, uno de los vectores principales de los Estados Unidos.

4.- En su última película como actor Eastwood vuelve a encarnar a un Harry el Sucio viejo y no sólo lo deconstruye del todo, esta vez directamente lo líquida incluso físicamente.

5.- Gran Torino es, por tanto, una película sobre los Estados Unidos. Una reflexión sobre los Estados Unidos que se acaban (representada por Eastwood) y una reflexión sobre como deben ser los estados unidos que empiezan que no está representada por sus vecinos vietnamitas, sino más bien por el mecanismo de integración que Eastwood propone para ellos. En ese sentido. quién ha creído ver en Gran Torino una fábula sobre la tolerancia, se ha equivocado. Se trata más bien de una fábula sobre la integración. Lo cierto es que son los muchachos de la etnia hmong los que se integran en el personaje de Eastwood y no tanto al revés. Él se abre, claro, pero en su papel de tutor, no aprende casi nada (Es un casi muy importante) y lo enseña todo.

6.- ¿Que enseña Eastwood? Es decir, que propone.

Propone que los Estados Unidos son y han sido siempre un país de emigrantes. Todos los amigos de Eastwood en la película aparecen connotados como emigrantes italianos, irlandeses o polacos.

Propone por tanto que serán los inmigrantes los que retomen el "sueño americano" aceptando las bases de su cultura y así pudiendo integrarse por completo (Sueño representado por el viejo coche de Eastwood).

Un mecanismo de integración es un sistema de normas. Las normas de Eastwood son claras.

1.- Ten un trabajo productivo
2.- Casate (o al menos ten una pareja y se fiel, etc) Probablemente entre los tuyos.
3.- Cumple la ley

Es importante remarcar la idea del tipo de trabajo que Eastwood propone como realmente integrados y realmente constructor de un país. Su hijo aparece en la película como un rol americano criticado sin piedad. Se dedica a un trabajo inmaterial, que Eastwood no comprende. No es hacer casas, ni coches. Es el credo reaccionario (no lo digo peyorativamente) que dice que la actual crisis económica se resuelve con trabajo "real" (No esa mierda volatil de Wall Street)

En el punto tres del esquema ("Cumple la ley") es dónde Eastwood deconstruye por completo a su antiheroe, aunque de una manera paradógica. Ese vector "Hacer justicia y defender mi modo de vida dónde el estado no llega" queda vedado para los migrantes. Y no solo eso. En la magnífica secuencia final, Eastwood se autodestruye. Se deja morir. Se derrota para evitar un mal mayor. ¿No es una interesante reflexión sobre la política bélica de los Estados Unidos?

Tampoco es casual (creo yo) el uso de la etnia hmong cuando podría haber contado la misma historia con casi cualquier otra etnia de las que constituyen hoy los barrios de los Estados Unidos. Los hmong al fin y al cabo, estuvieron con los norteamericanos en vietnam. Y no deja de ser paradójico que Eastwood decide defender a unos vietnamitas de otros vietnamitas y luego haga una relfexión crítica sobre ello. Casi parece decir "teníamos que ir allí a luchar por nuestro sistema de vida, pero ojalá no hubiéramos ido pues ahora debemos ser consecuentes con lo que hicimos allí" (Lo cúal tampoco es raro teniendo en cuenta la situación actual de posible retirada en Iraq)

7.- Para que todo cuadre en el relato, hay que reconocer que el guión fuerza un poco las situaciones con las bandas (Como representates del migrante no integrado) ya que actúan de manera completamente arbitraria y sin ningún sentido. Lo cúal, por cierto, es una representación bastante común de los migrantes que se encuentran a un lado de la ley y de las propias bandas en casi todo el cine de Hollywood. Quizás hubiera sido preferible un acercamiento igual de complejo a la realidad de las bandas que a todo lo demás, pero entonces el relato de integración bajo normas que Eastwood propone para fundar su "America" cuando Harry el sucio ya no esté, habría quedado incompleto.

8.-La interpretación de Eastwood es antológica y resulta especialmente gratificante escuchar a alguien decir por su boca cosas que no son exclusivamente mierda políticamente correcta para no "marcar negativamente al personaje"

Una obra maestra llena de ritmo, sencillez y trasparencia

Revolutiony Road: Literatura en imágenes

Sam Mendes es uno de mis directores favoritos. American Beauty me parece una obra maestra. Quizás la película que más ha sabido mezclar el "cinismo/ románticismo" de Billy Wilder en el Hollywood actual. Camino a la Perdición me parece, igualmente, una de las mejores películas de Gangsters que he visto y una de las películas que mejor narra en imágenes la relación entre violencia y mirada cinematográfica. De Jarhead ya hablé por aquí. Revolutinary Road es su cuarta película y. aunque me ha parecido ligeramente peor que sus anteriores títulos, creo que es una de las películas más interesantes del año.

No he leído la novela de Richard Yates en la que se basa la novela, así que poco puedo decir de la adaptación, aunque las palabras que escribió sobre la misma El Emperador de los Helados me parecieron tan interesante que fueron uno de los motivos para ir a ver la película. Lo que sí es cierto es que sólo en el tramo final de la película, la literatura o al menos la literalidad, deja paso a una narrativa basada en imágenes. Revolutionary Road es quizás una película demasiado escrita. Dónde la palabra y "lo explicito" se come un poco a las imágenes. Lo que pasa es que son palabras muy interesantes.

Los Wheeler, compendio del fracaso social de una clase media atrapada en sus propias contradiciones no ya incapaz de identificar un mecanismo para la felicidad, sino un camino para conseguirla, son un matrimonio maravillosamente bien construído en sus miserias.

La historia de Revolutionary Road, es verdad, es la historia de una pareja, pero es una relación atravesada por los deseos de Amy Wheeler (Kate Winslet) de romper con todo y la zozobra absoluta que su ausencia provoca en su marido. Hacía mucho tiempo que yo no veía una película que describiera tan bien como cualquier dinámica de poder (En éste caso el de los hombres sobre las mujeres) Es tambien una relación de dependencia. Y como cuando una de las dos parte se libera y construye su propio poder la otra pierde el sentido por completo y responde o con la violencia o con la desesperación.

El crescendo dramático de la película es cada vez mayor y, lo único que se le puede achacar es cierta sensación de impasse hacia la mitad, pero claro, ¿cómo narrar el tedio sin que resulte un tanto aburrido?.

Quizás una adaptación algo menos fiel a la letra de la novela hubiera teatralizado más la producción (quizás circunscribiendo toda la historia a esa casa fruto de deseo y trampa mortal para las emociones) para que esos dialogos de absoluta desnudez e intensidad quedaran algo menos forzados. Quizás entonces las apariciones de la figura del "loco que dice las verdades" fueran más autoconscientes (todavía) y quedaran mejor.

Ver la película en la sala de cine permite además disfrutar de tres cosas maravillosas: La interpretación de Kate Winslet (que está soberbia) la interpretación de Leonardo de Caprio (que en mi opinión está casi mejor que Winslet, especialmente en una secuencia antológica en la primera media hora de película mientras intenta seducir a una secretaria desde la sinceridad más absoluta) y en tercer lugar ver a la propia Kate Winslet que, actúe mejor o peor, es un lujo sensitivo. Es dificil que se pueda estar mas guapa. En serio.

Pero al contrario que muchas otras grandes películas, la experiencia cinematográfica de Revolutionary Road no empieza en la sala, sino después. El cine actual, que generalmente está pensado para que todo sea epatante durante la proyección y no quede absolutamente nada a la salida de la misma, le ha dado la espalda a Sam Mendes con su cuarta propuesta (como ya lo hizo con la excelente Jarhead)

Quizás un relato tan desesperanzado sea poco adecuado para la "era Obama".

Slumdog Millonaire- La perversidad progre.

"El capítalismo es como una sardina en un cubo de basura: reluce, pero apesta" (Billy Wilder: Uno, dos, tres)
"Choose Life" (Danny Boyle Trainspotting)

No sé ni por dónde empezar. Ayer fui a ver la última película de Danny Boyle, director de Trainspotting y Shallow Grave. La película tiene una tonelada de oscars. Hay películas buenas y películas malas. Las buenas suelen gustarme, algunas de las malas me gustan también.

Pero hay algunas películas que no soporto. Son películas que parecen ir de una cosa para poder ir de otra. Son manzanas envenenadas como las que la bruja le da a Blancanieves y la última y más perfecta manzana envenenada tiene por nombre Slumdog Millonaire.

Slumdog Millonaire es una superproducción con una estética que mezcla el reportaje tercemundista oenejero, la estetización de la pobreza (Ser pobre es triste, pero es bonito) y una banda sonora multi algo para colarnos uno de los relatos más putridos y reaccionarios de... no sé. De hace mucho. Alguien ha dicho que es la primera película de la era Obama. Si es cierto (y no digo que no) La era Obama apesta apesta tanto como la era Bush. El olor es distinto, pero el alimento está igualmente podrido a tenor de los resultados.

El resumen de la historia es el siguiente: Un muchacho muy pobre nacido en las calles de la India demuestra que cualquiera puede triunfar siempre y cuando no sea a)Fundamentalista Religioso Musulman b) Chica imbécil o c) Malo.

Algunos detalles especialmente repugnantes: Alguien tortura al chaval bueno, pero decide detenerse por que no quiere tener problemas con Amnistia Internacional. ¡Un madero anónimo de Bombay está preocupado por Amnistía Interncional! Nunca la mención de una organización internacional había tenido una intención tan clara de lavar conciencias. Todo el cine Renoir se siente tranquilo porque Aministia Internacional vela por los niños del mundo.

Otro detalle. Unos hombres malos quieren llevar a unos niños de la calle a su casa para cosas malignas. Les convencen dándoles unas botellas con un líquido que parece Coca-Cola, en unas botellas que... son de Coca-Colay y con una etiquetas rojas dónde pone... Nada. Un detalle que sirve de analizador. ¿Cómo vamos a relacionar a la sacrosanta Coca-Cola con la explotación infantil en nuestra película que pretende abrir los ojos sobre lo mal que están los pobrecitos del mundo?

Eso es la perversidad. Es el sí, pero no. El azucar con el que entra la píldora que nos dan. Una película pensada para hacernos sentir no ya culpables como úna parte del cine que victimiza a los pobres y los convierte en idiotas, sino directamente tranquilos. Todo va bien. Un niño pobre puede seguir adelante (¡que digo! ¡Ser millonario!) siempre que lo haga a)Solo (No hay un solo espacio de socialización colectiva en la película, no existe ninguna estructura social) b) De forma honesta (Si, es cierto, nuestro hombre roba pero no son robos, robos, son pillerías, travesuras y como tal se narran en la película) c) Creyendo en el destino (En una película y un personaje que dicen aborrecer las religiones, se introduce la lectura al parece completamente atea, de que todo está escrito)

¿Sabeis qué? Echo de menos ésta sana, irónica y lúcida mala leche.

Pero al final puede que, tal y como dice Renton, Danny Bolyle finalmente haya decidido ser uno como nosotros, "Elegir la vida". Y le han pagado con un chorrón de oscars.

Valkyria- No me creo nada

Hace unos días (para ir recuperando películas que tengo pendientes) fui a ver lo último de Bryan Singer (Un señor que me gusta mucho porque ha hecho Sospechoso Habituales, X-Men 1 y X-men 2)

Valkyria cuenta la historia de unos militares de alta graduación (altísima) que intentaron matar a Hitler antes de finalizar la segunda guerra mundial y... la cagarón.

Lo bueno es que Bryan Singer realiza muy bien y controla mucho el ritmo y eso. Y Tom Cruise está muy bien. Y hay un rato en la película que estás como muy tenso porque hay suspense del bueno- que es ese que se consigue con cosas tontas como un boli que estalla o una puerta que se tiene que abrir o un tío que espera la llamada de otro tío que no llama y así. Hay algunos personajes míticos (como el ayudante de Cruise) Y hay un montón de actores ingleses (¿Por qué no alemanes?) que lo hacen muy bien.

PERO

Para mi la pelícual tiene dos grandes peros. El primero es que si bien hay un rato hacia la mitad de la película que la tensión es muy intensa y se juega con los elementos del suspense y además se hace muy bien, el resto de la película no cuenta nada de ésto. Y no es que no haya obligación pero digamos que jugar con el misterio misterioso de si la bomba habrá matado a Hitler o no... Ejem, no es muy misterioso. (Quizás para algún estudiante de secundaria despistado) Por otro lado, cuando el plan ha salido evidentemente mal nadie hace nada por escapar dando lugar a poderosos planes de fuga que se van al garete, sino que más o menos todos asumen culpas (Supongo que sin rechistar) y poco menos que se entregan en una escena en un pasillo que pegan dos tiros medio con desgana y poco más.

El otro gran pero es que no me los creo. O sea, me creo que ese grupo de militares quisiera matar a Hitler, pero no me creo sus motivos. Incluso aunque estén documentados. No dudo que haya textos diciendo "Alemania está to mal por culpa de este señor tan malo y en nombre del honor y la patria me tengo que rebelar". Pero Bush también dice que tiene que matar iraquies por la libertad y no por ello dejamos de pensar que lo hace por otros oscuros motivos. La verdad es que no me creo que estos señores tan buenos tuvieran un ataque de conciencia unos meses antes de que los aliados llegaran a Berlín y con la guerra dando sus últimos coletazos, como que no cuela.

La cosa me hubiera gustado más si en vez de tanto honor y tanta puñeta idealista, estos señores (Que son el alto mando militar del ejercito de Hitler, que no son gente común ni soldados rasos) dijeran cosas como "Estamos perdiendo la guerra. Si no pactamos una rendición digna con los aliados ésto va a ser la descojonación" "Nos van a dar por todos los lados" "Ya, pero es que con Hitler ahí quedamos to mal" "Pues lo matamos" "Pues no es mala idea" "¿Y si lo hacemos por la verdad, el honor y la gloria?" "Pues igual pasamos a la historia"

Esto es broma, pero creo que nos entendemos.

En cualquier caso ya digo que es entretenida.

Camino- La fantasía y la religión

Aunque no os lo creáis, Camino es la segunda película que veo en el cine en lo que va de año. Así ando de tiempo. La lista de películas pendientes es más que grande, es vergonzosa.

Camino es un peliculón como la copa de un pino y nadie debería perder el tiempo leyendo mis chorradas y salir a la calle a ir a verla. En serio. Camino cuenta la historia de una niña que vive en el seno de una familia muy religiosa ligada al Opus Dei. Camino es una niña normal y corriente en un contexto nada normal y nada corriente (aunque ojo, con muchísimo fieles y seguidores) Camino quiere interpretar La Cenicienta en el grupo de teatro de su barrio, quiere salir con sus amigas, quiere ver a su hermana. Camino cree en cosas maravillosas y normales como los vestidos bonitos, estar guapa, enamorarse o comer pasteles de crema. Camino, además, tiene una enfermedad rara y compleja que la está matando bstante rápido y además, con unos dolores espantosos. Y ahí empieza lo bueno. Porque cuando uno cree ciegamente en Dios, cuando no hay lugar para el "no-saber" ni espacio para la duda razonable. Cuando todo en nuestras vidas está determinado por un poder superior, benevolente por naturaleza, el dolor, la enfermedad y finalmente la muerte, son regalos que debemos agradecer.

La religión entonces se revela como autoridad. Como mecanismo de dominio y control. Como trampa para los deseos. Se rebela como lo contrario de la vida. Y Fesser retrata ese mundo de silencios, secretos, miedo y sospecha a las mil maravillas.

Y además lo hace con complejidad. Tres ejemplos.

1.- En el contexto de la familia religiosa de Camino y las gentes que les rodean no hay un solo personaje que piense lo mismo que otro sobre la cuestión religiosa, la vida de la niña y el Opus Dei. Si la diferencia más importante es la de ese padre ESPECTACULAR lleno de dudas, miedos, al que se le niega permanentemente el afecto de sus hijas. No es menos compleja la rebelación de esa madre que pasa de ser una hija de la gran puta con rebabas (hablemos claro) a un ser humano que sólo tiene la religión para darle un sentido a lo que le está pasando a su hija.

2.- La relación entre los sueños de Camino y la realidad no son mecanismos para hacerle fácil al espectador la película. Al contrario, la fantasía sirve para ilustrar la realidad y explicarla. Para darle fuerza a la dureza de lo concreto y también para demostrar de una vez por todas que no hay imagenería más perversa y morbida que la católica. Todos los sueños están impregnados por esa carácteristica genial de las pesadillas que es hacer aflorar lo siniestro de nuestro inconsciente. De la misma manera hay quién ha dicho que las operaciones a Camino, narradas de forma hiperrealista, eran un ejercicio casi gore y morborso: CHORRADAS. Cuando estamos en un mundo que apela constantemente a la espiritualidad para explicar la cosas, hay que contar que, al final, los seres humanos somos carne, piel, huesos y músculo.

3.- La película además establece una maravillosa diferencia (Especialmente en la antológica secuencia final) entre "Fantasía" y "Religión". Y de algúna manera habla del sentido de los cuentos y las narraciones frente a las Reliogiones y las ideologías. La fantastía es un ejercicio de autocontrucción (Tú mundo) que sirve para orientarte en la vida. No es trascedente. No te habla del más allá sino que utiliza elementos fuera de lo real para orientar la realidad. Y siempre es un ejercicio de remezcla, cambio, reapropiación, etc. Cuando esa fantasía se narra de forma pública se convierte en un relato construído socialmente. La religión es lo contrario. Es un discurso cerrado, dónde no hay orientación, sino normas, porque no hay flexibilidad y la reapropiación es imposible. No hay forma de tomarla en las propias manos y hacerla de uno. O se acepta o se niega. Y es trascendente y adermás instrumental. la religión no nos dice como vivir nuestras vidas, sino como vivir nuestras vidas para poder disfrutar de otra cosa. Es táctica. Y en ese sentido, mucho más hipócrita que un buen cuento de hadas. Que es lo que Camino muestra a las mil maravillas.

Actrices y actores alucinantes. Tramas secundarias llenas de intensidad (La historia de Manuela Valles y todo el mundo de las casas del Opus Dei es terrorífico) Una director, unos efectos especiales y una fotografía de escándalo y un guión al que quizás sólo le falta un poquito más de rebeldía en algunos de sus personajes.

Puede que la cosecha de películas del Cine español del 2008 no fuera maravillosa, pero me juego una mano a que hay más mala leche, más radicalidad, más riesgo y más verdad en cualquier minuto de Camino que en el 80% de las producciones de Hollywood de este año. Oscars incluídos.

Un amigo mío decía que él no creía en Dios, pero sí creía en los Angeles. Pero claro, mi amigo era un adolescente jugador de rol, que imaginaba otros mundos para poder vivir en éste. Y eso a la religión, nunca le ha gustado.

Peliculas veraniegas 3

Tropa de Elite La izquierda sigue sin distinguir el discurso del prota y el discurso de la peli. La cagaron con Taxi Driver y siguen cagándola hoy. Aunque no me extraña que les escociera esa disección de la relación ONG´s Progres- Tráfico de Drogas. Estudiantes universitarios frente a la miseria de las favelas. La clave para entender la película está en esas secuencias que aparentemente no vienen a cuento en las que se cita a Foucault. Ritmazo, violencia, etc. Como nota, servior se vió la primera película de Padinha para escribir el capítulo de la semana que viene de Hospital Central. No busquen comparaciones posibles, porque no las hay.

Wall-E Creo que es la mejor película que veo en lo que va de año. Porque es bella, es lírica, es emocionante, es sencilla. Dice que el amor mueve el mundo en buenas direcciones. Es analógica siendo digital, es entrañable. Y tiene a Wall-E y a Eva. Que pareja más maravillosa. Y que uso de la música y... Jo. Que buena es.

Hellboy II La película que uno tiene que ver después de haber visto Batman "The Dark Night". Cuando tiene que ser directa es directa, cuando tiene que ser poética es directamente espectacular. Y cuando la gente se enamora en vez de mirar a la nada con gesto lánguido hace lo que todos: EL MOÑAS con alcohol y Barry Manilow. Maravillosa gozada.

Batman el Caballero Oscuro en Siete Piezas

Hacía eones que no actualizaba la sección de críticas del Blog. No sé si porque no me apetece o porque cada día me da más pereza opinar sobre cosas (¡A mi, que siempre he sido un maldito opinador!. Dramático. Hoy, además, mi zoro disecado me ha dicho que tengo dos canas. Si. Tengo un zorro disecado)

Si no has visto Batman The Dark Night, igual no deberías leer a partir de aquí.

1. Cuando salí del cine una amiga me preguntó "¿Has vuelto a ver al Joker que amabas? Y yo le dije "No. Es imposible amar a éste Joker". Mis amigos creyeron que no me había gustado el Joker o la interpretación de Heath Ledger. Nada más lejos. Pero la realidad no fascina, aterroriza. El hiperrealismo ha vuelto al Joker terrorífico, pero no fascinante. Nunca me sudaban las manos viendo al Joker de Tim Burton y Jack Nicholson. Su perversidad y su humor lo llenaba todo. Era atrayente, sexy. La gente a la que mataba tenía una absurda sonrisa. Estaban muerto, sí. Pero todo era medio falso. Podías relacionarte con esa falsedad y mirar a tu lado oscuro y dejarlo crecer. Aquí es imposible, al menos para mi lo es. La fascinación sólo viene cuando el Joker intenta llevar a Batman a su lado, en esa comisaria (Probablemente el mejor momento de la película de largo) y algún que otro destello. Pero... Batman no está a la altura...

2. El Joker de Tim Burton era fascinante y- sobre todo- tenía un enemigo a la altura. Un batman del que podías dudar sobre si iba a pasarse de la ralla o no. ¿Por qué el famoso caballero oscuro no es un poco más... oscuro? El Joker merece un enemigo a la altura para que todos podamos dudar de lo que sucederá. Ese es el Batman que me gusta. El que acaba muerto de risa en La Broma Asesina. El que se plantea que la única opción que tiene es matar al Joker. Este Batman es un sinsangre demasiado efectivo. Hasta cuando falla (estrepitosamente) parece no inmutarse. Hasta cuando se pone autoritario y viola la privacidad de todo el mundo, lo justifican y lo salvan. Hasta se autocensura y dice "sere el villano que necesitáis"

3. Ya no hay manera de vivir un fenómeno. La "cultura del fenómeno" ha imposibilitado los fenómenos en sí. O sea, que Batman The Dark Night tenga la mejor puntuación de la historia en no sé que súper web ha dejado de decirme cosas. Creo que más de la mitad de las personas que entraron a ver la película no sólo habían decidido que era buena, sino que para ellos ya era una obra maestra. Antes de empezar. Es el fin de la incertidumbre. Si no hay incertidumbre solo queda la mitificación desmedida (Los mitos necesitan TIEMPO) o la permente decepción. Por ejemplo, la tontería del Oscar postumo a Heath Ledger, ¿cómo es posible que todo el mundo hable de un tema que tiene una importancia igual a... no sé. A muy poco?.

4. Una película más con diálogos sobre la libertad y la seguridad, la responsabilidad y el deber, etc. que transcurra por la vía de la trascendencia y las grandes palabras y se resuelva por la vía del buenrollismo papanatas y me PEGO UN TIRO.

Insisto de nuevo en lo de los spoilers para este punto.

5. ¿Cúal es el elemento de mayor dramátismo objetivo en la historia de Batman The Dark Night? La muerte de Rachel. Mejor dicho, la espectacular muerte de Rachel gracias a un magnífico plan del Joker. Después de eso, ¿Que queda por hacer? ¿Que haría cualquiera en su sano juicio? a)Perderlo b)Incendiar Gotham y cagarse en todo c)Ir a por el Joker. ¿Que hace Batman? SE QUEDA SENTADO EN UNA PUTA SILLA MIRANDO LÁNGUIDO A TRAVÉS DE LA VENTANA. ¿Por qué? Porque Batman es el caballero oscuro, pero en tiempos de corrección política, no puede serlo DE VERDAD. Sólo el Joker puede ser malo de verdad, pero eso no puede tener consecuencias en el mundo de los buenos. Pero es que si la relación entre el bueno y el malo no es equiparable... ¿cómo va a funcionar el conflicto dramático?.

Si alguien le parece que a la película le sobran veinte minutos, creo que puede ser por eso.

6. El Miedo. Que bien sabe Nolan retratar el miedo contemporaneo. Las imágenes más terroríficas de El Caballero Oscuro aparecen por televisión. Es la tele la que te cuenta los planes del Joker. Es un video doméstico "a la youtube" el que te narra el horror. Es el fuera de campo el que da sentido al pánico. ¿Cúando es fascinante el Joker? ¿El mayor momento? Cuando desprecia aquello que ordena nuestro mundo. El dinero. ¿Y cúando es más interesante? Cuando muestra por la vía de los hechos las nulas posibilidades de supervivencia que tenemos colectivamente en el reino del "salvese quién pueda". Y por eso me da tanta rabia que las soluciones morales de la película sean tan... morales. Tan bienpensantes.

7. Por último, todo ha devenido identidad y cultura en el peor sentido. Habrá quién crea que no me ha gustado Batman El Caballero Oscuro, se equivoca. Me ha gustado bastante, pero las cosas solo son perfectas en el reino de la mente, en la realidad las cosas son imperfectas y por eso son interesantes, se puede pensar sobre ellas. La "cultura del fenómeno" no permite reposo y distancia, y por tanto, anula el pensamiento. Las noticias sobre Batman 3 empiezan a anular la experiencia real de Batman Dos. Con igual violencia con la que se expresan quienes creen que El Caballero Oscuro es la mejor película de superheoreas de la historia, vociferan quienes consideran que es "una caca". Y cualquiera que pretenda salir de ahí es un pesao y un llorica.

No estoy deacuerdo con todo, todo, todo lo que dice, pero la crítica de El Emperador de los Helados me parece excelente.

Algunos motivos para amar "Juno"

ALGUNOS MOTIVOS PARA AMAR JUNO: (Y algún spoiler)

He decidido escribir esto así. Son motivo particulares, de cada cúal y algunas de las cosas que me parece que funcionan en Juno no me gustan en otro montón de películas. Me es muy difícil escribir esto sin tener en cuenta la opinión de un montón de gente que me rodea (muchos de ellos guionistas o gente que trabaja haciendo cine o tele) a la que, de forma más o menos general, no les ha gustado Juno.

1.- Se nota el guión. Todo lo que pasa en Juno “canta” a que alguien detrás escribiendo, se nota. Se ve. Esto, que suena a malo, a mi me vuelve loco, porque creo que si uno tiene el talento para hacerlo debe entender que hacer películas es también hacer (un poco) literatura y por tanto tener (un poco) de estilo. Una poética, si lo queremos llamar así.

2.- No es una película sobre el aborto. Ni es una película sobre una adolescente embarazada. Es una película de amor. Se parece más a “La chica de Rosa” que a… no sé, alguna de esas películas que en vez de contar historias cuenta temas: El aborto, la inmigración, la corrupción, los malos tratos, etc.

3.- No es una película contra el aborto, sino a favor de que uno tome sus propias decisiones. Nadie defiende el derecho a abortar, sino el derecho a decidir si abortar o no y eso incluye la posibilidad del no y no implica que quién toma la decisión contraria sea un conservador demenciado.

4.-Es autoconsciente. Me gustan las películas dónde la gente habla de las cosas que le gustan o les digustan. Sea Sonic Youth o La Guerra de las Galaxias. Es autoconsciente como lo era Clerks o lo es Malas Ventas.

5.- No es melodramática: Mucha gente me ha dicho que Juno no tiene conflicto porque la protagonista va resolviendo poco a poco las situaciones a las que se enfrenta, generalmente con madurez. Llevan razón, pero eso no implica que no haya conflicto, lo que no hay es una tendencia bastante habitual en el cine (y sobre todo en la televisión) actuar: El melodrama. Parece que para que algo tenga tensión dramática tiene que suponer un horror.

6.- Es reconfortante: En medio de un páramo de excepción, paranoia y cultura cinematográfica de la excepción es muy agradable ver una película que dice “Sí, esto que pasa es duro, pero se sale de aquí. Se sigue adelante. No es tan espantoso”.

7.- No busca culpables: Efectivamente, sería de agradecer una reprimenda por parte de alguien en torno al uso de preservativos, etc. Pero esto no pasa por un motivo, la película parte de un error cometido por una chica y como lidia con ese error. Y cómo a través de ese error descubre que está enamorada. Nadie dice que no sea un error. No hace falta (creo) hacerlo explicito. En ese sentido es ejemplar la conversación que tiene el padre de Juno con ella al final de la película “Algún día volverás aquí, en tus propios términos”.

8.- Es políticamente correcta: Sí, se que la corrección política es algo muy chungo de nuestro mundo y una forma de censura, pero la “incorrección política” empieza a ser cada vez más una marca desprovista de sentido real, que no se plantea como un límite a superar (Un consenso social que dinamitar) sino como un mero “ir más allá”. Mi momento favorito de American Beauty (Que es uno de los que menos suelen gustar) es cuando Kevin Spacey está a punto de acostarse con Mena Suvari, ella asustada le dice que tenga cuidado que es su primera vez y él se da cuenta de que sólo es una cría y la tapa el vestido amorosamente. Me consta que había mucha gente en la sala pensando “follátela, mojigato”, pero creo que hacer lo contrario es- por muy políticamente correcto que sea- bastante más interesante y bastante más humano.

9.- Cuatro motivos más: Ellen Page (impresionante) La sencilla dirección de Jason Reitman (deliciosa) El gran personaje de Poulie Bleeker y la portentosa interpretación del mismo del gran Michael Cera y la maravillosa banda sonora.

“You´re a part time lover and a full time friend”

Bola Extra Entrevista con Diablo Cody- guionista de la película- en abcguionistas

El Valle de Elah- El fin del idealismo.

Ojo- Spoilers.

¿Por que no me gustó Crash? Fui a ver Cras con una amiga y no me gustó. A ella sí. He visto el Valle de Elah con la misma amiga y a ella no le ha gustado. A mi sí. Así que he llegado a la conclusión de que hay algo de lo que tiene Crash que o tiene o dejar de tener El Valle de Elah que a mi me ha gustado más. He llegado a la conclusión de que dónde Crash es idealista y reconfortante, El Valle de Elah es desasosegante y materialista.

Crash termina con una música de anuncio de Nescafé y un plano que asciende hacia el cielo mientras un grupo de niños que en mi cabeza recuerdo como orientales mirando escaparates maravillados. Al fin y al cabo, el mensaje de Crash era algo así como "vamos a llevarnos bien que es mejor" y "las cosas no son lo que parecen. Todos somos complejos".

El Valle de Elah termina con un plano de la bandera de Estados Unidos puesta del revés. Izada como símbolo de la derrota moral de un país al completo. Como no hay banderas del mundo, pues la bandera es de Estados Unidos, pero vamos, que podría ponerse cualquier bandera. El mensaje de El Valle de Elah me suena algo más a "¿Qué cojones nos está pasando?"

Porque El Valle de Elah cuenta también que vivimos en un mundo lleno de imágenes que ya no nos conmueven. Lo malo no es que esos soldados americanos vuelvan de Iraq convertidos en seres cercanos a la sociopatia, sino lo poco que eso nos emociona. No nos conmueve, como no nos conmueven demasiado los videos que el hijo de Tommy Lee Jones manda a su padre mostrándole las atrocidades que comete. Los vemos como se ven las noticias de un telediario porque al fin y al cabo, los hemos visto en el telediario. ¿Alquien se siente realmente conmovido por las imágenes de Abu Graib? Nadie. Conmoverse implica algo que tiene que ver más con la tripa que con el cerebro. El cerebro dice "Que barbaridad" la tripa no dice nada. Mucha gente me ha dicho que El Valle de Elah es una película demasiado fría, a mi lo que me asusta es que los fríos igual somos nosotros y que Paul Haggis haya metido el dedo en esa llaga me parece un acierto.

La película tiene el formato de un Thriller sobrio y duro. Evoluciona de forma pausada y contundente, con un Tommy Lee Jones espectacular, arrasado por la perdida de un hijo que vive de manera triple. La perdida física, la perdida del hijo que se fue a Iraq y que ya no volverá pues se ha convertido en otro y la perdida de sentirse responsable de esa situación. La breve aparición de Susan Sarandon es antológica. Por su parte Charlise Theron compone un personaje endurecido en un ambiente muy duro para una mujer y más para una mujer soltera.

Mi amiga decía que la película no dejaba ni un resquicio de esperanza. Y tiene razón. Pero la esperanza- por mucho que digan Obama y Zapatero- no sirve para cambiar el mundo. Se parece más bien a un agradable narcótico con el lema "mañana las cosas iran mejor":

This is England- We are the skins, we are, we are, we are the skins

Una vez una chica me dejó Quadrophenia. This is England es como si a Quadrophenia le quitaras la música y dejaras que un señor que es una mezcla entre Stephen Frears y Scorsesse se pusiera a escuchar ska del bueno. Las malvinas a ritmo de Toots and the Maytals, los índices de paro de un país en bancarrota moral (Que decía Neil Gaiman de la "era Thatcher") Los skins. Elegantes, familia de compañeros y compañeras en un entorno destruído. Ser parte de algo, tengas las edad que tengas.

Y de pronto, la violencia y el racismo, antropología social vigorosa. Nace la gran división: Skin Heads racistas, Skin Heads antiracistas (mayoritarios, por cierto) Skinheads que olvidan Jamaica y la base mestiza de la cultura skin y skins que la respetan. Comunidad o violencia.

Mitin del National Front en una granja, el lider expone los motivos para expulsar a los inmigrantes de Inglaterra ante un montón de chavales y no tan chavales pobres como las ratas más pobres. Uno comenta "Que cochazo tiene".

La familia como un entorno destruído, violento y la permanente necesidad de construír un nuevo lazo social salvando la singularidad particular.

Y el gran, gran, gran, gran Thomas Turgoose, ese niño prematuramente mayor y profundamente niño. Una de las mejores actuaciones del año.

Shane Meadows tiene más películas y This is England es del 2006, por qué ninguna se había estrenado aquí sigue siendo un misterio. Uno de esos misterios que ponen de mala hostia.

Los Crimenes de Oxford- Alex de la Iglesia y el género.

Algún spoiler por ahí suelto, conque ojo.

Aquellos que me conocen saben que considero a Alex de la Iglesia el mejor director de cine español del mundo mundial (Así, englobando) No es que sus películas sean perfectas, es que sabe que eso es imposible. Lo perfecto no existe. Somos elefantes haciendo surf en las olas de un tsunami. Como dicen en Toy Story "Eso no es volar, es caer con gracia". Buscar la perfección es tarea de críticos (o de algunos críticos)

Por eso, todas las películas de Alex de la Iglesia me gustan. La que menos me gusta, que es Perdita Durango, también me gusta. Hay gente que dice que las películas de Alex de la Iglesia son de risas. Bueno, sí, vale, te ríes, pero... Ejem, ¿no veis las toneladas de dolor, verdad, sufrimiento, odio y maravilla que hay además de esas risas? En el libro "La Bestia Anda Suelta" Alex de la Iglesia dice que le gusta Hitchcock porque es un gordo obsesivo, un loco, un misógino (No estoy citando, voy de memoria) Pero que engaña a la gente, que se hace pasar por ese señor gordito que hace películas de suspense y ya. A mi Alex de la Igleisa me gusta por lo mismo, pero es que además él no oculta nada, lo cuenta todo. Cuenta lo bueno y lo malo, lo que funciona y lo que no. Es brutalmente sincero (o sea, que miente como todos, pero se nota menos o lo hace mejor o yo no sé)

Bien. Dicho ésto, hablemos de Walt Whitman. Walt Whitman tiene un verso conocido sobre la singularidad (Ese de "oh, mi yo" que recita Robin Williams en El Club de los Poetas Muertos) pero tiene otro que a mi me gusta mucho más: "Soy inmenso, contengo multitudes". Contengo multitudes... ¿Saben que la idea de multitud suele estar vinculada al diablo? El diáblo es múltiple, lo múltiple da miedo, porque sale por cualquier parte. Al contrario que esos seres que son uno y por tanto son previsibles (Yo que sé, Ken Loach, por poner un ejemplo de alguien que también me gusta y cuyas últimas tres películas me he negado a ver porque tenía la sensación de que ya las había visto) Los multiples son muchos. Un múltiple: Billi Wilder.

Fernando Trueba dice que el estilo es inevitable. Que no le gusta porque es aquello que hace que uno sea siempre uno. No es una seña, sino un límite.

O sea, que mola ser muchos a pesar de que uno sea siempre más o menos el mismo.

Sí, sí. Ya llegamos a los Crímenes de Oxford. En realidad, hemos estado hablando de ella todo el rato.

Quienes dicen que Alex de la Iglesia ha "perdido su personalidad" son- lo siento- tontos.

Los Crímenes de Oxford es tan personal como muertos de risa. NADIE hace una película durante dos años y luego resulta que "no es personal" ¡Pero si es tu puta vida de dos años!.

Algunas pistas para saber cómo es de personal los crímenes de Oxford: Habla de que la busqueda de la perfección te volverá un desgraciado. Habla de que la libertad y el egoísmo van muchas veces de la mano. Habla de que el problema no es conocer la verdad o no, sino vivir la vida o no vivirla. Ser espectador o agente activo. Anomalia en los margenes Y sujeto en pleno centro del universo. Habla de que uno puede perderse dentro de si mismo y destruírse (¿No es espectacular hasta decir basta esos cinco minutos de narración sobre el proceso delirante de Alex Cox? ¿Dónde hostias hemos visto eso en el cine de éste año? En Zodiac, quizás, un poco)

Los Crimenes de Oxford es triste como son tristes las películas de Alex de la Iglesia. Entonces, por favor, que no me jodan con la personalidad.

Pero además es distinta, porque Alex de la Iglesia es inmenso, contiene multitudes. Está rodada de forma escrupulosa y en una época de thrillers sobrenaturales soplapollas se permite el lujo de hacer una película de gente escéptica, atea y que le gustan las matemáticas. O sea, lo contrario que la tontería del Código Dda Vinci, Medium, etc.

Y, como en Zodiac, cuenta un misterio que, en vez de ser un perfecto mecanismo de relojería y diseño es un prodigio de a)Improvisación y b)Control a partir de lo que otros piensan o desean.

Mi única crítica es que, aún entendiendo el sentido de colocar a Leonor Watling en semejante papel. A pesar de ser la más clara representación de la carnalidad y el deseo frente al cerebro y el ensimismamiento del bueno de Elijah (que está muy bien, aunque no también como el mítico Hart) Resulta - para mi- un poco artificial, más una función que un personaje y entonces siempre tengo la sensación de que va a tener en la historia un papel dentro de las claves del género y resulta que no, lo cúal confunde un poco.

Ah sí y encima te lo pasas bien.

Interview: Que mala es la gente

Por partes.

Sienna Miller está extremadamente buena, pero además es una actriz excelente.
Steve Buscemi no está especialmente bueno, pero es un actor de quitarse el sobrero (y aquí además está físicamente potable, mozas y mozos gays)
Las películas de dos personajes hablando son, generalmente, buenas. La alternativa es que sean un ladrillo de tomo y lomo. Interview está muy bien
La gente mala, mola. La gente buena da un poco de grima y uno intuye que son gente mala disfrazada. Interview va de eso. Lo que pasa es que la gente mala mola porque tienen un su humanidad, ¿me explico? Si no ya entramos en el género "vaya panda de hijosdeputa" que también mola. Interview podría ser de esas... O no.
La dirige Buscemi siguiendo el método de rodaje de Teo Van Gogh- pues la película es una remake de una película de éste señor. Y lo hace muy bien.

Beowulf, la tecnología como límite.

A veces la tecnología se come la narración aunque uno no quiera. ¿Se puede ver Beowulf olvidando que está rodanda en 3D? Dificil. ¿Tendría interés si no fuera por ésto? Cualquiera sabe. Quizás "El Cantor de Jazz" sea un coñazo patatero o quizás alguien dijo en su momento "sólo sirve para mostrarnos todo el rato las excelencias de una nueva tecnología- El Cine Sonoro".

El Caso es que Beawulf es una de las primeras películas rodadas en 3D y yo, viéndola, pensaba que esto del 3D iba a ser más revolucionario en el mal sentido. O sea, que la gramática cinematográfica iba a desaparecer bajo toneladas de movimiento absurdos para epatarnos y no poder seguir la historia. A mi no me dió esa sensación. Vamos, la historia se sigue bien y reposada (Es una historia muy sencilla) Por otro lado, sigue sin convencerme el tema éste del rodaje con actores que luego se digitalizan. Se me parece a las intros de las aventuras gráficas de los noventa quince años después.

Pero Beowulf tiene oscuridad, es una película medieval en el sentido sucio. Más cercana a "Los Señores del Acero" que a "El Ultimo Caballero", por decirlo de alguna manera. El rey es un rey en medio de la nada. La sala del trono es desoladora. Hay barro y los alegres mercenarios quieren, básicamente, violar a todo lo que se les ponga por delante.

La historia es un poco simplista, pero compensa ver a Grendel, a su señora madre y al bueno de Beowulf corriendo a caballo detrás de un pedazo de dragón. Además tiene su poquito de Gore.

Como diversión añadida está ver a los papás y las mamás que han llevado a sus pequeños al cine a ver "la películas infantil en tres dimenciones" horrorizarse ante una fábula adulta, llena de erotismo, violencia y bastante mierda.

Y hay una transición entre la primera y la segunda parte de la película que está bastante bien llevada.

Ultimas películas del 2007

Se me ha echado el tiempo encima. Van los comentarios sobre las últimas películas que he visto en el año.

Siete Mesas de Billar Frances: Grandes interpretaciones y preciosa música en un drama con la suerte de tener un guionista cojonudo (Sí, es amigo mío, ¿qué pasa?) Que hace que cada secuencia tenga unos diálogos de lo mejorcito que yo he he visto éste año en el cine español y unas historias secundarias más que notables, ya que la historia principal, el drama Padre-Hija, no da para mucho (Prueba de ello es lo tarde que se pone "en juego" en la película)

Blade Runner: Una obra maestra sin posible discusión. Me la suda si Deckard es más o menos replicante, es una maravilla. La he visto dos veces en el último mes y medio. Las dos en el cine y las dos me ha parecido acojonante. Pero debo reconocer que la primera me dejó completamente noqueado, realmente no recordaba que cada puñetero plano fuera una obra de arte. Brutal.

Encantada: Fantasía infantiloíde bien resuelta, con alguna actuación chula (la de la prota) Disney intenta colarnos que no es Disney y que se ha modernizado y termina por soltarnos el rollo facha y machista de siempre. Eso sí, pueden reírse mucho (pero mucho) de algunas de sus memeces más notables. El chiquito de Anatomía de Grey está como que pasaba por allí.

Promesas del Este Ehm... Es que no me gustó mucho. O sea, a todo el mundo le ha encantado y tal pero... No sé. La secuencia de la pelea en los baños turcos es la cosa más violenta que yo he visto en años y está rodada como Dios y tal (Amen de la carga de erotismo homosexual latente en la misma y que hizo que yo me sintiera MUY incómodo- lo cual es estupendo) Pero luego todo me sonaba como raro y lento. No sé. No entré en la película. Cosa mía, probablemente.

American Gangster Coincido totalmente con la crítica que Carlos Boyero en El País. No me ha interesado nada, pero nada. Hasta el punto de que me parece una de las historias más tontas del último año. 1)No me importa ese Gangster al que todo le sale más o menos bien sin que haya conflicto alguno 2)No me importa ese policía al que, a pesar de estar en una situación vital chunga, también le sale todo más o menos bien todo el rato 3)Tampoco entiendo porque esos dos protas no se juntan más que un momento al final de la película. 4)Y además, me toca la moral que una película sobre Harlem ambientada en 1968 y tratando tema drogas no hable ni una sola vez de Martin Luther King, Los Panteras Negras, etc. Es decir, el movimiento que gobernaba ese barrio y que se oponía al tráfico de drogas en el mismo. Cada vez que había una reflexión o una idea interesante (Ejemplo, Russel Crowe planteando que si acabaran con el negocio de la droga cientos de personas se quedarían sin trabajo incluyendo muchos jueces y policías) queda abortada por una historia lineal y sin conflicto.

Y estas son las últimas películas del año. Creo que he visto más películas que el año pasado y, sin embargo, tengo la sensación de haber visto menos, muchas menos. Que fenómeno tan curioso. Y hay un montón que me he quedado sin ver y que tenía ganas. En fin, esperemos al DVD o al P2P.

Stardust- Un cuento que no está mal

A mi me gusta más el tebeo ( la novela gráfica o como cada uno lo quiera llamar). ¿Quiere decir eso que no me gustó? No. Me gustó bastante. Me entretuvo, me hizo recordar que se podían hacer películas con un auténtico derroche de imaginación en vez de tanta tontería. Me hizo acordarme de la Princesa Prometida. Querría que hubiera sido una obra maestra, pero no es el caso. En realidad, sería genial si fuera un poquito más. Un poquito más adulta, un poquito más terrorífica. El guión funciona a pesar de un giro en el segundo tercio completamente demencial. Esta bien realizada. Los personajes siguen siendo carismáticos. No pretende ser la última y definitiva película que se estrena en el año y eso mola. Michelle Pfeiffer se sale. Es un buen punto de partida para hacer más películas favoritas. Eso sí, la música es una tomadura de pelo: Refito a pares entre Drácula y El Señor de los Anillos (La segunda unidad de la película con sus planos aereos de la gente a caballo también le debe bastante a la trilogia de Jackson)

Pero mola. Mola mucho más que bastante cosas que han estrenado en el año. Y Claire Danes es estupenda.

Mataharis- Producción y reproducción

Iciar Bollaín tiene cuatro películas: Hola, ¿estás sola? (Que no está mal), Flores de Otro mundo (Que ya empieza a ser bastante notable), Te doy mis ojo (Que es una de las películas más acojonantes que servidor ha visto) y Mataharis. Lo mejor de las películas de Iciar Bollaín es que son mucho más interesantes de lo que parecen. Muchísimo más. Vas a ver una película sobre tres mujeres detective privado y acabas viendo una película sobre a)La crisis de los cuidados en la sociedad actual b) Las nuevas formas de trabajo contemporaneas b) La dimensión reproductiva del trabajo inmaterial y la cuestión ética que se coloca en el centro de esa reproducción. ¿Un detective es una simple herramienta al servicio de un interés- el de una empresa, por ejemplo o es además un ser humano que no puede separar su trabajo de si mismo, sus deseos, sus miedos, etc? ¿Y un guionista? ¿Y una teleoperadora? Mataharis además habla de la confianza y de la intimidad. Soberbias interpretaciones, aunque lo que hacen Antonio de la Torre y Nuria Gonzalez es de quitarse todos los sombreros. La historia de la empresa es, quizás, la más previsible, pero también es la que expone de manera más firme algunos de los conflictos más interesantes. Es una pena que la realización beba directamente de ese estilo más kenlouchiano y feísta de lo que lo hacían la lírica de Flores de Otro Mundo o Te doy mis ojos. Pero vamos, peliculón.

El Ultimatum de Bourne

El año termina y me quedan cinco o seis películas por reseñar de las que he visto. Como no tengo tiempo material (También me quedan cuatro libros) para meter las chapas infames a las que acostumbro he decidido darme al formato blog- o sea, brevedad- y ser, por una vez, directo.

No he visto las anteriores películas de Bourne. No ha sido obstáculo para ver ésta. Paul Greengrass filma como Dios. Quizás pueda ser el primer tipo que hace cine europeo comercial hollywoodiense. Lo considero un modelo a seguir. La secuencia en la estación de Waterloo es una obra maestra. Hay alguna fantasmada de guión notable (la entrada de Bourne en el edificio de los malos es pura trampa basada en el efectismo) pero no importa. La historia tiene UNA TRAMA, toda la película. Y te la comes. Y avanza. Y no te aburres. No te aburres nunca. El cine de acción debería ser eso. Jo, que gozada.

Decidí ir a verla por Este artículo de Nacho Vigalondo y lo acabo de volver a leer. Tiene razón en TODO. Ni una puta coma le tocaría.

Amor en Defensa Propia

El pasado Martes me pasaron una película de un director español que no conocía: Rafa Russo. Para más señas, tiene un goya en su poder por el cortometraje "Nada que Perder". No sabía nada de la película, sólo que la persona que me la pasó me había enseñado antes una secuencia descontextualizada y había terminado con el corazón en un puño (En concreto en el puño derecho, pero esa no es la cuestión) Al parecer la película se estrenó como de por sí se estrenan las películas españolas: Mal (Y en Junio del año pasado) Y nadie supo de su existencia. Supongo que habrán oído hablar del Orfanato, pues lo mismo pero al revés.

El caso es que me puse a verla, por pasar el rato y por contextualizar la secuencia descontextualizada. Hay dos tipos de cine (bueno, hay muchos, pero para la clasficiación que yo necesito hacer ahora digamos que hay dos) El lírico y el prosaico (Estamos pedantes hoy a las 20h) El Prosaico es lo que hace la mayor parte de la gente (Yo mismo, si pudiera hacer cine o en los cortos que ha podido hacer o los guiones que he podido escribir, hago cine prosaico) Rafa Russo hace cine lírico. El cine lírico tiene una complejidad mayor que el prosaíco, porque te pasas la mitad del tiempo en un límite indeterminado entre: a)Hacer el ridículo b)Parecer un ñoño de cojones o c)Que no se entienda una mierda.

Rafa Russo se mea alegremente en cada uno de esos seis límites y hace una película lírica que se entiende, emociona y cada vez que va a llegar un punto que podría campar alegremente por los campos del ridículo con sabor margarina light, el tío las resuelve con un salto mortal ¡y cae bien!.

El primer y tercer actos son estupendos. La fotografía y la realización le deben muchísimo al mundo del cortometraje. Hay algunos movimientos de cámara que son tremendos y encima, y aquí ya me cogió por la parte baja: Hay una canción de Tori Amos. La mujer que hablar con Muerte. La mujer que inspiró a Delirio (Si no saben de que estoy hablando lean YA El Alto Coste de la Vida o en su defecto "Vidas Breves")

Se pueden imaginar que si la estrenaron mal encontrarla en DVD ya es como la risa. Prueben en sus redes P2P más cercana.

Ratatouille- Quizás la mejor de Pixar. Sin duda la mejor del verano

Que gozada. Que delicia. Que maravilla. La he visto ya dos veces y no me canso. Si no la habéis visto pasar de mi y de todo e ir a verla y luego hablamos. Con ésto quiero decir que hay spoilers por aquí abajo, pero sobre todo que VAYAIS A VER LA PELÍCULA.

Bien, dicho esto, pasemos al asunto. ¿Por qué me parece que Ratatuille es quizás la mejor película de Pixar? Probablemente por tres motivos

a)Es la última que he visto
b)La anterior que vi era Cars y no me gustó nada pero nada.
c)Los personajes.

Los personajes de Ratatuille son maravillosos. En Nemo o en Los Increíbles, los personajes son magníficos, pero tiene- como mucho- dos caras. Dori se olvida de las cosas, Marlin quiere proteger a su hijo, etc. Aquí no. Aquí Remí (la rata) tiene como diecisiete matices: Es egocéntrica, apasionada, inteligente, cariñosa, egósita, rebelde... Y Linguini es Torpe y encantador y de pronto parece que se le sube a la cabeza el éxito y luego es inseguro... Y el magnífico personaje del crítico con la MEJOR SECUENCIA que yo he visto en el cine en muchos meses...

Las tramas. En las anteriores películas de Pixar había como mucho dos acciones que transcurrían en paralelo, quizás acompañadas de, como mucho, una historia de amor. Aquí hay al menos cuatro tramas a la vez. Esa complejidad del guión no hace que la historia se haga más densa, al contrario.

El humor. ¿Puede ser Ratatuille la película con los mejores chiste de cine mudo en años?

Lo que cuenta: El magnífico mensaje de la película, curiosamente contrario al que planteaba Los Imposibles (Dirigida también por Brad Bird) La pasión por crear, el considerar que cualquiera puede hacerlo, que en cualquier caso nadie es especial. Que las cosas que se hacen apasionadamente merecen nuestro respeto aunque salgan más, que es mejor amar al mundo y luchar por él que odiar el mundo y luchar contra él, la curiosidad como motor de la existencia, la rebeldia como motor de las transformaciones humanas... Etc.

Y encima tiene esa música y esa animación y... Y encima es arriesgada, demonios, que han decidido meter a un montón de ratas en una cocina a !cocinar!.

Maravillosa.

Los Simpsons: La película

Hay un capítulo de Los Simpsons, no recuerdo exactamente cual, en el que pasa una situación que tampoco recuerdo bien, pero hay un momento en el que alguien (Quizás Bart) responde a alguien que plantea que los creadores, artistas, etc. Nos lo deben todo al público, diciendo que el público debería estar agradecido por las miles de horas de satisfacción que nos han provocado los artistas, etc.. Quizás sea Bart hablando de Krusty con el dueño de la tienda de tebeos, puede ser.

Para mi, eso es la película de Los Simpsons. No sé si es mejor que la serie, mejor que cuando la serie era no sé qué, una argucia comercial o el deseo de ver a Homer en pantalla grande. No lo sé y me da igual. Una película que empieza con Bart escribiendo "No descargaré esta película de Internet" en la pizarra (Señal inequivoca de que ya lo ha hecho) y con Homer preguntándose porque ha ido al cine a pagar por algo que puede ver gratis, merece todo mi respeto.

¿Capítulo alargado? No sé que es eso. Quizás es que después de más de 300 episodios, Los Simpsons han alcanzado un mito que les hace sombra. A veces tengo la sensación de que luchan contra si mismos por ser mejores. ¿Serían malos los nuevos capítulos si no existieran los anteriores? Ni idea, pero intuyo que no. ¿Serían los anteriores peores sin los emitieran ahora y tuvieran a los de ahora como sus predecesores? Tres cuartas de lo mismo.

La primera media hora de película es mejor y más divertida que casi todas las películas que he visto en todo el verano: Más que los putos piratas, más que Popotter, etc.

Por otro lado, siempre me ha parecido que Los Simpsons tenían el equipo de guionistas más inteligente de la televisión y que sus dardos, a veces, eran tar certeros que no lo parecían. Dicen que han perdido su mordiente, pero yo no dejo de maravillarme ante de la idea de convertir la lucha contra la polución y por el medio ambiente como una excusa para a)Hacer negocio b)Hacer la guerra y c)Controlar a la población. Me parece una idea taaaaaan buena, que no puedo dejar de maravillarme. Un poco como la presentación del artista invitado de la película y su reflexión sobre la clase política norteamericana. Mítico.

La animación es impresionante, los chistes cuidados. El humor físico magnífico y tiene todo lo que es marca de la casa (incluyendo los sueños surreales) Pero lucha contra su propia sombra. ¿Cómo darle peso a todo el universo de personajes sin descompensar con respecto a los auténticos protagonistas? ¿Cómo hacer para no echar a alguien de menos? Por ejemplo, al maravilloso Ralph o a los míticos Kang y Kodoss.

Lo dicho, que me da igual, que la he visto ya dos veces y que no me molesta devolverles en pasta todo lo que me han dado. Máximo respeto.

Harry Potter y la Orden del Fenix: Está bien y tal

Ojito con los posibles spoilers a partir de aquí. Avisados estáis.

Vamos por partes. A todos los que se han leído el libro y han mascuyado, gritado y se han indignado en mayor o menor medida porque la película era incomprensible ya que faltaban todos los detalles importantes, puedo decir que no (Porque no me he leído el libro) La película se entiende perfectamente, no sé si será fiel al libro, no sé si se fusilará todas las historias secundarias, los detalles maravillosos que hacen a la novela lo que es, etc. Pero se entiende. Entre otras cosas porque plantea un conflicto de una simpleza pavorosa, a saber: El Ministerio de la magia se niega a aceptar que Los fucking Voldemort ha vuelto e intenta controlar la escuela de magos Hogwgarts. Harry Potter y los suyos se organizan de forma paralela para luchar contra el mal. Eso es todo. Además Harry se besa una vez con una niña MUY sosa y tiene unos sueños que le llevan de la mano a la conclusión de la película. Punto y Final.

La película me gustó más que la anterior, aunque creo que se debe a que ya tengo asumidos las virtudes y los defectos de las mismas (Que me temo que son las virtudes y los defectos del libro, solo que en el libro hay además todos los otros detallitos molones e historias secundarias, etc.)

En más o menos todos las películas Harry irá descubriendo cosas (generalmente a través de otros y no de su propia inteligencia/ capacidad) que le llevaran irremediablemente a una trampa o un encuentro con el maligno.

En más o menos todas las películas Harry estará levemente insoportable durante unos minutos y luego tendrá una c onversación trascendente con alguien que le recordará que necesita a sus amigos o que no debe tener miedo a alguna cosa valiosa para el futuro. Harry sonreirá un rato hasta que la siguiente desgracia le vuelve a compungir y aislar.

En más o menos todas las películas alguien sabrá algo sobre Harry y no se lo dirá para protegerle, ignorar lo que se supone que no debe saber para ser protegido le llevará, casi sin remedio, a una trampa.

En más o menos todas las películas alguién morirá y según se acerquen las últimas será alguien importante. De alguna forma extraña, su muerte nos dejará fríos como un pescado recién sacado del mar. La Orden del Fenix no es una excepción.

Por otro lado, todas las películas tendrán cachivaches chulos, investigaciones, frases molonas y momentos de digna amistad.
Todas las películas te recordarán algún momento de tu infancia en la que eras un pobre pringao, pero tenías corazón.
Todas las películas tendrán una o dos secuencias muy divertidas.
Todas las películas tendrán uno o más personajes míticos: Aquí la nueva directora de la escuela y el personaje de Luna.
Todas las películas tendrán un tono oscuro molón. Cada vez más oscuro y cada vez más molón.
Etc.

La orden del Fenix nivela más hacia el lado bueno que hacia el malo. Nada molesta y hay algún momento emocionante (Toda historia con colegio internado, niños y niñas con uniforme que se rebelan de forma infantil contra una autoridad injusta incluye esos planos tan molones en los que se alinean los dos bandos y gente como Neville demuestran lo extremademente molones que pueden llegar a ser)

La conclusión (y por lo que me cuentan no es muy distinta al libro) de que oh sorpresa, Harry tendrá que enfrentarse en un duelo a muerte a Lord Voldemort, no creo que sea una sorpresa para nadie y por tanto, tampoco tiene mucha fuerza con gran secreto revelado de la quinta película.

Notable puesta en escena. Notable música. Notables interpretaciones de los mayores (Gary Oldman es un hombre con carisma)

Ahora bien, quizás es que yo no me di cuenta al principio, pero siempre había pensado que la narrativa Potteriana iba a ir un poco más allá de "El Bien contra el mal" en su simpleza mas absoluta. Debo reconocer que las dos frases que le dice Mister Potter a Voldemort en su pelea son la cosa más ñoña, tontorrona y falsa (Y reaccionaria) que he oído en una película con chavales desde hace mucho tiempo. El rollo "como eres malo no sabes lo que es la amistad y no tienes corazón y tralari, tralari", como que no cuela.

Pero la película mola, es entretenida.

Transformers o el día que el guión y el cine de entretenimiento dejaron de entenderse

No la iba a ver. No había visto La Isla. Le cogí mucha manía a Michael Bay por lo de Pearl Harbor, pero a)Me encanta La Roca y b) Era gratis. Así que porque no.

Viendo Transformers he aprendido una cosa muy estimulante: Shia Lebouf tiene carisma suficiente para sostenerle un plano a Dios en Indy4. ´

Debo reconocer que me lo pasé bien viéndola, hay algunas películas que son tan deliciosamente espantosas que uno no puede evitar divertirse. Pero días después han pasado dos cosas.

1)No paro de leer críticas donde se comenta que la película está guay anque el guión sea un poco malo porque "éste cine es así" "Uno sabe lo que va a haber".
2)Ayer vi Abyss.

Abyss, como sabéis es una jodida obra maestra que yo ví pro primera vez con diez u once años. Es decir, era un niño. Y me apasionó y ayer la vi y pensaba "Pero... Este guión es la leche", pero no solo es la leche porque el ritmo sea brutal, los personajes interesantes, complejos, fuertes, tengan más de veinte años y no vayan en tanga por la vida, etc. Es que el final de Abyss son casi diez minutos de un tío solo en una fosa abisal y su ex-mujer hablando con él a través de un micro. Si, luego salen los marcianos y tal, pero el nudo dramático es ese. Un tío sólo en un abismo y su ex hablando con él. Dos primeros planos y a tomar por culo. Insisto. La vi con DIEZ AÑOS. Era un niño y flipe.

O sea, que el cine de entretenimento y el cine "para niños" tiene que tener guiones chulos, personajes complejos, etc. Los niños no son adultos gilipoyas, sino niños. Tienen que poderse fascinar al igual que los adultos.

Transformers es una basura de tal calibre, que un personajr tan aparentemente carismático como Optimus Prime queda como un llorica suelta chapas. Lamentable a todos los niveles.

Aquí spoilers

Actualizando cine: Bajo las Estrellas y Ocean´s Thirteen

Hace unas semanas que voy poco al cine. A pesar de ello he tenido la oportunidad de ver algunas películas y como se me amontonan voy a hacer un breve comentario sobre ellas.

Bajo Las Estrellas Es el estreno en la dirección de largos de Felix Viscarret. Aunque me pareció que la película tenía algún problema de ritmo, hay que reconocer que tanto la fáctura técnica, como los diálogos y las interpretaciones son excelentes. Mención especial para Alberto San Juan que, directamente, se sale. Cuando hay gente que cuenta las cosas mejor que uno lo mejor es citarles-. Básicamente, coincido con la crítica del Guionista Hastiado

Oceans Thirteen En mi opinión, la peor de las tres películas de la saga Ocean. Una historia de lo más simplista contada de forma aparentemente compleja. Los trucos utilizados en las anteriores aquí aparecen esclerotizados y el tono cool ha dejado paso a una socarronería sin demasiada gracia. Además tiene la bochornosa secuencia de Ellen Barkin y las feromonas, que es- tristemente- difícil de olvidar.

El Violín- Los Olvidados empuñan las armas y cantan canciones de amor

Francisco Vargas Quevedo firma esta cinta entre la fotografía expresiva del Buñuel de Los Olvidados y la poética del movimiento zapatista. Casi un tratado aontrologico lleno de primeros planos, rostros endurecidos, manos, ojos grandes y curiosos. El violín es una historia escrita con la intención de mostrar un tiempo otro. El tiempo de la espera y el proceso. Es la rebelión mexicana llevada a cabo por los indígenas, pero no la de los Altos de Chiapas del 94, sino la de la silenciosa guerra contra el olvido que enarbolan desde hace 500 años. El tiempo del silencio, de la espera, de la paciencia y la muerte. Acosados por paramilitares y aún así rebeldes, organizados.

La historia no podría ser más sencilla. Mientras el hijo de Don Plutarco, su nieto y el propio Don se encuentra desplazados de su pueblo por los militares. El Hijo de Don Plutarco colabora con La Guerrilla, pero al llegar los militares no ha podido sacar el arsenal de armas que guardan para organizar su revuelta. Don Plutarco elabora un sencillo plan, con su violín como protagonista para ayudar a su hijo, mientras le cuenta historias a su nieto y le prepara para el futuro.

Una sencilla trama de intriga para acompañar el retrato de esa espera. De ese ir y venir confiando en las sombras de las montañas. Un tiempo alejado del evento y los fuegos artificiales: Otro cine. Otra mirada.

Devo decir que el final me pareció un pelín ideológico. No por falto de realismo, sino por la sensación de fatalismo irrenunciable que contrasta un poco con el magnifico tono de rebeldía que impregna la película.

Si vais a verla (A mi me gustó mucho) os recomiendo que entréis en el tiempo de la película y escapéis de banalidades como "es lenta" o "no pasa nada".

Por cierto, Vargas firma su opera prima con esta película. Gran Debut.

Half Nelson: El fin de la exterioridad

Huyendo de la furia electoral y el recuento futbolero del minuto a minuto, ayer por la tarde corrí a refugiarme en un cine. La noche del viernes había recibido una intempestiva llamada a las dos de la madrugada de mi compañero habitual de faenas guionisticas para indicarme que debía ir sin falta a ver Half Nelson. No reordaba un extado de excitación tal desde que estrenaron 21 Gramos. Así que mi cita del domingo con el cine quedó sellada el viernes.

Half Nelson es una película de profesores y por tanto de pedagogía. Todos los años se estrenan dos o tres películas de este tipo, la anterior que recuerdo decente es "Hoy Empieza Todo" de Tavernier. El resto suele ser, basicamente, basura reaccionaria. Películas que producen una relación exterior entre el profesor y los alumnos partiendo de que el profesor tiene un conocimiento o una ética que puede imprimirle a los alumnos. El componente racista suele ser habitual (Salvadores blancos de niños negros) y el militarista tampoco anda cojo (Críos que necesitan disciplina) En el lado progre tenemos la afición por las artes "la música salva a los niños" "Si sacan lo mejor de su corazón", etc. Half Nelson es una hostia en la cara a las distintas variantes. Una hostia llena de heroína.

La premisa es fascinante: ¿Qué tiene que enseñarle un profesor adicto al Crack a sus alumnos? ¿Cómo puede salvar del tráfico de drogas que impera en el barrio un consumidor habitual? ¿Cómo puede un traficante de droga prevenir a una cría de que no ande con yonquis?

El desarrollo es más fascinante si cabe porque destruída la exterioridad moral para juzgar lo que es bueno y lo que no, asumida la imposibilidad de situarte "fuera de la situación" empieza la auténtica pedagogía en la que el profesor también aprende a la vez que enseña. En la que lo importante son los principios que alimentan los proceso y no las fechas y los nombres.

Ryan Goslin encarna a éste profesor dolorosamente consciente de sus actos e incapaz de escapar a ellos con una serenida apabullante. Una de las mejores interpretaciones que he visto en muchísimo tiempo.

De fondo, en destellos apasionantes, una crítica brutal a la generación Vietnam y al espectro sociológico del votante "demócrata y Anti Bush" (Aterradora la secuencia de Goslin cenando con su familia) A la desesperación racional de quién conoce las causas y las consecuencias y un final maravilloso que consigue que la dureza seca que impregna toda la película tenga una salida no ideológica (El fatalismo izquierdista que tanto impera en el cine comprometido) y satisfactoria, en su dureza.

Con una música, un guión y una interpretaciones de hierro, amen de un estilo sencillo, realista y con un punto lírico en la realización, Half Nelson es una de las películas más interesantes del año.

Piratas del Caribe 3: Sigue el barroco posmoderno

No es casualidad que Orlando Bloom no salga en la foto.

Verbinski, que se ha esforzado a lo largo de su carrera en que no le confundamos con un autor, se sitúa más allá de la posición que ocuparon Spielberg y Lucas: ya no hay atisbo de nostalgia por un cine ya imposible, sino dinamismo perpetuo y voluntad de aturdir. Tampoco hay una recreación sintética del viejo espíritu del serial de aventuras: tan sólo una lógica de video-juego que, entre otras cosas, sustituye la muerte por una suerte de eterno retorno digital (de personajes, ideas y situaciones) Jordi Costa enEl País

Empiezo mi crítica con las palabra de jordi Costa porque incluso antes de ver la película ya me habían parecido interesantes. En el post extendido van mis comentarios, sin grandes spoilers pero con alguna cosilla que quizás no quieras leer si no has visto la película. Por cierto, ¿que os ha parecido el cross over con la Primera de Harry Potter?

Zodiac- La vida no tiene pautas.

Fuí el viernes a ver dos películas. De la primera hablaré digamos que mañanam se llamaba "El Violin" (digamos que esto es un teaser artículo del de mañana) La segunda se llamaba Zodiac. Para que contextualicen mis palabras debo decir que me gustan todas las películas dirigidas por David Fincher y que considero "Seven" y "El Club de Lucha" cosas extremadamente importantes en la historia del cine y en la historia en general. Que "The Game" me parece en cualquier caso cojonuda y que "La habitación del Pánico" me gustóbastante. Alien 3 casi no la recuerdo, decir que me parece la peor de las cuatro no quiere decir nada porque las otras tres me parecen obras maestras de tres maestros de la historia del cine y que cada uno de ellos tiene al menos una película entre mis favoritas sino más (Titanic, Amelie, Blade Runner, por ejemplo)

Otro consejo, no leais las críticas sobre Zodiac que encontrarán en los periódicos porque les van a joder la película. No dejeis que las espectativas os destrocen la película (Esto que escribo también podéis pasar de leerlo)

¿Que más? Fui a ver Zodiac con otras tres personas, al menos a dos de ellas no les terminó de convencer, la tercera se mostró apática. Y una de la tres considera que "El Club de la Lucha" es una de las mejores películas de la galaxia conocida.

En cuanto a mi... Me pareció un peliculón. Entiendo que haya mucha gente a la que no le guste, pero creo que los motivos por los que a la gente no les gusta son los motivos por los que me encantó. El problema no es de la gente, sino de la industría. Digamos que el propio Fincher puso el cine de psicópatas en el centro de la industria y desde entonces todo el mundo juega a ser John Doe, sin éxito. Las paustas están marcadas y hay cosas que no se puede hacer en una películas de psicópatas y otras cosas que no se pueden hacer en una película en general.

Las películas de psicoptas van sobre el psicópata, no sobre la gente que lo persigue.
Podemos aceptar una película en la no se coja al psicópata e incluso podemos aceptar que vamos a ver la película sobre el psicópata al que nunca pillaron, pero la industria nos ha enseñado que eso significa que en un momento decisivo de la historia, cuando los policías tienen pillado al psicópata él hara algo sorprendente que nos dejará boqueabiertos y saldrá de la situación. En Zodiac no pasa eso. No hay ni una carrera, ni un tiroteo, nada. Y dura alegremente tres horas.

Supongo que podrían haberla recortado un poco, pero no soy capaz de identificar qué le sobra.

Pero lo más importante de todo, si hay una pista clave en la historia debe aparecer en el momento justo gracias al talento de los investigadores o la pericia deduciendo códigos de geek de turno. Si hay un personaje importante no puede salir en la película tres minutitos, despacharte después conque "ha desaparecido" y darle una secuencia clave al final para que todo el mundo se pregunte ¿Y ésto porque no lo han hecho hace dos horas?... Salvo que...

Salvo que la historia que cuentas va justo de eso, de que "hace dos horas" ese personaje no estaba donde debía. Que las pistas no solo no son concluyentes sino que casi aparecen por el deseo del que las bsuca de darle un sentido a su búsqueda. Porque en la película se elaboran al menos tres teorías sobre la identidad de Zodiac y es difícil saber cuál es más creíble. Si, hay una que nos parece más creíble, pero solo porque está al final de la película y nos gusta que las películas saquen conclusiones, nos deja tranquilos, pero es que el cine de Fincher mola por no dejarnos tranquilos, por hacernos preguntas desasosegantes sobre la falta de sentido, sobre el mal, sobre la falsa sensación de seguridad o sobre mecanismo de defensa de nuestras vidas que son más prisiones que otra cosa.

Y las preguntas de Zodiac son magníficas. Por ejemplo, ¿por qué nos obsesionamos con una persona que ha asesinado a nueve personas, cuando en nuestras calles mueren decenas cada día? ¿Es el mal y el terror que nos produce un mecanismo para darle sentido a nuestras vidas?

¡Es que ni siquiera las motivaciones de los personajes están explicitadas! ¿Por qué un caricaturista de un periódico quiere cazar y ponerse en peligro por ello a un psicópata que puede incluso no existir?

Fascinante.

Dicho ésto, las secuencias de los asesinatos son devastadoras, la ambientación y la música de mear y no echar gota, las interpretaciones tres cuartas de lo mismo (Lo de Mark Ruffalo y Robert Downey Junior es más que tremendo) y la realización de Fincher es... como siempre, la hostia.

El único defecto que le veo son los largos textos que cierran la historia. Quizás una neutra voz en off hubieran ayudado a seguirlos, porque dan pistas muy importantes para entender la historia.

El Buen Pastor: A la emoción por la "sustracción"

Mucha gente cuyo criterio cinematográfico estimo, incluyendo la mayor parte de los editores de blogdecine me habian llevado a plantearme si merecía la pena o no ver "El Buen Pastor" La segunda película como director de Robert De Niro. Sin embargo, al viernes me dije "que coño, lo peor que puede pasar es que sea aburrida, pues me duermo".

El Buen Pastor, es verdad, es larga. Quizás demasiado larga. Es posible que se le puedan quitar veinte minutos, aunque no creo que la sensación de pesadez que inhunda a una parte del público que ve la película tenga que ver con la duración de la misma, sino con su tempo. El Buen Pastor es lenta y lacónica. Le pasa algo parecido a lo que le pasaba (o a mi me pasaba) con El Hombre Que Nunca Estuvo Allí, de los Hermanos Coen. Es casi una versión política y complejísima de El Hombre Que Nunca Estuvo Allí, sólo que el "el hombre en cuestión" casi siempre está allí y ese "estar allí" es nada menos que contar la guerra fría a través de los fríos ojos de un Matt Damon en estado de gracia absoluto.

En El Buen Pastor hay más cine interesante (por muy lento que sea) que en buena parte de las películas estrenadas el pasado año. De Niro construye una película de espías sin una sola carrera, tiroteo, bombardeo (bueno, hay un bombardeo, pero es de langostas) Y consigue mantener el interés en un momento en el que el cine es pura adrenalina. Solo por eso merece la pena echarle un vistazo.

De Niro narra en su película el periódo de formación de la CIA enmarcandola en dos momentos muy importantes para "La Agencia". Su nacimiento- ligado a la clase alta intelectual blanca, profundamente racista y protestante que se siente representante de la "auténtica américa" (Dejando fuera- como bien se explica en la antológica secuencia con el no menos antológico Joe Pesci- a negros, italianos, judios... Y últimamente a asiáticos, árabes, hispanos, etc.) Y su primera gran derrota en Bahia de Cochinos- cuba. Cualquiera que sepa un poco de la historia posterior de la CIA, sabe que lo siguiente que hizo "La Agencia" para preservar "la democracia" fue organizar el asesinato del presidente Kennedy. Es decir, dar un golpe de Estado.

De Niro no cuenta la historia de "esa CIA" que tanto hemos visto en el cine, sino de la que se dedicó durante los años cuarenta a aprender criptografía con los ingleses y luchar contra los nazis y en los cincuenta y sesenta a hacer la tercera guerra mundial con la Unión Soviética.

Para un amante de las historias de espías de estilo reposado (o sea, las realistas) Está película es un bombón: Oficina, lectura de informes, códigos secretos, rivales con los que se tiene más confianza que con los propios superiores, traiciones constantes, trampas, más códigos, etc. El enfrentamiento de "Madre" y "Ulises", dos personajes sin patría, funcionarios grises y desapasionados, herramientas de matar de regímenes que aparecen como homologos está contado con una sobriedad propia de "El Padrino".

De fondo hay una historia que latía de manera más intensa en "Una Historia del Bronx" Una historia de padres e hijos y de buscar referentes, con una Angelina Jolie espectacular (En todos los sentidos- aunque casi demasiado espectacular físicamente) y una forma de engarzar la historia política con la personal, efectiva, aunque quizás más tópica.

La fotografía y la planificación son de las que habría que dar en las escuelas y la interpretación de Alec Baldwin y William Hurt es también de quitarse el sombrero.

Que sí, que se hace un poco larga, pero para mi sigue siendo un peliculón.

Grindhouse: Rodriguez y Tarantino hacen de las suyas.

Grindhouse es al cine lo que el Sandinista de The Clash a la música. Un triple Long Play a precio de sencillo. Dos películas por el precio de una. Y mucho más. Tanto es así que parece que la todopoderosa Miramax va a partirlas por la mitad para su venta internacional y es posible que incluso lo hagan igual en Estados Unidos tras unas semanas de estreno sin el éxito esperado.

300 quedará para la historia como la película de entretenimiento del año (La Historia se escribe mucho antes del estreno de las películas) Pero para quién ésto escribe el auténtico ejercicio de posmodernidad, creatividad desbordante, bien cine comercial y pulso narrativo lo tienen las dos piezas que componen éste homenaje al cine de serie "z": Películas de terror de bajo presupuesto, cine de artes marciales, etc. Un género que conozco poco y sobre el que no voy a externder.

Por otro lado, no nos engañemos. Grindhouse son dos películas. Las dos comparten algún personaje y alguna localización, pero si unión es meramente formal. Si nos contaran que se han ideado como dos películas independientes nos lo creeríamos sin pestañear. Su punto de unión es el universo fílmico que comparten. Su territorio simbólico y eso, evidentemente, es lo importante. Así que no caben comparaciones entre ambas.

Además de las dos películas, Grindhouse se presenta con cuatro cortometrajes de falsas películas a cual más bizarro (Con el de Eli Roth a la cabeza) De éstos, me quedo con el de Machete. El que desarrolla la historia aparentemente más entretenida. Entre otras cosas, porque contiene una de las mejores frases de la película: "Jodieron al mexicano equivocado".

Planet Terror
Robert Rodriguez es un genio de los formatos. Sus historias pueden no ser muy interesantes, pero tiene una capacidad visual impresionante y un sentido del ritmo que te deja seco (El Montaje de la película, así como la fotografía, son suyos también). En esta ocasión, pone todo su talento al servicio de un género o sub género. El de las películas de zombies. Rodriguez atiende no solo a su historia sino, sobre todo, a la copia y mejora de un formato determinado incluyendo en el mismo una serie de arquetipos que se desarrollan de forma autoconsicente en pantalla, buscando de forma permanente la complicidad del espectador. La películas es premeditadamente mala. Los diálogos macarras son premeditadamente macarras. La acción es premeditadamente exagerada (Incluyendo una secuencia espeluznante- y a la vez divertidísima- protagonizada por el hijo del propio Robert Rodriguez)

La aproximación al formato incluye un "afeamiento" (También premeditado) de todo el metraje, con virados de color, zonas casi quemadas de luz y una fotografía aparentemente poco cuidada. El guión es un crescendo de situaciones violentas y personajes extremos donde prima el macarreo. Todos los personajes son duros y crepusculares, pura pose. Lo cual hace sus interpretaciones mucho más divertidas. Las conversaciones entre la bellísima Rose McGowan y su ex-novio "nunca fallo con una pistola" son de traca.

Premeditación, exageración, parodia y homenaje a la vez. Planet Terror cuenta la historia de un pueblo que se encuentra demasiado cerca del típico cuartel militar con la típica radiación tóxica. El resultado de la "aproximación" es una cantidad desorbitada de zombies campando a sus anchas por el pueblecillo. Tiros por doquier, gore y casquería de la buena. Alguna secuencia es desagradable, así que ojo los estómagos delicados.

Death Proof
Tarantino es el puto amo. Si hay algo que no diría del cine de serie "b" es que, a priori, sea especialmente feminista, ¿no? Pues bien, la primera en la frente. Death Proof es la película más feminista que se ha visto en los últimos... dos años (Es posible que la anterior fuera Kill Bill II). ¿Seguimos?

¿Recuerdan el fragmento de Four Rooms dirigido por Tarantino, ese de la apuesta de los dedos y los mecheros y Un Hombre en Rio? Death Proof comparte el mecanismo narrativo de esa historia y gracias a ésta película he aprendido algo sobre los guiones de Tarantino y los guiones en general. Tarantino es un maestro de la emoción. Consiguió que la sala en la que estaba viendo la película chillara de gozo (literalmente, la gente aplaudía, daba voces, levantaba los brazos...) en los últimos 20 minutos de película.

Death Proof no tiene nada que ver desde el punto de vista argumental con Planet Terror. Su primera media hora es una sucesión de canciones excelentes y mujeres bellísimas teniendo conversaciones "marca de la casa". El motivo es que Tarantino sabe- como Hitchcock sabía cuando estrenó Los Pajaros- que el público entra en la sala con exceso de información y sabe que va a ver una película de un tipo determinado, con lo que cuanto más tarda en empezar la película que el público ha venido a ver, más tensión genera. Desde el primer plano vemos intacta la capacidad de composición del plano de Tarantino. El resto es un ejercicio de seducción de la cámara con largos planos relentizados usando la steadycam. Todo eso mezclado con la imponente mirada de un Kurt Russell en estado de gracia y haciendo uno de los papeles más autoparódicos de su carrera.

La cinta de Tarantino se divide claramente en dos parte, siendo la segunda un prodigio de planificación, rodaje y tensión con una secuencia de acción de las de cortar la respiración. Aunque de toda la película me quedo con un plano secuencia de tres mujeres (Incluyendo a la magnífica Rosario Dawson) hablando en una cafetería durante seis minutos, sin parar, que es una gozada de no creerselo.

No quiero dar más detalles sobre el argumento, que aquí aún no la han estrenado. De lujo.

300: La posmodernidad a Gran Escala

Hay gente que hace películas que son como catedrales. Inmensas, inabarcable. Películas que hacen que uno se sienta pequeño e insignificante. Películas que arrastran todo a su paso como un gran tsunami. No sé si 300 es una de esas películas, pero creo que está hecha con esa intención.

Reconzco que debe ser un coñazo enorme ir conmigo al cine en los últimos tiempos. Me preocupa que me esté volviendo un tocahuevos. Un pesado que no disfruta de las cosas. Un memo cerebral. Luego reconzco que me sigo riendo con las películas que me hacen gracia, me sigo emocionando con las que me emocionan, etc. Sigo gozando en el cine. Pero voy a ver 300 y me digo "a ver, esta película debería gustarte" Y nada. A ver, no es que no me guste. Me entretiene, pero no paro de verle las intenciones y mi cerebro va a mil por hora. De ahí lo de que sea un coñazo. Hay como un filtro entre la pantalla y las tripas y es un filtro muy preciso.

Debo reconocer que 300 me ha gustado mucho más que Sin City ya que, al menos, los planos tenía profundidad, la realización estaba cuidada y la posproducción no se lo comía absolutamente todo.

En éste caso, más que una copia estricta hay una adaptación más o menos trabajada, pero la verdad es que todos los añadidos me han parecido horrorosos. La trama de la mujer de Leonidas es tontísima y repetitiva y la parte del arbol de cadaveres realizado por los malvados persas (Que malos que son, por cierto) no tienen ningún sentido y sólo sirve para retrasar un poquito la llegada a las termópilas. A parte de eso, hay que reconocer que la fidelidad al original es notable, pero algo ha cambiado.

300 es un cómic, es manejable. Te lo puedes llevar a casa, leerlo y disfrutarlo. Es violento, está muy bien planíficado y cuenta una historia de sacrificia que, aunque es de lo más fachilla, tiene épica y funciona muy bien. La película es demasiado. Es inmanejable. Es el barroco de la posmodernidad. La crísis del modelo. En el tebeo los persas son mercancias accesorias. Dan igual. Aquí es realmente vergonzoso lo que llegan a hacer con ellos. Los niegan. Desaparecen de la película. Se les niega su condición de realidad: O son masa a punto de morir, o son figuras sin rostro (Y hasta ahí es como en el cómic) o son deformes seres mutantes con brazos como sierras y monstruos gigantes (Y ahí ya estamos en el pasote videoclipero) Lo malo es que de por medio desaparece la épica. Lo malo es que de por medio la hazaña de Leónidas pierde fuerza.

Pero creo que si la hubiera visto con diez años menos estaría flipando. O quizás no, yo que sé.

Pd.- La razón por la que Jerges es una drag queen enloquecida y su tienda de campaña una especie de palacio homoerótico decadente se me escapan por completo.

Lo peor de todo es que ahora ya estoy casi convencido de que Snyder no está preparado para dirigir una adaptación de Watchmen (Si es que alguien lo está. Que tengo mis dudas) Espero equivocarme, pero prefería mil veces a Paul Greengrass.

Tristan Shandy: La posmodernidad a pequeña escala

Hay gente que hace películas que son como catedrales (Hace poco que vi 300) y hay gente que hace pequeños refugios. Michael Winterbotton puede que no haga pequeños refugios fílmicos, pero desde luego no hace catedrales. Puede estrenar una película solvente y original al año y consigue ser de las cosas más interesantes del mismo día sí, día no. No siempre acierta, pero esa es la clave de su cine. El riesgo. Me atrevería a decir que ni siquiera es el riesgo, sino la libertad. El Cine le parece algo tan pegado a su vida que no lo considera algo trascendente y terriblemente importante, con lo que puede tomárselo como un juego. El Juego de una mente inteligente. Así puede hacer películas geniales y muy diferentes año tras año. Que a veces se pasa de listo, sin duda. Pero en seguida aparece su siguiente película y te está contando una historia distinta cada vez. Y lo mejor es que nunca da sensación de improvisación (en el mal sentido. En el sentido descuidado) Al contrario, parece un niño jugando.

El Juego, amigos, eso es lo más importante.

Tristan Shandy es la adaptación de un libro que no he leído, pero del qué conseguí algunos datos antes de irme a ver la película: "Tiene nueve volúmenes", "la mayor parte de él son disgresiones sobre el propio arte de narrar", "tarda muchísimo en contar un simple parto" y "tiene una fina ironía" son algunas de las noticias que tengo del mismo. La película es, en ese sentido, una adaptación de lo más fiél a su espíritu. Un ejercicio de metalenguaje de lo más inteligente.

A medio camino entre película de época y reflexión sobre el cine dentro cine. La película resulta a la vez, cínica, tierna y muy divertida. El combate por el protagonismo de su actor protagonista y la reflexión sobre la paternidad están narradas con una gran solvencia. Nunca te aburres (O yo al menos no me aburrí) Una anécdota que nunca termina que contarse, una batalla que nunca termina de verse y unos planes que nunca salen como uno esperaría. Parece que ese es el sentido general de la propuesta. Hablar de la vida hablando de un rodaje. Todo y nada.

Hay un momento en el que uno de los personajes dice "Sólo es una película divertida" y nos vamos a un primer plano de otro qué dice "¿y qué?" "¿Cual es el problema?" Pues eso.

Cartas desde Iwo Jima- El Heroísmo y el punto de vista

Hace unos años era imposible ver una película americana en la que los japoneses no fueran unos estupidos avanzados tecnológicamente cuyo único objetivo era hundir a los USA. La cosa era tan chusca que el personaje se convirtió en un arquetico del americano paranoíco que tan bien retrató Joe Dante en los Gremlins con aquel veterano de guerra entrañable, pero completamente loco. Señalo ésto para indicar que el punto de partida de la última película de Clint Eastwood es un triple salto mortal si se tiene en cuenta la cinematografía reciente de su país. Contar la toma américana de Iwo Jima desde el punto de vista japones implica acercarse al enemigo desde su punto de vista. Una proeza que merece respeto desde su mismo punto de partida. Pero es que además la película es buenísima.

Si en Banderas de Nuestros Padres veíamos a unos jóvenes militares norteamericanos que terminaban por encontrar como única patria a sus compañeros de guerra ante las manipulaciones de políticos y otros burócratas, aquí asistimos al retrato individualizado de varios personajes singulares atravesados por el acontecimiento Iwo Jima. El General que lidera la batalla japonesa y un panadero obligado a servir el ejercito del imperio contra su voluntad son las dos caras de un mismo rostro. La valentía y la cobardía. La servidumbre hortodoxa a un ideal superior y la rebelión heterodoxa de imponer un criterio propio. La imposición de valores trascendentes (patria, nación, imperio, etc) y sus consecuencias sobre miles de soldados cegados por el heroísmo o atravesados por la cobardía. Como en muchas películas de éste tipo cada personaje descurbirá en si mismo su contrario: El valiente será un cobarde, el heroíco huirá a la primera de cambio, etc. Pero Eastwood se las arregla (a través de un magnífico guión) para componer un relato humano de cada personaje.

Ken Watanabe compone un maravilloso personaje con los mimbres del general Kuribayasi. Un hombre que no quiere aceptar que sus hombres se suiciden en combate, que prefiere replegarse a morir. Un personaje heterodoxo y representante de una dignidad increíble. Memorable es la secuencia en la que le preguntan si mataría a un soldado americano con el que está cenando en caso de estallar la guerra y él responde que espera no tener que tomar esa decisión porque, por supuesto, tendría que hacerlo.

Eastwood filma Cartas con unos tonos apagados cada vez más oscuros, como una pesadilla psicológica atravesada por la bombas. En una de las secuencias más brutales del cine de los últimos años un grupo de soldados japoneses se revienta la tripas con granadas ante la posibilidad de rendirse en un crecendo dramático de poner los pelos de punta.

Complejidad, inteligencia, matices. Narración contenida (La música vuelve a ser una maravilla) Un gozada, vamos.

The Host ese pequeño detalle: El guión

A mucha gente inteligente, conocedora del mundo del cine y con más de dos dedos de frente, The Host les ha parecido una gran película. Destacan de ella la originalidad de su argumento, su capacidad crítica, su rítmo, su capacidad para mezclar distintos géneros en una sola pelícual y a veces en un solo plano, etc. Son gente seria. Hagánles (al menos) tanto caso como a mi.

Porque a mi no me ha gustado The Host. No me ha gustado lo que es nada. Y lo peor es que me ha parecido una tomadura de pelo mayúscula. El mótivo principal es que tiene un guión que no hay por donde cogerlo.

Como probablemente sepáis The Host renuncia a las tinieblas y muestra a su monstruo con todas las de la ley desde el principio. Parece ser que ésto es una gran novedad del género. ¿No pasa lo mismo en Tiburón? Sí, ya sé que en Tiburón sale el monstruo de manera figurada (con unas maderas que se mueven, unos tablones que se hunden, un niño que desaparece de pronto) Pero sale. La emoción y la tensión se construyen por la amenaza, no por el miedo a los desconocido. ¿No? ¿Así que cual es la diferencia? Pues que en Tiburón el mecanismo narrativo es intuitivo y sugerente. Aquí lo que tenemos es el híperrealismo CGI apabullante. El resultado (la emoción) puede ser similar, pero el proceso es completamente distinto. Toda la película funciona como este mecanismo. El proceso no importa y la credibilidad concreta tampoco. Lo importante es el efecto. Le emoción debe crearse a costa de lo que sea y eso incluye la credibilidad de la propia historia,

A partir de aquí hay spoilers

Paris J'taime: El amor y sus distritos

Paris J'taime es una película coral compuesta de 18 películas pequeñas. Una iniciativa que debería repetirse una o dos veces al año (o más) como las buenas recopilaciones de relatos cortos. Por cierto, Sherlock Holmes meets Lovecraft es mi última adquisición. El título es "Sombras sobre Baker Street" y pinta muy bien. Pero no nos desbiemos del tema. El caso es que los productores de Amelie han juntado a 18 directores de todo el mundo y les han dejado hacer lo que les ha dado la gana siempre que lo hicieran en París y que la temática de fondo sea el amor. El resultado es un maravilloso souflé de sabores diferentes pero bien compenetrados.

Lo mejor que se puede decir de Paris J'taime es que se hace corta. La película y sus piezas indiivudales. Que las piezas duren apenas cinco minutos es magnífico porque cuando una no te gusta no te da tiempo a aburrirte, ya casi estás en la siguiente. Me ha sorprendido la enorme variedad de lenguajes y propuestas en torno al amor que han surgido y debo decir que de los 18 cortos hay 15 que me parecen potables y tres infumables. De los 15 potables hay Seis o siete que están muy bien y uno que es una maravilla casi imposible de creer.

Entre mis seis o siete diría: El de los hermanos Coen, el de Alexander Payne (que ha hecho que me reconcilie con un director que no me gusta mucho- aunque no he visto Entre Copas) El de Isabel Coixet, el de Walter Salles, el de Gerard Depardieu, El de Emmanuel Benbihy y algún otro. Un detalle sorprendente (o quizás no tanto) es que un par de los cortometrajes norteamericano toman el punto de vista de un turista en su relación con la ciudad.

Una cosa que se echa de menos es que la ciudad como tal solo es protagonista de alguno de los fragmentos. Otros, aunque muy interesantes, podrían suceder casi en cualquier parte.

Es muy, muy recomendable echarle un vistazo.

De profundis- Miguelanxo Prado

El dibujante gallego Miguelanxo Prado me era completamente desconocido hasta que dibujó el capítulo dedicado a Sandman del libro de Neil Gaiman Noches Eternas. El capítulo fué uno de los que más me gustó y el dibujo era excelente, personal y un punto infantil que me gustaba mucho. Hace un par de semana fuí a ver la primera película de Prado: De Profundis. Una de esas películas que solo se disfrutan completamente si uno las vez en el cine.

De profundis cuenta una sencilla y bella historia narrada a través de imágenes con leves movimientos de animación que se van engarzando a través de fundidos encadenados. La música es maravillosa. Una de las bandas sonoras que hay que tener. Y los dibujos de Prado así como las sencillisima animaciones que los acompañan son una delicia. La historia es algo simple y a veces un tanto reiterativa, pero es una delicia para los sentidos. Una exploración del fondo marino acompañando a un marinero ahogado mientras su mujer espera un regreso imposible es una magnífica mansión situada en una isla minúscula

Lenny: El dolor y la rabia

Bob Fosse dirigió pocas películas a lo largo de su vida, pero todas son prodigiosas: Cabaret, All That Jazz y Lenny son lo mejor de su escasa filmografía.

Lenny es un biopic que narra la vida del mítico cómico Lenny Bruce, magistralmente interpretado por Dustin Hoffman. La película tiene un ritmo y una fuerza narrativa apabullante. Sus imágenes en un blanco y negro caso expresionista nos sumergen en un mundo atormentado y rabioso, lenguaraz y desvergonzado. El mundo de Bruce. La pelíucla nos habla de la relación del cómico con su esposa y con la heroína (Hay una secuencia de siete minutos en plano fijo con Hoffman intepretando un monólogo puesto de caballo que es para no creersela) Pero sobre todo de su lucha salvaje contra la doble moral de los conservadores en Estados Unidos que mientras mandaban a miles de personas a morir y matar, se ofendían si escuchaban a alguien decir "mámada" o "me gusta como mi novia me come el coño".

Bruce destruye los lugares comunes del lenguaje utilizando el humor y Fosse coreografía su vida con una inteligencia pavorosa. Usando al propia voz de Bruce como contrapunto a las imágenes.

Auténtico cine. De una dureza que ahora es muy raro ver en pantalla. Sin caer en el feísmo gratuíto. Como una crónica social del nuevo periodismo gonzo mezclado con el expresionismo aleman y las fotografías de siniestros que llevaban los tabloídes a finales de los años cincuenta.

Viéndola pensaba en cuales serían los lugares comunes del pensamiento políticamente correcto,¿cuales son los puntos oscuros que habría que atacar hoy? No es una mala pregunta.

Aquí os dejo unos videos del auténtico Lenny Bruce

La Ciencia del Sueño: Amor analógico

Las películas inolvidables lo son gracias al azar, principalmente. Las buenas, por el contrario, se basan en otros elementos que, de alguna manera, son más controlables. Normalmente (aunque no siempre) las películas inolvidables son también buenas películas. Quizás por eso hay que intentar hacer buenas películas sabiendo que el azar determinará muchas cosas. Olvidate de Mi es una película inolvidable, mientras que La Ciencia del sueño es una película que podría ser mejor si uno de los elementos de la misma: El guión. Fuera un poco distinto. El único problema que tiene La ciencia del Sueño es que cuenta una historia que no evoluciona. El personaje protagonista es exactamente igual al principio de la película que al final y eso genera una cierta sensación de repetición en lo que va sucediendo que al final lastra la película un poco. En realidad, parece que el guión es una linea muy fina sobre la cual deplegar un ejercicio de producción de imágenes maravilloso.

Una de las cosas que más me han gustado de la película es su concepción análogica de la puesta en escena. Siendo una película llena de efectos especiales y recreación de mundos, están expuestos de manera completamente verosimil y ligando los objetos a un mundo expresivo muy sensitivo, blando. Un mundo lleno de terciopelos, cartón, cortinas, telas de todo tipo. Es como la portada de esos discos de pop electroacústico.

La ciencia del sueño cuenta una historia de amor analógica en tiempos virtuales. Una historia en la que la imaginación es tanto refugio como expresión constante de los límites para relacionarse con la realidad, hasta el punto de que la imaginación como "fuga de la realidad" nos desvuelve un espejo tenebroso de aislamiento e incapacidad de relación que Gael García Bernal expresa a las mil maravillas.

Gondry construye un artefacto emocional y sensitivo, pero falla un poco con la historia detrás del relato. Aunque yo habría estado dos horas más en el cine viendo a Charlotte Geinsbourg sin despeinarme: Esta elegante, encantadora, dulce y atractivísima.

Para seguir poniéndome pop: Una película para ver en DVD con cigarros a medio terminar y mantita un día de lluvia.

Little Miss Sunshine

Michael Arndt ha escrito la comedia más lucida, tierna, crítica y maravillosa del hollywood del último año. Su anterior guión es la menos redonda, pero también bastante potable "Adictos al amor" (donde se pronuncia la mítica frase "Voy a violar tu craneo").

Pequeña Miss Sunshine es una hostia en la cara al mundo de las apariencias, al mundo del éxito, la terapia y la competitividad neoliberal. Es una descarga de realidad en un mundo de falsas apariencias. Y encima es divertida. Y además sus protagonistas están estupendos sin excepción.

Una familia disfuncional (¿acaso existe alguna funcional?) se dirige en una cochambrosa furgoneta amarilla a un concurso de misses infantiles al que se ha suscrito la hija pequeña y al que ha sido seleccionada porque la ganadora ha tenido un problema de salud. La furgoneta resulta una metáfora perfecta de la propia familia, de sus diferentes maneras de abordar el fracaso y de rebelarse al mismo.

La historia nos va desvelando los motivos, pequeñas miserias y recovecos de cada uno de los personajes con sentido del humor y mucha ternura. Muchas veces sin palabras, consiguen transmitir una sensación de cariño real, de protección, de ayuda mucho mejor que ningún terapeuta del mundo.

La américa de Goerge W. Bush puesta sobre la mesa sin misificaciones nacionales, disparando contra la corrección política y la falsa moral en una secuencia final antológica.

No os la perdáis.

The Prestige: El final del Truco

Hay muchas razones para ir a ver The Prestige (Mal traducida por aquí como "El Truco Final". En todo caso debería ser "El final del Truco") Voy a enumerar algunas.

1) Su director y guionista: Christopher Nolan. Una de las voces más interesantes del cine del Siglo XXI. Sus historias son obsesivas, están rodadas con garra y mucho ritmo y a la vez son entretenidas. Dos ejemplos: Menento y Batman Begins

2)Sus protagonistas: Todos absolutamente excelentes. Christian Bale y Hugh Hackman como la pareja de magos enfrentada, celosa y condenada por su obsesión (que a la vez es fuente de su creatividad) Scarlett Johannson como la ayudante sensual y enamoradiza y Michael Cane como el mentor de moral ambigua. Si a eso le unimos la breve, pero poderosa, presencia de Andy Serkins y David Bowie, no hay excusas.

3)La historia que cuenta: La rivalidad (bien justificada) entre dos magos de principios del siglo XX se convierte en un tour de force para la inteligencia y la mala leche. La espiral de odios y mezquindades convertida en motor para la fascinanción. La busqueda de la magía en un mundo "asquerosamente real". La muerte y la redención. La ciencia y la investigación.

4)La trama y los giros: Es casi un ejercicio de metalenguaje. Nolan habla directamente al espectador. Enseña sus cartas y le dice "Te voy a engañar y voy a hacer trampas" y cuando te engaña y hace trampas te dice "Ya te lo advertí" y a la vez te dice "Tú quieres que ésto sea mágico y te dejas llevar y así es como te estoy engañando". Toda una reflexión sobre el arte de contar historias y su sentido.

Nolan da en la diana, con una historia entretenídisima y profunda. Con una capacidad visual portentosa y oscura. A la espera del nuevo Batman, un lujazo de peli.

Apocalypto: Aventuras y religión

Mel Gibson ha dirijido una de mis películas favoritas: Braveheart y ha protagonizado alguna de mis películas favoritas: Arma Letal 1 y 2, Mad Max y alguna otra que ahora se me olvida. Hace un año o dos estrenó "La Pasión de Cristo", que no me interesaba lo más mínimo y que no fuí y a ver. Acaba de estrenar, como todos ustedes saben Apocalypto. Una historia de aventuras en los últimos suspiros del Imperio maya (Del que conozco relativamente poco o muy poco, poquísimo) Lo primero que me ha llamado la atención de la película es que Gibson rueda con cámaras digitales en un en género cuyo grano ha sido hasta ahora el del celuloide y eso se nota: A algunos les parece que se nota para bien y otros nos deja un poco indecisos. A veces tenía la sensación de estar viendo un documental de una película de aventuras. En cualquier caso la decisión estética es de Gibson y su director de fotografía y es del todo respetable.

La película cuenta dos historias: La primera de ellas es la concreta, el secuestro, transporte y posterior huída de un joven cuyo poblado es atacado por los Mayas en cueestión. La segunda es la abstracta y tiene que ver con la religión y las "metáforas sobre el mundo en que vivimos" (No lo digo yo, lo dice Gibson) En mi opinión, Apocalypto sería una gran película si se hubieran quedado con la primera historia, porque la segunda es uno de los planteamientos más reaccionarios que he visto en una sala de cine.

La primera, la de aventuras, está contada con muchísimo ritmo y, sobre todo en la segunda hora, con una capacidad de sugestión admirables. Los planos, las interpretraciones, la fisicidad de los actores (Oh my, he dicho "fisicidad") Todo funciona a las mil maravillas. Es una pena que la primera parte se haga, en comparación, algo lenta. Además, el recurso al deux ex maquina es constante en la primera parte y eso deja al personaje protagonista con menos fuerza de la que sería deseable. Afortunadamente la última hora es una maravilla.

La segunda, la de culpas y religion se resuelve en tres momentos: Una cita al principio de la película donde se nos explica que las civilizaciones (terrible concepto) que son invandidas por otras y destruídas por ellas lo son en la medida en que estás ya están podridas por dentro. Lo que uno se pregunta no es tanto por la situación "emocional" del imperio de los invadidos, sino por el de los invasores y creo que en este caso la cosa quedaría en tablas. Es decir, una cosa muy cristiana y muy conservadora que dice "Por tus pecados moriras", pero no dice nada de los pecados de quién te mata. La fuerza invasora aparece como la que devuelve al status quo a esa "civilización perdida".

El segundo momento de religiosidad plena es la secuencia cumbre de la película: Una ceremonia religiosa rodada con toda pompa y reliogiosidad, continuos planos cenitales, movimientos de cámara completamente exajerados. El barroco que tanto mola en el cine de los Coen convertido aquí en una sublimación de la imagen impostada. Pura religión.

La tercera son los últimos minutos de película que llevan a uno a preguntarse: "Si lo que Gibson buscaba era una metáfora sobre el mundo de hoy ¿Cual es la civilización corrupta que se destruye por dentro? ¿Y la civilización exterior que viene a darle el golpe de gracia y a imponer la racionalidad? Todas las respuestas que se me ocurren a estas preguntas son igual de aterradoras.

Banderas de nuestros padres: El estado, el dolor y la representación.

La gente pregunta ¿por qué Clint Eastwood es republicano? Si es tan majete, tan contrario a la violencia, hace esas películas donde habla de la discriminación racial, la violencia contra las mujeres, la eutanasia, etc. A veces, la verdad, cuesta creerlo. Pero es ser muy corto de miras si uno cree que un republicano es una persona "de derechas" y punto. Repúblicano y demócrata no significa "derecha" e "izquierda", sino (y esto es una simplificación grandísima) Más gobierno o menos. Más poder de la administración o menos. Y en eso Clint Eastwood es todo un repubicano: desconfía de la política y del poder del estado frente a los individuos y sus capacidades organizativas.

¿Tiene esto que ver con Banderas de Nuestros Padres? Un poco. Porque una de las cosas que cuenta esta historia es como el poder del estado, en este caso en su dimensión "propaganda bélica", anula a los individuos en pos de un objetivo que, al menos, les es ajeno. Sin embargo, Eastwood va mucho más allá y quizás por eso es tán extramadamente interesante su filmografía. Eastwood escucha la canción por detrás de la canción, el mapa detrás de la representación de las cosas y hace lo contrario de lo que hace el noventa por ciento de los directores del planeta: Complejiza.

Banderas de nuestros padres es una bella (aunque un tanto descompensada) historia sobre los héroes y la representación de los mismos. Una historia sobre la naturaleza ambivalente de los símbolos. Un símbolo funciona como reductor de la complejidad, como expresión de un anhelo, es un poco mentira y a la vez más verdadero que la realidad. Tiene una relación con su significante compleja ya que anula las aristas, proyecta una imagen de las cosas, pero a la vez hace habitable el mundo. Eastwood narra esto con diferentes herramientas, desde una colina de papel maché subida por los hombres que subieron y pudieron morir en la colina real que representa. A la vez, esos mismo soldados falsean la realidad para hacer habitable el mundo a una madres desconsoladas.

El dolor genera silencio si no se comparte, se socializa y se extiende. La representación propagandística tiende a borrar el dolor. Construye una experiencia "segura" para el espectador. Eastwood nos cuenta todo ello en medio de grandes batallas.

Y sí, creo que ésta vez he logrado no decir absolutamente NADA que tenga que ver con lo cinematográfico :=)

Como decía en el cole: "Pero a mi me ha gustao, eh... Mazo"

Babel- Imágenes poderosas para una de las mejores películas del año

Babel es la quinta película de Alejandro Gonzalez Iñarritu y la tercera parte de la llamada "Trilogía del dolor", escrita junto a Guillermo Arriaga. Esta tercera parte cierra de alguna manera el camino abierto con la excepcional Amores Perros y la densisima "21 Gramos". Babel es una magnífica metáfora del mundo en el que vivimos. Un mundo atravesado por todo tipo de fronteras y límiteas. Una globalización de lo más desintegradora.

Hay una frase del sociologo Jesús Ibañez sobre el sistema capitalista que describe muy bien lo que suecede en Babel, para Ibáñez el sistema "atribuye la norma y se reserva el azar".Babel es eso pero al revés. El azar no es carácterístico de ningún sistema social, político o económico, pero las consecuencias del mismo si lo son. El problema no es que unos niños disparen un rifle en el Atlas y hieran a alguien accidentalmente y que eso se conecte con historias a lo largo de planeta, sino lo que pasa después de eso. Después de eso entra en juego la frontera, el miedo, el idioma, la pobreza, el dolor, la incacpacidad para sentir como propio el dolor ajeno, la incomunicación y el miedo.

Babel es una de las películas más tiernas de los últimos años, porque hay que tener mucha ternura para narrar todo ese dolor y darle salida con dignidad. Babel no olvida la linea de la riqueza y la pobreza en su descripción del mundo y, de alguna manera reparte sus cartas dejando el azar en el lado de los ricos y la norma en el lado de los pobres.

La historia de la mujer Mexicana y los niños en el Atlas son una radiografía del mundo terrible y dolorosa, pero es en la historia de la joven japonesa sordomuda donde el poder metafórico, la intertretación sobresaliente, las imágenes expresivas y la ternura desbordante se salen de la pantalla. Que maravilla de historia triste. Que metáfora más dulce sobre la necesidad del contacto humano, sobre el silencio y el cuerpo.

Babel es una película rodada de maravilla y escrita de maravilla, con imágenes poderosisimas y una estructura ferrea y envolvente.

Todos los aspectos técnicos son sobresalientes, pero me quedo con la música, perfecto contrapunto a las imágenes.

Y no digo nada de Brad Pitt y Cate Blanchett, porque descubrir a estas alturas de la película que son dos de los mejores actores del Hollywood actual me parece una broma, pero comparten la escena más emotiva, bella y dulce de toda la película. Hay que tener las cosas muy claras para escribir, rodar e interpretar secuencias así.

Un lujo, vaya.

Casino Royale: 007 Begins

La nueva película de James Bond es en realidad la primera película de la nueva franquicia James Bond. Una reactualización del personaje a la altura de los tiempos. Bond es un poco más Fleming (Ese bruto y despiadado asesino embutido en un traje en el casi no cabe) y un poco menos glamouroso y Daniel Craig está perfecto en su papel del nuevo Bond. En ese sentido Casino Royale es como Batman Begins, una película para situar un nuevo universo estético, que rompe con la historia anterior y empieza de nuevo. ¿Y como empieza? Pues contando la historia de la formación del heroe y el motivo por el cual se convertirá en el Bond que conocemos (pero ya reactualizado en éste nuevo universo)

La película esta rodada a las tres mil maravillas (La primera persecución me dejó con la boca abierta durante los muchos minutos que dura) y muy bien entrepretada. A la vez es algo más sencilla que sus predecesoras, también porque los "enemigos" no están muy claros (Son casi presentados de forma colateral) y la intriga es casi inexistente. Lo mejor es la parte central con la larga partida de poquer y la mirada de Craig, matizada e intensa que va desvelando sus sentimientos uno a uno. El guión, dentro de eso es un poco previsible (Sobre todo en alguno de sus aspectos y da la sensación de que todo se resuelve sin algunos habituales del género, mi favorito: La pelea con el malo o el ayudante fuerte del malo tan bien utilizada en las películas de Indiana Jones.

Una agradable reactualización que abre la puerta a un nuevo filón en el género. También es de agradecer la nula politización del argumento (Pasado el tiempo de los malos que ponen en jaque al mundo) a favor de una trama bastante simple de compra venta de armas.

Borat y lo políticamente correcto.

El humor es un mecanismo del drama, nada más (Y nada menos) Como cualquier otra expresión dramática tiene un punto de vista y una "mirada". El humor no es neutral porque no existe neutralidad alguna, es toma de postura frente al mundo, descripción de nosotros mismos y de otros.

Ojo, Spoilers.

Borat es una película escrita y dirigida por el cómico Sacha Baron Coen, que viene precedida de un halo de malditismo muy comercial, a saber: Es "políticamente incorrecta" y es "crítica con los Estados Unidos". Lo tiene todo para triunfar.

Hace unas horas he salido de verla del cine y puedo decir que a la gente de la sala les ha hecho mucha gracia, yo no me he reído ni una vez. He sonreído dos veces. Creo que el humor es automático en el espectador, o sea, que no digo que la película no sea graciosa, simplemente a mi no me ha hecho ninguna gracias y no por que además me haya parecido muy poco crítica y muy poco "políticamente incorrecta", sino simplemente porque no me he reído ni una vez (Al llegar a casa me he visto un episodio de Frasier y otro de Los Simpsons y se me caían las lágrimas de risa, o sea que simplemente, lo de Borat no me ha convencido)

Al parecer y por lo que leo por ahí, Borat es un artefacto posmoderno (un falso documental) que nos muestra el auténtico rostro de los USA y no deja títere con cabeza. Yo no ví nada de eso.

El humor en Borat consiste en que hay un señor que es extranjero (De Kazajstan) muy tonto muy tono que vive en un pueblo donde violan a las mujeres y van en burro y la gente es muy pobre y muy tonta y solo quiere follar o robarse cosas y tiene una mujer gorda y borde (que bueno, lo nunca visto) Que es enviado a Estados Unidos a comprender su modo de vida. Todos los chistes son sobre el tonto fuera de sitio. TODOS. El tonto que no ha visto una escalera mecánica en su vida, el tonto que viaja con gallinas en la maleta, el tonto que caga y mea donde le viene, porque así son esos señores de esos países tan pobres y tan lejanos. Leo por ahí que es que es la visión que en Estados Unidos se tiene de los extranjeros, ah. y que se trata de una aguda crítica, pero me suena a justificación racional a la risa irracional que produce ver a un tipo cagarse encima.

Ah, sí. Este señor tan tonto (Aunque entrañable, porque a todos los tontos tenemos que compadecerles- así de políticamente incorrecta es Borat) es antisemita y entonces los progres del mundo mundial han decidido que la película "se mete con los judios". Bueno, que me digan donde. Los únicos personajes judios que aparecen en la historia son dos ancianitos adorables que Borat (El tonto en cuestión) ve como horribles seres e incluso como cucarachas. O sea que más que reírse de los Judios, se ríe de la paranoía anti-judía, que cosas, que políticamente incorrecto para estos tiempos de guerra global.

Y se ríe también de unas feministas en una secuencia muy graciosa en la que el tonto les cuenta que en su país hay un científico que ha descubierto que las mujeres tienen el cerebro más pequeño y hay una mujer allí que se enfada porque le digan esas cosas, que risas, como son éstas feministas de bordes (Porque salen así como enfadadas)

Y salen, es verdad, unos americanos también muy tontos, muy tontos y muy racistas, porque sale un señor texano que dice que hay que matar a los gays, que políticamente incorrecto (En España nunca encontraríamos alguien así, como son éstos yanquis) Y hay una secuencia en la que, es verdad, se mete con la guerra de Irak y con la gente que la apoya en Estados Unidos ¡Eso si que es políticamente incorrecto!

Y luego hay muchos chistes de caca culo pedo pis que es con lo que la gente más se ha reído en el cine.

Yo viéndola pensaba en ésto de lo políticamente incorrecto, porque cuando uno hace algo que es "políticamente incorrecto" es intocable, criticarlo te pone de inmediato en el bando de los que defienden lo "políticamente correcto", que uno la verdad ya no sabe donde está ni lo que es.

El caso es que de inmediato se vuelve rancio porque no le hacen gracias los chistes sobre minusvalidos salvo cuando los cuentas minusvaldos. Cuando la mirada es interna y dispara nuestra inteligencia.

Otra opción, claro, es que Borat sea ese artefacto de una inteligencia y una perversidad magnífica, en cuyo caso sé perfectamente porque no me ha gustado, porque no me gustan las historias donde se mira a los seres humanos desde arriba y se construye un estereotipo sobre ellos. Sé que hay directores a los que le gusta analizar la miseria humana con lupa, porque son más listos que el común de los mortales, pero a mi esos me tocan los huevos sobre manera. También he leído que es del modelo "la gente se ríe sin darse cuenta de que se están riendo de ellos", aunque me cuesta creerlo, vaya modelo de humor de mierda, reírte de los que van a ver tus películas, pero bueno, será una cosa de listos, yo no acabé la universidad y Sacha está licenciado por Cambridge.

O igual yo soy un rancio, eso también puede ser.

Un par de notas a posteriori sobre Borat

En los comentarios se pregunta la gente ¿por qué fuiste a ver una película tan mala si con ver los trailers se veía que la cosa no pintaba bien? Pues porque empecé a leer notas diciendo que la película es una maravilla y un ataque brutal a la ideología de lo políticamente correcto y pensé que merecía la pena echar un vistazo. Tampoco me arrepiento. Lo peór es que me aburrí un poco (Pero hay precedentes de humor políticamente incorrecto que no me vuelve loco, los hermanos Farrelly, que me gustan mucho más, tampoco me acaban de llegar, aunque su tipo de húmor me parece mucho más cercano, más de reírse "con" y no "de", el mejor ejemplo sería el hermano con sindrome de Down de Algo Pasa Con Mary)

En cuanto al antisemitismo de la película y sus supuestas críticas a los judios, me remito a fuentes documentales. Según la wikipedia, Sacha Baron Cohen hizo su tesis sobre los judios en el contexto del movimiento por los derechos civiles y, además participó en el movimiento juvenil Habonim Dror que, según la propia wikipedia es una organización sionista-socialista (aunque la traducción no es muy clara, porque en un sitio la llaman "socialist" pero en otro "labor", que probablemente haga referencia al laborismo, lo cual tendría cierto sentido siendo Baron Cohen de origen inglés) y pasó un año de su vida en Israel como miembro de esta organización.

El ilusionismo de "El Ilusionista"

Ayer por la noche vi "El Ilusionista". No sabía si escribir sobre ella hasta que, volviendo ya a casa empecé a pensar en el tipo de cine que representa la película y a darle vueltas y pensé que quizás había alguna cosa interesante al respecto. Y a partir de ahí considerar que estamos en un gran spoiler y que si no habéis visto la película lo mejor es que paséis de leer lo que pone aquí abajo.

El Ilusionista es una película de truco y sorpresa final. ADORO esas películas, siempre he querido escribir una película así, pero las películas que me gustan de ese género son extremadamente sencillas y el Ilusionista no es sencilla. Me explico, en el Sexto Sentido, Plan Oculto y Sospechosos Habituales (Por poner tres grandes ejemplos del sub-género) hay un misterio, solo uno. No hay grandes complicaciones. Ese misterio funciona porque te ocultan un dato esencial y a partir de esa falta de información se construye toda la trama. La otra herramienta esencial son las pistas. Si hay muchas se sabe cual es el misterio, si hay pocas no entiendes como lo descubren. Debe haber las justas y deben ser sencillitas, que entiendas con una mirada lo que pasa. Al fin y al cabo es probable que queden tres minutos para acabar la película cuando empieces a enterarte de algo, mejor que ese algo sea claro y no de lugar a preguntas hasta, al menos, unas horas después de salir del cine. El Ilusionista es lo contrario a ésto. Primero cuenta de manera muy evidente "la ilusión", después oculta los datos esenciales para confundirnos pero para ello introduce otros que llevan a nuevas preguntas que, aunque tienen respuestas en la película, en mi opinión no resultan satisfactorias. Finalmente, la explicación de lo sucedido se hace sin que el personaje principal tenga datos suficientes para resolver el misterio que resuelve, con imágenes de cosas que ni ha visto, ni puede conocer y además, con un misterio que lleva a nuevas preguntas que tienen que ver con la escala de la historia. Lo siento, pero aunque no mencionemos jamas a la familia de una condesa, si su cadáver desaparece ¡alguien preguntaría algo!, ¿no?

A pesar de ello, la película tiene grandes interpretaciones, buena música, está rodada con elegancia y con un diseño de producción cuidado.

No quiero meterme con la película de manera gratuíta. Este tipo de películas son dificilisimas de escribir y, además, hay otro dato relevante: Es la adaptación de un relato corto... ¿Y? Pues eso se lo cuento luego, que tengo que irme a trabajar :=)

Scanner Darkly- Cosas de Yonquis y El Futuro

No he leído la novela de Philip k. Dick en la que está basada esta interesante película de Richard Linklater, con lo que no puedo saber si se trata de una adaptación fiel al espíritu y argumento de la obra de Dick. Lo que si puedo decir es que el punto de vista de la historia entra a fondo en el imaginario del autor californiano y ofrece un caleidoscopio psicotrópico, paranoíco en el que una mente disociada lucha por encontrar una verdad que le es permanentemente negada. En el caso de la película esto es así hasta el extremo de que, al final, tienen que abandonar el punto de vista de "primera persona" y pasar a una tercera para que uno termine de comprender qué demonios está pasando.

Linklater ha utilizado (como ya haría en su anterior película "Walking Life") la técnica conocida como Rotoscopia, a saber, dibujar digitalmente encima del metraje en 35mm que ha sido convertido en datos al digitalizarse. Lo que logra Linklater con esta técnica es hacer lo que no puede hacer Sin City, darle profundidad y realismo a la animación a la vez que le da expresividad. Esto no es unos actores frente a una pantalla azul que sirve de fondo, sino que todo lo que se ve ha sido rodado en localizaciones reales. El resultado es magnifico en todos los sentidos.

A Scanner Darkly es la historia de un agente de narcóticos infiltrado en un grupo de yonquis que consumen una nueva droga llamada Sustancia D o quizás sea la historia de un yonqui que está dentro de la policía de narcóticos o quizas... Es mejor que la vean.

Las interpretaciones son muy buenas, aunque siento una especial debilidad por el trabajo de Winona Ryder y Robert Downey Jr. y los diálogos están cuidadísimos. En realidad, además de la propia trama, lo que me pareció un auténtico lujo fue escuchar todos esos delirios paranoides y teorías descabelladas producidas entre las mentes de esos consumidores habituales. Desde la conversación de la bicicletas de 18 marchas al momento en el que creen que les han llenado la casa de drogas y deciden que van a poner un anuncio en el periódico regalándola.

La pelícua es lenta, eso sí. Cuesta un poco entrar, pero va cogiendo ritmo según avanza y, en cualquier caso, como experiencia sensorial es una maravilla.

Scoop: ¿Un Allen Menor?

Scoop es la mejor comedia de Woody Allen desde Todo lo Demás (O sea, es mejor que la parte cómica de Melinda y Melinda) Es divertida, agil y llena de ingenio. Los chistes funcionan, el punto de partida es original y las interpretaciones son excelentes (Especialmente la de Scarlett Johanson, aunque el propio Allen está excelente, también) Es una historia como son las de Allen, sencillas. Mucha gente confunde esta sencillez con una merma de la calidad, a mi nunca me ha pasado. Con las películas de Woody Allen voy rendido a priori, cuando le escucho decir "Es un bello especimen de su raza, se lo digo desde el fondo de mi corazón" ya estoy muerto de risa.

HIjos de los Hombres: Distopia del presente

Apabullante, contundente como un golpe en la cara, pura saturación. La última película del mexicano Alfonso Cuarón es una sobredosis de información, talento y pasión. Cada plano de su metraje contiene quince o veinte detalles sorprendentes e informativos, cada encuadre es una completa maravilla.

Hijos de los Hombres es una de la películas más interesantes estrenadas en los últimos años. Una película densa y a la vez sin pausa con un punto de vista novedoso sobre eso que llaman "distopías". La películas de Cuaron podría parecer una película futurista (Está situada en el año 2027) pero no lo ee. Prácticamente todo lo que sale en la películas (Salvo su premisa fundamental, la infertilidad de las mujeres del planeta tierra y por tanto, la exstinción cercana de los seres humanos) es real y existe ya, disperso por el planeta, pero a la vez bastante junto. El realismo con el que Cuaron trata la película y la tremenda dirección de producción de la misma (Una maravilla) hacen que ese futuro cercano sea de una verosimiltud arrolladora.

La propia trama de la infertilidad tiene cierta conexión con muchas cosas que ya pasan hoy en día y conecta la situación del planeta, del régimen de explotación en el vive (vivimos) ligándolo directamente a la salid, a la vida.

El terrorismo, el fanatismo religioso, la guerra como herramienta de dominio sobre el planeta, la política de segregación a todo lo diferente (Especialmente las personas migrantes, pero no en exclusiva) Los antidepresivos, la militarización de la policia y el devenir policial de los ejercitos, las insurrecciones armadas y las pacificas, la contaminación, etc, etc, etc. Todo ello está contado con una pasión y un ritmo magníficos y sostenido por grandes interpretaciones: Clive Owen está fantástico. La empatía que trasluce Micharel Cane, tres cuartas de lo mismo. Julian Moore resulta apasionante, encantadora, sexy, contundente... Por no hablar de la joven interprete que acompaña a Owen media película. Una maravilla.

Es una lástima que el final rompa un poco el tono con una concesión a la esperanza que no concuerda con lo que hemos visto hasta ahora.

Un gozada.

Infiltrados: Simplicidad total y ritmo por los cuatro costados

¿Cómo? ¿Simplicidad total? ¿Pero el guionista este de tres a la cuarto de que va? Si, amigos. Infiltrados es una maravilla de la simplicidad. Así lo digo. Es tan extremadamente buena por su simplicidad.

Antes de empezar a leer informo de que, sin haber grandes spoilers, es mejor haber visto la película para leer esto o es posible que se os chafe alguna cosa importante.

Sigamos.

¿Pero no era un guión con miles de giros y vueltas y revueltas y cambios? Sí, y lo es y tiene cambios, giros y retruecanos, pero todos sobre la base de una simplicidad absoluta. Un diagrama sorprendentemente sencillo: Tenemos dos organizaciones, en cada una de ellas hay un infiltrado de la otra organización que luchan por atacar/ defender a los suyos y de descubrirse mutuamente. Fin, no hay más. ¿No es sencillismo? Ahora, por favor, intenten explicarme el diagrama de Gangs of New York. Seguro que aparecerán en su mente palabras como "retrato de una época" "expresión de la violencia en Estados Unidos" "Combate entre dos hombres superados por su contexto", etc. Nada de simplicidad (Ojo, a mi me encanta Gangs Of New York)

Infiltrados funciona porque su guión gira sin grandes sorpresas sacadas de la nada y porque tiene una fuerza motora impresionante, a saber: El capitalismo produce corrupción y vive a través de ella. No hay un solo personaje (Quizás uno o dos) que no sea corrupto, traidor, mentiroso, etc. La relación entre "delincuencia" y "policía" es total, no existe diferencia entre una cosa y otra. Los dos sistemas de legalidad y control están interconectados.

A partir de ahí es dificil hacer una mala película. Pero es que Scorsesse ha hecho un peliculón con un ritmo apabullante y sin recurrir a uno de sus recursos habituales: La Voz en Off. Aquí dice más una mirada que un dialógo bient trabajado (Y de estos hay unos cuantos) El Montaje y la música son dos obras de arte engarzadas con maestría.

TODOS los actores están tan bien que quitan el aliento, pero me quedo con la maravillosa interpretación de Matt Damon en su dimensión contenida y en la de Leonardo Di Caprio en el lado explosivo.

Maravillosa.Ahora busco compulsivamente otra joya del cine de gangsters, irlandeses y traciones: El Clan de los Irlandeses.

6 películas y un avión

Aunque llevo fuera una semana (Sí, ya he vuelto) No puedo decir que haya dejado de ver películas. Es lo que tiene subirse diez horas a un avión de ida y otras diez a un avión de vuelta. Bueno, tiene eso y el jet lag que está a punto de hacerme sacar el cerebro por las orejas. Han sido seis películas, todas actuales y todas un horror inenarrable. Cuando la gente dice que el cine español es un asco uno se pregunta si no han visto el resto de los cines del mundo mundial.

Película 1. El diablo viste de Prada: Esta ya la había visto en el cine, con lo que el sufrimiento fué doble, hoy hablan de ella en Moonfleet, así que me quedo con su crónica.

Película 2. Separados- Guerra de sexos de lo más tonta, superficial, pija e incomprensible. Las primeras ocho secuencias (Chico conoce chica hasta presentación a la familia) son aterradoras, la de la familia especialmente. Como ya no tenemos relación alguna con la realidad construímos personajes incompatibles, los ponemos juntos y enamorados y luego contamos... ¡que son incompatibles! Mientras la veía recordaba con nostalgia "La Guerra de los Rose"

Películas 3. The Inconvenient Truth: Un documental sobre Al Gore, que ahora se preocupa por el calentamiento global. Hay momentos de pura comedia, como cuando Mr Gore cuenta como dejó que Bush le estafara en las elecciones del 2001, con una voz en off que dice "¿Qué podía hacer yo"? Todo un líder mundial, vamos. En cuanto al asunto del calentamiento, Gore tiene otro momento cómico en el que dice que va a explicar por qué no tiene que ver con el sistema capitalista, sino con nuestros hábitos de consumo (como si una cosa no tuviera que ver con la otra) ¡Y no lo explica!, pasa a otra cosa como si nada. Mítico. Por si estaban preocupados por el tema, les informo de que para salvar el mundo basta con ir en bici, comprar productos green y apostar por empresar éticas, como lo oyen. Silvia Ribeiro escribía ayer sobre el tema en La Jornada

Película 4. La Casa del Lago: Esta es la peor de todas. Keanu haciendo de arquitecto lobotomizado con Sandra Bullok haciendo de "como actuar sin que te estorbe mucho el Botox".El guión es tal basura que da hasta un poco de miedo. Así se lo digo. Hacen trampas por doquier con los jueguecitos en el tiempo, no explican la mitad de las cosas y encima van de treintañeros new age forrados de pasta pero solos en la vida. LO PUTO PEOR.

Película 5. La Gran final: Falso documental sobre como diferentes seres humanos del mal llamado "Mundo subdesarrollado" se buscan la vida para ver la final del pasado Mundial del Fútbol. Creo que es española, al menos TVE pone dinero. La cosa va de lo graciosos que son los a)pobres o b)indígenas o c)Gentes de culturas diferentes a la nuestra unidos por el amor al fútbol, que todo el mundo sabe que es universal. Con una patina progre de "El fútbol nos une a todos" producen un relato etnocéntrico rodado como si fuera un documental sobre animales, demostrando que se puede ser racista llendo de enrollado y que, quizás, estos sean los peores.

Película 6. Manuale D'amore: Pues quizás la mejor de todas. Una discreta historia de las fases del amor, copiando lenguajes y estilo al cine indie norteamericano. Las gracias no son muy graciosas y el relato costumbrista es un poco plano, pero insisto, comparado con lo otro se hace pasable.

En fin, y ustedes aquí y allá viendo Scoop, Infiltrados, Hijos de los Hombres, La Dalia... Tengo que ponerme al día y quitarme de encima este sueño.

Girasoles y Faunos. Partida Doble

Estoy cansado y voy a ser breve.

La noche de los Girasoles: Gran película, gran guión, gran realización y grandes interpretaciones. Una historia contada desde un punto de vista interesante y rodada con mucha garra (Algunas secuencias de violencia realmente buenas) Lo único malo es que el tempo adecuado a la narración la hace un poco lenta y que tarda un poquitín de más en arrancar. En cualquier caso, una apuesta muy interesante.

El Laberinto del Fauno: Una buena película de Guillermo Del Toro, con una ambientación, un diseño de producción, una realización, una fotografía y una música maravillosas. Grandes interpretaciones de Marivel Verdú, Sergi López e Ivana Vaquero. El guión, sin embargo, tiene varios momentos arbitrarios y gratuítos que hacen que la historia se resienta un poco. Además (Ojo SPOILER) La nula interacción entre el mundo real y el fantástico le quitan interes a la historia. (FIN SPOILER) En cualquier caso, un ejercicio de cine fantástico digno de verse.

Creo que me voy a dormir.

Lost in La Mancha: La pasión por el cine y la locura

Ayer por la noche disfurté viendo "Lost in La Mancha" El excepcional documental dirigido por Keith Fulton y Louis Pepe sobre el rodaje de la película "El Hombre que Mató a Don Quijote", de Terry Gilliam. Fultón y Pepe se meten en las tripas de un rodaje imposible para una película condenada desde el primer día y lo hacen con una brillantez apasionante, construyendo un relato sobre la fascinación y el amor al cine que se pasa en un suspiro, lleno de intensidad, belleza y dramatismo. Como en las buenas películas, Lost in La Mancha no es más que la parte superior de un iceberg, sólo llegamos a ver un porcentaje muy pequeño de las ansias y el sufrimiento del equipo de un rodaje que ve como las esperanzas por llevar a buen puerto la película van desapareciendo.

La metáfora de Don Quijote y los molinos es perfecta y en torno a ella construyen todo el relato. Gilliam aparece com un Quijote del cine, dispuesto a todo, arrastrando a su équipo con el entusiasmo de una locomotora cargada de anfetaminas, sin perder los nervios JAMAS (Hay momentos de auténtico terror en los que es imposible no sufrir por ese hombre que ve como su sueño cinematográfico se hace añicos) Un hombre que, en medio de semejante follón, todavía encuentra momentos para grabar quince segundos a un actor, o un paisaje y ser absolutamente FELIZ. Ver el rostros de Gilliam mientras rueda es un prodigio, una ilusión que arrastra a todo el equipo, mientras a su alrededor una producción bastante defectuosa y un magnifico ayudante de dirección luchan por resolver problemas imposibles.

Una brillante maravilla en una hora y media, todo un retrato del cine, de las estúpidas y maravillosas gentes que lo hacen, de la obsesión enfermiza detrás de cada proyecto y, en definitiva, sobre los sueños. Como dicen en algún momento de la película "Como espectadores queremos que Don Quijote siga loco, porque si despierta de su locura se vuelve mortal y desaparece". Magnifica metafora para la vida y el arte.

Caperucita, los macarras y la pija

Segunda sesión triple del año Segundo atracón de cine. Tres películas. Tres sesiones seguidas. Abotargado, sobrexpuesto. Uno no puedo ir a ver tres películas seguidas y ver, pongamos por caso, Cabeza de Perro, El Viento que Agita la Cebada y Una Historia de Brookling porque terminaría noqueado, destruído. Un atracón de semejante calibre necesita de un tipo de producto ligero, ágil, volatil. A veces, todo hay que decirlo, uno desearía estar viendo alguna de las otras tres en vez de cualquier de las tres que elegí yo, sobre todo la segunda.

La increíble, pero cierta, historia de Caperucita Roja
Primera sesión. Pues no está mal. Una historia muy infántil con algunos chistes a la Shrek (pero con menos mala leche) y poco más. Lo más destacable es la estructura de la narración (la misma historia con leves variaciones vista desde cuatro puntos de vista distintos) Daría para una película completa muy interesante, pero aquí se pierde a partir de la segunda historia. Lo mejor: La cabra y la ardilla: Muy, muy divertidos. El personaje del lobo no está mal.

El Diablo Viste de Prada
Segunda Sesión: Soy un completo pozo de odio y rabia. Todo aquel que, engañado por eso de que el director de la película fuera director de Sexo en Nueva York, esté pensando en ir a verla que lo deje, que huya, que escape de ésta basura reaccionaria y políticamente correcta. Cada cosa que pasa en la película ha salido igual en otras cinco mil películas. No sabía quién era más asqueroso, si el mundo de la moda o los supuestos amigos "pobres" (Hay que verlos beber vino en copas en su propia casa con carteles de Amnistia Internacional para saber lo que es el ODIO) La chica "fea" y "gorda" celebra con Champange haber logrado la talla 36 (Adelgazar dos. Yuppi) El Argumento es absurdo, los momentos de mayor tensión dramática se resuelven con Deux Ex Maquina del peor tipo y encima es moralista y retrograda como sólo el cuento de la cenicienta puede serlo (¿Hay peor cuento que La Cenicienta?) El argumento es bochornoso: Ella quiere ser periodista, pero se presenta a un trabajo como ayudante personal de una editora de una revista de moda (Donde por supuesto no va a escribir ni una PUTA linea) Al parecer éste movimiento estratégico es bueno "por los contactos". Ella, oh sorpresa, empieza a triunfar en el mundillo de la moda, que ella creía que era chungo, pero no, es molón. Luego claro, descuída a la familia, que por otro lado siempre es muy comprensiva con ella (Porque pone morritos y lleva lencería de marca- en serio, hay una secuencia así) Y el final es casi peor.

En serio, no la vean. Si quieren acidez, mordacidad y cuentos de hadas tiren de DVD, Alquiler o emule: Eva Al Desnudo, Armas de Mujer y Preety Woman.

Corrupción en Miami
Tercera Sesión: Está muy bien rodada, es entretenida aunque esté un poco alargada la historia de amor. Jamie Foxx está sobervio. Las secuencias de acción son excelente. Luis Tosar se sale por todos los bordes y es de un macarrismo sanísimo. Eso si, no es Corrupción en Miami. Si son capaces de olvidar ese detalle, disfrutarán bastante.

La semana que viene a ver Cabeza de Perro.

La habitación del niño: Terror e inteligencia para televisión

La habitación del niño es uno de los cinco proyectos que bajo el sello colectivo "Películas para no dormir" ha puesto en marcha Filmax cogiendo como referencia el mítico programa de televisión de Chicho Ibañez Serrador, Historias para no dormir". Son cinco películas para televisión dirigidas por varios realizadores de lo más solventes y con el terror como elemento central. La habitación del niño es la aportación de Alex de la Iglesia al proyecto y al género, pues no se puede decir que sus anteriores películas tengan elementos estrictamente terroríficos.

Si hay algo que ha caracterizado (en mi opinión) la cinematografía de Alex de la Iglesia es el rigor, no tanto el rigor "en sus películas" (que también) sino una busqueda casi desesperada de sus personajes por encontrar algo de rigor, de seriedad, de encontrar algo o a alguien que se tome las cosas importantes un poco en serio. En definitiva, gente que reconociendo la bufonada grotesca que es la existencia no se deja llevar (o lo intenta) por la estulticia reinante y le opone eso, rigor, cierto control, aunque casi nunca tengan éxito. Por eso no me sorprende que la aproximación de Alex de la Iglesia al género sea de la más firme, sin estridencias.

Probablemente un purisa o un conocedor del género pueda decir que la historia que cuenta La Habitación del Niño no es demasiado original, que la conocemos, pero lo cierto es que yo no soy un purista y mucho menos un conocedor del género y siempre me ha parecido que el camino para la originalidad parte de pisar terreno abonado por otros. La habitación del niño parte de ese universo común para trasladarlo a una realidad más doméstica.

Es una película que da miedo y habla del miedo y de lo que el miedo puede hacernos, aunque llevemos razón. El problema no es conocer la verdad, sino vivir con ella. Levantarse cada día sabiendo lo espantosa que es sin perder el control. En "Abre Los Ojos" le decían al personaje de Noriega "Tu infierno te lo has montado tú", aquí la cosa es mucho peor, porque da igual quien monta el infierno, el problema es que hay vivir en él. Y no valen chivos expiatorios, sean las maguferías, los inmigrantes, la rutina del matrimonio o la expiación católica de las culpas.

La parábola sobre el miedo, la angustia de la falta de referentes y la obsesión a través de una anécdota casi superficial (La presencia de un extraño en la habitación de al lado y como esa presencia quizás real quizás imaginada destruye una feliz pareja) funciona mejor en la medida en que se condensa a la mil maravillas en una hora y cuarto de metraje. Salpicada aquí y allá por algunos detalles de humor en el guión (especialmente la primera parte) y maravillosamente rodada e interpretada (Javier Gutierrez y Leonor Watling se sale por todos los bordes) la película nos permite descubrir un nuevo registro de Alex de la Iglesia confirmando lo que ya suponiamos. Que éste hombre puede hacer lo que le de la puta gana.

Yo pasé miedo.

Salvador y el espejo en el que nos miramos

Pocas veces he salido del cine en un estado tan lamentable como esta noche. Pocas veces he sentido como se revolvían las tripas de asco y de odio y pocas veces me había llevado esa sensación hasta casa. La había dejado con la película, en la sala.

Los últimos diez minutos de Salvador son inenarrables. La dureza que desprenden y la radicalidad que muestran es dolorosa y terrible. No sólo por el acto que muestran, de una crueldad como sólo el Estado puede administrar, sino por la parábola que encierran sus últimos fotogramas. No esperen ver una película trascendente. No esperen que nadie les diga que Salvador es una película sobre una persona que se sacríficó, ni que gracias a su sacrificio llego algo bueno a éste país. Ni siquiera esperen que les digan que algo bueno llego a éste país. Las últimas imágenes de Salvador dicen "Salvador Puig Antich está muerto, fue asesinado y nosotros vivimos en ésta mierda de mundo y de sistema político". Y ese dolor y esa verdad, cuando están así de bien contados, uno se los lleva a casa como un perro metido en el estómago.

Monster House: El mejor cine infántil para niños y grandes

Mira, no perdamos tiempo. Dejad de leer ésta nota y lanzaos a la calle a por una entrada para la MEJOR película de animación en lo que va de año. ¿Queda claro? La mejor.

Monster House tiene tres o cuatro elementos que la hacen excelente. El guión, los personajes, la realización y los guiños de todos signo a películas ochenteras de calibre similar.

El guión es un maravilla, sencillo y lírico a partes iguales. Impagable en su dosificación del ritmo, del terror, etc. La presentación de cada uno de los personajes es a la vez sencilla y clarificadora, la evolución de todos ellos (Especialmente los dos protagonistas masculinos) Está contada de forma maravilla a partir de diálogos bien construídos y sutiles metáforas visuales (Esa capa de Cocreta) A la vez, la historia consigue atrapar la atención de los menores y de sus acompañantes (Si es que no van por cuenta propia como hice yo)

Los personajes son un auténtico retrato antropológico de los últimos años de la niñez. El contraste entre el protagonista y el por siempre mítico Croqueta es perfecto y sútil. Los rituales repetidos en la infancia, la hiperquinesia desbordada de Croqueta frente al hstío y cierto ensimismamiento de su amigo mayor, que yo no quiere competir, ni siquiera por la chica. El propio Croqueta es una maravilla de la animación, sus movimientos, su cuerpo regordete, sus sonidos guturales a lo largo de toda la película (especialmente al final) Uno no podía evitar sentirse identificado.

Finalmente, la realización (y la animación) son alucinantes. Parece una tontería pero en el momento en que entra en juego el ordenador la composición del plano y la narrativa es puro "cerebro" (lo digo en el buen sentido, técnica, pensamiento, composición) Y la verdad es que Monster House tiene una realización llena de ritmo y pulso, con larguísimos planos de steadycam y travellings imposibles perfectamente coreografiados.

No os la perdáis. En serio.

Clerks 2: 100% Kevin Smith

El pasado sabado me escapé a ver Clerks2 movido, básicamente, por la envidia. El viernes del estreno no la había podido ver y al día siguiente, charlando con un amigo y mientras me contaba lo bien que se lo había pasado con la película noté un cosquilleo intregante. Era la envidia empujándome a levantarme del sofá e irme al cine.

Clerks2 es una película compendio de lo mejor y lo peor de Kevin Smith (O mejor, de lo que a mi más gusta de su cine y lo que no) Hacía mucho tiempo que no me reía a carcajadas como lo he hecho viendo Clerks2, la agilidad en los diálogos, el ingenio en los chistes de caca-cudo-pedo-pis apurado al máximo, la capacidad para habitar un universo reconocible y autoconsciente (Como un buen fan se alimenta de su propia obra) y a la vez retorcerlo y darle la vuelta. La transgresión políticamente incorrectísima (dios, que buena es la secuencia con los clientes negros, que lucidez, que capacidad crítica) De nuevo una película sobre gente que ve películas y habla sobre películas (magnifica la secuencia de El Señor de Los Anillos) La capacidad de construir personajes entrañables de una sola pincelada y, también, algunos momentos muy buenos en los que habla con sinceridad sobre relaciones humanas y, sobre todo, sobre amor (Aunque no a la altura de Persiguiendo a Amy, en mi opinión su mejor película)

También están en la película algunos de las cosas que menos me gustan de Kevin Smith, las soluciones conservadoras, los finales felices edulcorados y algunas secuencias expositivas.

Ahora bien, Clerks2 tiene un par de novedades. Por un lado un par de Gags visuales excelentes, perfectamente rodados y desternillantes, uno de ellos cumpliendo una de las bases de la cómedía: personajes en primer término hablando de algo serio, personajes en segundo término haciendo algo desternillante y una nula interacción entre ambos términos unido a una duración algo más larga de lo "natural" para provocar la carcajada. La otra cosa importante es el haber renunciado por completo a la base principal de la mayor parte de las segundas partes: El sostener la segunda película sobre los méritos de la primera, retorciendo gags, repitiendo personajes, etc.

Clerks2 es una historia sobre la madurez resuelta de forma totalmente conservadora y planteada en términos completamente falsos pero resulta a la vez una gran metáfora sobre el cine de Smith, a saber: En vez de de marcharte y hacer lo que todos, haz lo que te apetece, quédate por aquí, cuéntanos otra vez las mismas cosas y quizás algun día puedas ser el dueño del garito, hacer lo que te apetece con tus colegas sin pedirle cuentas a nadie. Y eso el señor Smith se lo ha ganado.

El final, único momento de homenaje entrañable casi hace que se me salten las lágrimas acordándome del chaval de 16 años que fue al cine Alphaville a ver la película esa en blanco y negro donde hablaban de La Guerra de las Galaxias y donde salío una chica que había chupado 37 pollas.

Syriana: La complejidad y la comprensión.

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El guionista de Syriana ha pasado mucho tiempo documentándose para escribir la película, yo no. De ésta forma no sé si las cosas que me cuenta son ciertas o no (No sé si en la familia real Saudí hay un hermano bueno y progresista, me cuesta creerlo, la verdad) Pero no es eso lo que me interesa de la película. Ni si hay agentes de la CIA con problemas de conciencia (Y si los hay, es su problema, que no se hubieran metido en la CIA) Todo eso me importa poco. Lo que me importa es que Syriana está construída con una solidez a prueba de bombas. He oído en muchos sitios que es una película incomprensible y muy complicada. La verdad, yo no vi nada de eso. Tan sólo cuatro historias con cuatro protagonistas que se mezclan sólo tangencialmente y casi por azar.

Otra cosa es que el tema tratado sea complejo y que, en numerosas ocasiones se haga referencia a cuestiones económicas de dificil comprensión, pero eso no impide seguir la historia en ningún momento.

Las interpretaciones son excelentes (todas ellas) y la realización (En un estilo muy similar al de Traffic- en la que Stephen Gaghan ejerce la labor de guionista exclusivamente) tiene fuerza y mantiene el ritmo de manera constante.

La película escapa (lo cual es de agradecer) de las paranoias antiimperialistas y antiamericanas de la izquierda más primaria y complejiza un discurso donde los EEUU aparecen como una potencia que roza el principio del declive. También apunta interesantes cuestiones relacionando las guerras del petroleo no sólo con el afán acaparador y especulador "ideológico" sino como la huída hacia delante en medio del inicio de una gran crisis energética y acierta también al mostrar como, en medio de todo ese clima de desestabilización generalizada (y premeditada) de oriente medio ¡, crece y florece el fundamentalismo religioso y el terrorismo suicida.

Hay algunos giros un poco desconcertantes (por cierto, los extras del DVD incluyen tres secuencias que son, en mi opinión, capitales para entender el personaje de George Clooney) y es posible que alguna figuras estén construídas solo como herramientas narrativas, sin mucha relación con la realidad, pero a mi no me molesta. Al contrario, me parece una manera perfecta de explicar dramáticamente una situación complejísima.

Alatriste: Las sombras y las sombras del imperio

Intuyo que Alatriste puede ser la apuesta más arriesgada llevada a cabo por eso que llamamos cine español de los últimos cinco años. Alatriste se ha vendido en televisión (No en prensa) como una película de aventuras y NO ES UNA PELíCULA DE AVENTURAS, sino una crónica histórica, un retablo de personajes que atraviesan los estertores del imperio español del "Siglo de Oro" con un único denominador común, Alatriste. Un capitán que no es capitán, un mercenario que intenta mantener intacto el honor en un mundo rodeado de (y sirviendo a) hijos de puta. A saber, nobles, curas y reyes. Agarrado a unas normas de conducta, a un compañerismo inquebrantable, a una liturgia de combate a la vez digna y absurda.

Alatriste tiene un único problema, pretende condensar cinco libros en dos horas y media y creo que eso es imposible. Pero, ¿por qué cinco libros? ¿Por qué no de uno en uno? Creo que por varias razones, todas muy comprensibles: 1)Son muchos libros, demasiados para una industria que no puede desembolsar 24 millones de euros al año para hacer una película 2)Eso es una franquicia y ésto no es una franquicia, no es Harry Potter, sino la película de un director que no puede (ni quiere) dedicar diez años de su vida a adaptar cinco libros.

Entonces ¿podrían haber hecho uno? No, porque entonces se quedaría fuera lo que hace que ésta película sea tan interesante: el fresco plural del declive del imperio, de la monarquía. La reflexión profundamente antimilitarista sobre las guerras, sus mótivos y quienes las libran, etc.

Evidentemente, señalar un límite no quiere decir que uno justifique que el guión sea tan confuso (especialmente en sus primeros cuarenta minuntos) Dónde, literalmente, hay veces que no sabes dónde están los personajes y cómo han pasado de un sitio a otro y dónde las historias secundarias están mal engarzadas (Porque no existe una historia principal. El protagonista de ésta película no es Alatriste, Alatriste es el pegamento que deja que el protagonista aparezca representado) De ésta forma, mientras muchas secuencias por separado son excelentes (Quevedo andando por las calles mientras el Conde Duque de Olivares lee sus críticas al rey-gloriosas- Iñigo y Malatesta a duelo, el final, todas las secuencias de los tercios) Los engarces entre ellas son incomprensibles y lastran el ritmo.

Hablando con amigos que conocen la saga a fondo me dieron muchos datos para seguir bien la historia, pero eran datos que no estaban en la película.

El aspecto técnico me pareció excelente, sobre todo la fotografía que en momentos concretos parecía sacada de un cuadro de Velázquez. Igualmente, los actores y actrices me han parecido más que correctos. Unax Ugalde, por cierto, me ha parecido excelente junto con los ya consagrados Dechent (tremendo) y Eduard Fernández (entrañable, digno, magnífico)

La mayor parte de la gente con la que he hablado dice que no les ha gustado y hay una de esas críticas que me parece aceptable, la que tiene que ver con el guión. Hay otra que me parece más injusta, es la que dice que eso no es una súperproducción. Como si una superproducción fuera un género, que tiene que acabar con una gran batalla con millones de soldados (aunque la historia diga que lo que pasó fue más bien lo contrario) y tiene que tener un personaje con una linealidad determinada y un secundario simpático, etc, etc. Pero eso es negarnos la posibilidad de desarrollar una narrativa que se pegue a la película que queremos contar, cosa que A. Díaz Yanes hace a la perfección. Nadie que quiere disimular su falta de medios planta un plano general de una batalla para mostrarnos que apenas hay cien soldados.

Estamos es una película de derrotados, si esperabamos lujos y horopeles y grandes gestas con un sentido heróico, no podíamos estar más equivocados.

Casi Famosos. Un gran guión con las mejores intenciones

-Dime Russel, ¿qué es lo que te gusta de la música?
-Para empezar, todo.

Ayer Telemadrid puso la que es, en mi opinión, la mejor película de Cameron Crowe hasta la fecha. Ganadora de un Oscar al mejor guión original el año de su estreno, cuenta la historia de William Miller (en realidad, una fábula autobiográfica sobre el propio Cameron) un chaval de 16 años, periodista de la revista Rolling Stone que sigue la gira de una banda llamada Stillwater, remedo de Led Zeppelling y otros de la época. Junto a los miembros de la banda viaja también Pennylane, una "bandage" enamorada del guitarrista, Russel Hammond.

Todas las películas sobre música y músicos son buenas, hasta las malas. Pero es que ésta es además una gran y emotiva película con algunos momentos un poco sensibleros pero, en general, excelente retrato del amor a la música con un punto de idealismo y una interpretaciones acojonantes.

Si no la han visto, no se a que esperan.

El próximo oriente. Una sencilla película

Como ya ha comentado el señor Zeroneuronas en su blog ayer fuímos al cine tras deglutir entraña, vacío y cochinillo. El plan original era ver una de esas malas de miedo, pero Antonio y yo nos zafamos como jugadores de fútbol y nos metimos a ver la última película del señor Colomo, El Próximo Oriente.

Fernando Colomo es responsable de algunas de las "comedias progres" más divertidas de los últimos 20 años, desde La Vida Alegre a Bajarse al Moro o Efecto Mariposa. Sus películas constituyen un género en si mismo dentro del cine español, así que a quién no le gusta el cine español como género, probablemente no le gusten las películas de éste hombre. A mi me gustan mucho.

El caso es que El Próximo Oriente es una comedia que no es una comedia sobre el Lavapies intercultural que no es sobre el Lavapiés intercultural. El cartel de la película y las críticas que he leído de la misma llevan a pensar que se trata de una comedia de enredos, pero lo cierto es que nos encontramos ante una historia de amor y buenas intenciones. No es una película sobre el Lavapiés intercultural porque su historia se circunscribe a tres casas en una misma calle y porque no construye un relato colectivo, sino la historia de un tipo que no puede ser mejor persona, interpretado magistralmente por Javier Cifriían. De la misma forma, Nur Al Levi compone con intensidad el personaje de una joven migrante de segunda generación metida en un lío bastante considerable y enamorada de un auténtico hijo de puta.

No es una comedia porque ninguna de sus situaciones están construídas como una comedia, es una especie de costumbrismo ligero y agradable. Más que buenrollismo bienintencionado y típicamente progre, la película presenta a unos personajes que son gente bastante normal y bastante sensata. El intento de Colomo por presentan un islam moderado es, de nuevo, más que un compendio de buenas intenciones porque sí, un intento por complejizar lo que, cada día, aparece mediáticamente connotado con una simpleza preocupante, aunque es cierto que los momentos "didácticos" sobre el Islam podrían ser más simpáticos y no interrumpir tanto la acción. La música, por cierto, es excelente.

El guión de la película es sencillisimo y totalmente previsible, pero no por ello deja de ser entretenida. La verdad, yo pasé una buena tarde.

Mirrormask: Una delicia de cuento de hadas nada infantil

Neil Gaiman y Dave Mckean forman uno de los tandems creativos más importantes y mejor valorados del noveno arte. Gaiman ha escrito varios tebeos y novelas gráficas dibujados por Dave Mckean (si es que tal cosa es aplicable a un genio como Mckean) Mckean es ha sido el encargado de realizar todas las portadas de The Sandman y ha realizado los títulos de crédito de la serie de la BBC Mirrormask, escrita por Gaiman. Sus trabajos juntos suelen habla de memoria, el paso de la infancia a la junventud o de la juvnetud a la madurez, de violencia, de espejos y reflejos. Mirrormask no es una excepción.

La obra es un compendio de referencias entre El Mago de Oz, Alicia en el País de las Maravillas, Chesterton, La Reina de las Nieves y los trabajos anteriores de ambos autores. En el guión se pueden encontrar retazos de Coraline o Neverwhere (Desde la duplicidad, la ambigua oposición luz/ oscuridad, los protagonistas femininos, la traición, etc.) y en el diseño numerosas referencias anteriores a los trabajos de McKean, como es la mezcla entre collage e imagen real, las formas blandas y redondeadas, los paisajes surreales tamizados por colores suaves, etc.

La historia es un prodigio de sencillez (quizás demasiada) y sucede como en algunos cuentos clásicos, con los protagonistas empujados de secuencia en secuencia, de escenario en escenario por elementos externos a ellos y dejando pistas para una resolución final que a los ojos del espectador se hace evidente, pero no menos atractiva por ello. Gaiman y McKean sitúan su punto de vista no tanto en el viaje de maduración de Helena, la protagonista, sino también en las figuras paternas y maternas que pueblan ésta historia que trata la relación entre la independencia y el desarraígo.

Algunas de las secuencias son de una poesía visual sobrecojedora. El estilo de Gaiman entre lo existencial y lo cotidiano encuentra una plataforma tridimensional en la increíble capacidad narrativa de McKean. En concreto me quedo con dos, la secuencia con los gigantes orbitales y la de las muñecas que cantan éxitos del Pop de los ochenta.

Por cierto, la banda sonora, una mezcla entre el pop, el jazz y las melodías circenses propias de la música del Circe Du Soleil, es maravillosa.

Gaiman y Mckean se mueven en un territorio intermedio entre la historia para niños y el cuento tétrico para adultos. Yo se la recomendaría a ambos.

Piratas del Caribe, una cuestión de escala y los guiones, los malditos guiones

Va una historia.

Imaginen que tras el éxito de Indiana Jones En Busca del Arca Perdida, Spielberg dirige la segunda y tercera partes de Indiana Jones a la vez, con un guión que divide las películas en dos. La historia consiste en que Indy va a partirle el alma a Satanas y bajar a los siete infiernos. Cuando todo termina, el mundo ha cambiado por completo, los acontecimientos desencadenados son gigantescos pero Indy ha salido airoso". No suena mal, quizás sería una película bien rodada, interesante, entretenida, con momentos de autoreferencia a la primera película que constituyen los mejores momentos de la película que se sostiene sobre los méritos de su anterior entrega. Pero estoy seguro de que no sería Indiana Jones, sino otra cosa más atronadora y llena de furia, más pasajera, como las tormentas de verano. Que cuando llegan parece que se acaba el mundo y luego pasan y, en realidad, es como si no hubiera pasado nada.

Fin de la Historia.

He ido al cine esta tarde con mi entrada comprada desde hacía unos cuantos días, con los amigos de siempre. Como cuando estrenaron Piratas del Caribe 1, en mi opinión una de las mejores películas del género más complicado de escribir, el de aventuras. He ido con la emoción de volver a ir a ver a personajes queridos, irónicos, interesantes, metidos en un follón de narices, con buenos que cambian de bando a cada minuto, engaños, traiciones y grandes peleas. Ah si, y piratas.

He ido dispuesto a tragármelo todo, deseando hacerlo. Digo todo ésto para que entiendan que no tengo nada contra el género, ni contra éste tipo de cine, pero estoy harto. Cada día más harto. No es que me haya aburrido, ni que no haya sonreído en un par de ocasiones, pero tengo una sensación similar a la que tenía viendo el Episodio III, como si todo aquello que amaba de Piratas del Caribe hubiera estallado por los aires.

Piratas del Caribe (La primera) era una película cara (pero no de las más caras) con buenos efectos especiales y, sobre todo, un guión excelente. La presentación de Jack Sparrow es una de las mejores vistas en mucho tiempo en el cine. Un momento perfecto, divertido, emocionante. Un guión excelente que contaba una historia, simplemente. No estaba el mundo en peligro, ni había un gran plan secreto que implicaba miles de personas, no. Había un tesoro y una maldición y unos tipos que querían acabar con la maldición y un tipo que quería vengarse de esos tipos y recuperar su barco y en medio de todo eso dos chicos jóvenes irremediablemente enamorados y, en su simpleza y pureza, carismáticos. ¿Ven que fácil? Debajo de eso había toneladas de sentido del humor y múltiplies giros y traiciones dentro de una linea fácil de seguir. El éxito de la película era una total incertidumbre.

Piratas del Caribe 2 es lo contrario. Dónde podría haber una historia sencilla hay un batiburrillo incomprensible e incompleto (porque el libreto de ésta película es doble, la grandeza de la superproducción la ha convertido en una historia inabarcable, en una saga de la que sólo vemos la mitad) Quizás sea la película que he visto donde peor se explican cosas sencillísimas de explicar. Cosas que al estar mal explicadas, en un afán permanente por rizar el rizo, obligan a que los personajes tengan salidas completamente disparatadas y, como en los "mejores" momentos de perdidos, nadie se cuente nada aunque con una simple explicación se resolverían unos quince nudos de un acertijo que, en realidad, no esconde nada. Todo se ha vuelto grande, apabullante y extremo. Las delicadas pasiones llenas de ironía se han convertido en grandes pasiones. Los malos ambiguos se han vuelto simplemente, malos. y Jack Sparrow parece menos que antes salvo en un par de gozosos momentos (o tres)

La película está bien realizada y los actores están como en la primera. Deep defiende a capa y espada algo menos interesante que la vez anterior. Bloom hace bien el papel de niño bueno pero tono (porque hay que ser muy tonto para hacer algunas de las cosas que hace éste chico en la película? Y Keyra pone morritos y protagoniza la secuencia más vergonzosa de la película.

Uno puede decirse, "buah, tampoco está tan mal para una tarde de domingo", pero lo cierto es que si está mal. Es indignante que nos traten como a gilipoyas, que nos tomen el pelo y, sobre todo, es indignante que conviertan la ironía y la magia en estruendo sin sentido. Quizás es que ésta película ya estaba vendida y el dinero recuperado antes de empezar, que se trataba simplemente de eso, "De ir más lejos" "Más allá" De, básicamente, "pasarse". Y eso han hecho, y todo lo que a mi me gustaba de la película, lo que la hacía especial, se ha ido al traste. Que pena, la verdad.

Poseidon Strikes Back

"Eso sí, aburrir no aburre. En una alucinación pirandelliana, llegué a preguntarme por qué no llamaban al rescate a Supermán, que estaba justo en la sala de al lado haciendo de las suyas."

Dicen en Crisei en una acertada y divertida crítica.

En la linea de Fuego

Ayer por la noche Antena3 puso En la Linea de Fuego, uno de los productos estrellas de la reposición televisiva (En Telemadrid la han puesto no se cuantas las veces). La película (seguro que la han visto) es un prodigio narrativo. No me canso de verla. Absolutamente todos los actores están geniales, la dirección es excelente. El magnetismo obsesivo de Malkovich junto a esa especie de derrotismo no complaciente e irónico de Clint Eastwood son uno de los duelos interpretativos más sugerentes de los noventa. Casi tengo la sensación de que inauguran un género (lo cual no es cierto) con Presidentes y psicópatas. Ayer me fije sobre todo en la música de Morricone, excelente, con alguno pasajes parecidos a Los Intocables.

Pero lo que más me sorprendió de todo, después de haberla visto unas diez veces, es su magnifico guión. El texto, obra de Jeff Maguire es una maravilla de dosificación de la información. Cada secuencia hace avanzar la acción. La capacidad para introducir subtramas y cambios de tono en el interior de una secuencia hace que todo funcione de una manera más orgánica, más entretenida (Ejemplar el momento en el que Eastwood está tocando el piano y aparece Malcovich o la conversación con René Russo- guapisima, por cierto- en la habitación del presidente)

Me pareció una buena manera de dejar las breves vacaciones y volver al trabajo.

3 eran 3: Poseidón, Dominó y Superman Returns

Todo el mundo debería darse el gusto de ver 3 películas seguidas. Una detrás de otra, sin interrupciones más que para coger algo de comer, hacer necesidades variadas o cambiar de cine (Si, claro, me refiero a ver tres películas seguidas en el cine. Hacerlo en la tele ya tiene nombre, se llama "tarde del domingo")

Una sesión doble es algo agradable, pero una triple... oh, amigos y amigas. Eso es el paraíso.

Incluso me atrevería a decir que hay que elegir cuidadósamente las películas para no quedar destruído, saturado, epatado, acogotado y otro montón de cosas que terminan en ado e ido. Mi elección de hoy ha sido: Poseidón, Domino y Superman Returns. Ninguna me ha gustado, pero debo reconocer que entre las tres han conseguido componer una "tarde" (Desde las cuatro y media hasta las doce de la noche) Bastante entretenida. Vamos por partes y orden.

Primera Sesión: Poseidón- Estoy encantado de haber visto ésta película. Estoy escribiendo una cosa que se relaciona muy colateralmente con el cine de catastrofes y verla la película ha sido todo un viaje iniciatico a lo que uno no debería hacer jamás. La película es tan mala que es hasta divertida. Me he reído bien agusto. Salvo una secuencia a la mitad de la película, todas las demás tienen algún momento vergonzante. Un detalle cómico que no funciona, una frase mítica que queda mal, una decisión incomprensible, una interpretación forzada... Algo, que lo manda todo a hacer puñetas. Esta mañana he leído la crítica de Red Stovall en Blogdecine y él comentaba que el problema era que sólo dedicaba 10 minutos a dibujar los personajes antes de que empezara el festín. No estoy deacuerdo. En los 10 primeros minutos de... Perdidos, o de El Coloso en Llamas tienes más conocimiento de personajes, más pinceladas, más profundidad y, sobre todo, más carisma que en los descubiertos tras ésta colección de seres unidimiensionales con el pobre Rychard Dreyfuss intentando darle algo de empaque a su personaje. Joe, que mala... Pero que risa.

Segunda Sesión: Dominó. Lo de Dominó me ha hecho reflexionar algo más, pero al final ha terminado por ponerme de mala leche. Es un completo desproposito. Una vergüenza tan autoconsciente y pretenciosa que no da ni para reírse y encima esconde una moralina de una putridez enfermiza. A cualquiera que le interese la escritura de guiones debería ver esa pelícual e intentar contar cuantos errores tiene (errores conscientes) Cuantas trampas de la peor clase y cuantos giros completamente delirantes. Para todo aquel que diga que es moderna, sólo recordarle que Guy Richie ya hacía esto mismo hace diez años con mucha más solvencia y mucho más sentido del humor. Que el propio Scott ha firmado películas acojonantes con guiones muy solidos (Desde Amor a Quemarropa-Dios, que buena es Amor a Quemarropa- Hasta Enemigo Público) Lo de Dominó no hay por donde cogerlo, y encima cabrea.

Tercera Sesión: Superman Returns: Comparado con las otras dos es una obra maestra y reconozco que la mitad de las pegas no son culpa de la película sino de mi nula identificación con el personaje de Superman, ni con sus poderes ni con su universo. En mi opinión, la película tiene un punto interesante (bueno, dos) Lex Luthor y el hijo de Lois Lane. Está realizada de maravilla y todas esas cosas que ya sabíamos los que vimos X men 1 y 2 y los que adoramos Sospechosos Habituales, pero... no sé. Es que no me interesaba nada demasiado. Pero tampoco ha sido una decepción porque iba sin ninguna espectativa, a pasar el rato.

Creo que... si. Me voy a ver una peli en el DVD. Probablemente Los Goonies.

Buenas noches.

El Castillo Ambulante: Fábulas pacifistas de animación tradicional

El pasado sabado vi El Castillo Ambulante, la última película de Miyazaky, el genio de la animación tradicional japonesa. A la cabeza del ya mítico estudio Ghibli, Miyazaki ha narrado sus historias con una elegancia, una maestraía y un talento que harían palidecer a muchos de los animadores de la industria estadounidense, en mi opinión un tanto perdidos. El talento de Miyazaki ya está sobradamente demostrado, cualqueiras que haya visto La Princesa Mononoke, o El Viaje de Chihiro sabena lo que me refiero. El Castillo Ambulante es una nueva puesta a punto de sus temáticas recurrentes, narradas con una efectividad y una precisión milimétricas.

La historia no podría ser más sencilla y a la vez más evocadora. Una niña es maldecida por una bruja que la convierte en una anciana de noventa años, la niña/ anciana tendrá que buscar al Mago Howl, que viaja en un castillo con patas por la zona montañosa exterior a su ciudad, y solicitar su ayuda. Esta premisa tan simple empezará a complejizarse paso a paso, ni Howl ayudará a la niña/anciana, ni será necesario, ni la bruja será tan malvada, ni los buenos serán tan buenos. Al contrario, todo se llena de unos matices que, desde un punto de vista puramente pedagógico, son magnificos.

De nuevo encontramos una historia protagonizada por una mujer, de nuevo en el contexto de una sociedad militarizada y subsumida en una guerra completamente incomprensible (y como veremos al final de la película, absurda por completo) Un juego terrible organizado desde el poder, al que sólo se oponen Howl y sus magníficos acompañantes (Magnifico Calcifer, entrañable en cada plano)

Una maravilla.

Tiempo de Valientes. Los géneros cuando ya no quedan géneros.

Tiempo de Valientes es una comedia policíaca. Una buddy movie a la Argentina. Una híbrido feliz entre dos cines, el de acción norteamericano de los noventa y finales de los ochenta, esos blockbusters de Donnen o McTiernan (Más lo de Donnen) y el cine social y costumbrista Argentino , todo ello con sabias dósis de comedia.

Tiempo de Valientes juega con las convenciones del género y va un poco más allá de ellas. Las situaciones de comedia lo son, las situaciones de violencia los son y sólo en las secuencias acción parecen perder un poco de píe.

Una de las máximas de la comedia es: dolor+ verdad. Personalmente, tengo mi propia teoría relacionada con algo intuítivo que llamo "las distancias", es una especie de reinterpretación de eso que decía Woody Allen de "si se curva tiene gracia, si se rompe no tiene gracia" y eso otro de "tragedia más tiempo". Alex de la Iglesia habla también de distancia en el interior del plano en el húmor físico, todos son connotaciones vagamente geográficas. El tiempo y el ritmo son esenciales también. El caso es que Tiempo de Valientes maneja muchas de ellas con maestría, gracias a la magnifica interpretación de sus personajes protagonistas: Diego Peretti y Luis Luque (por cierto, como se parece Luque a ese mítico policía que acompañaba a Axel Foley en Superdetective en HollyWood, es que no me sale el nombre)

Además de todo ello tiene una interesante trama policial y política vinculada a la corrupción en Argentina y al descubrimiento de las clases medias de la realidad de un país devastado por el capitalismo. Impagable Peretti reflexionando sobre su vida, impagable su mujer e impagables la durezca de Luque cuando su personaje tiene que hacer de poli malo.

El final de la película desmerece un poco el resto, pero realmente es una apuesta de calidad y entretenimiento que sabe recoger lo mejor de dos géneros, mezclarlos con inteligencia y localizarlos en un tiempo y un país. Bravo.

La Guía del Autoestopista Galáctico

Ayer por la noche disfruté de la adaptación de la famosa obra de Douglas Adams dirigida por Jarth Gennins , con guión del propio Adams. La ví con una ventaja a la hora de disfrutarla, no había leído los libros de Douglas más que un poco por encima. Su humor me recuerda muchísimo al de mi adorado Terry Pratchett y a toda una tradición de la literatura británica que quizás puede tener su punto de partida en el maravilloso Chesterton.

Digo que es una suerte el haber visto la película sin haber leído las novelas porque estoy casi seguro de que si lo hubiera hecho al revés, no me habría gustado mucho. La película parece una "aproximación" al universo Douglas que no termina de explotarlo a fondo, pero al no conocerlo, todo me resultaba novedoso e interesante. Quizás debido a eso, la película me pareció una gozada, el tipo de película que sería de culto si no existieran los libros (aunque claro, si no existieran los libros probablemente no existiría)

No es exactamente una comedia, sino un derroche de ingenio que me recordaba mucho a una versión luminosa y desenfadada de El Dóctor Who. El comienzo es maravilloso y la fina ironía existencial que recorre todo el metraje es deliciosa. Una sencilla historia de amor, unos personajes correctos y simpáticos (aunque el interpretado por Sam Rockwell me cargaba un poco) .

Evidentemente, gracias a ella he llegado a los libros de Adams, lo cual es de agradecer.

El tramo medio de la película es un poco tedioso y la realización (a pesar de un diseño de producción y unos efectos especiales perfectos- o sea, sin apabullar) es un poco plana, aunque tiene algunos hallazgos simpáticos, me pareció especialmente buena la secuencia inicial en la que los protagonistas están a punto de ser lanzados al espacio.

Un entretenimiento inteligente y sencillo que plantea buenas preguntas. Además salen ratones. ¿Se puede pedr más?

Volver. El fino hilo del cuidado invisible

Vi Volver hace unos cuantos meses y, por alguna razón, no había escrito nada sobre la película hasta ahora. Los premios de Cannes me han hecho recordar el visionado en esa sala de los cines Princesa de Madrid. Recuerdo que cuando ví Todo Sobre mi Madre salí del cine completamente noqueado,. Una película que empezaba con un título que decía "Almodovar", no "dirigida por" ni "Pedo Almodovar" no, "Almodovar", como si pusiera "La Guerra de las Galaxias", como una franquicia acojonante. Después una sucesión de planos de los distintos instrumentos de un hospital, creo que hasta se me ocurrió un corto viendo esas imágenes. Todo Sobre Mi Madre me dejó alucinado, ¿cómo me había creído semejante historia rocambolesca? ¿Como había llorado? Flipe en colores.

Luego viniero Hable con Ella y la Mala Educación y no me gustaron tanto y con Volver, he vuelto a alucinar, solo que de otra manera. Volver es una declaración de principios que dice "Las Mujeres hacen el mundo", hay un plano en Volver en el que Lola Dueñas corre por una casa vacía hasta llegar a un patio lleno de hombres, varones me refiero. Está escapando de una fantasma. Pues bien, prefiere el fantasma que ese patio silencioso de color negro. Sólo con ese plano tienes media película contada, así de buena es.

Pero es que luego Almodovar, del que siempre se dice que recicla la cultura pop y la culturas basura y los culebrones y tal y Pascual, hace la crítica más demoledora a la telebasura que yo he visto en mucho tiempo. Con Blanca Portillo (que, por cierto, se sale) convertida en terrible sufridora del espectáculo de las miserias televisadas. Una mirada desde dentro, complice, acojonante.

Carmen Maura y Penélope Cruz tres cuartas de lo mismo, ese homenaje a las atrices italiana de los 50 con esa falda y ese pedazo de culo y esas tetas y esa sombra de ojos y esa rabia. Y esa madre entrañable y maravillosa, cuidadora, tejedora, penélope de un mundo invisible de viento solano. Tremendo.

Yo no sí si Almodovar vuelve a ser lo que era o siempre lo ha sido o qué, pero Volver es un peliculón.

Siete Vírgenes, ¿excluídos de qué?

Flash de minuto y medio, palizas en Sevilla. Telediario del mediodía, Antena 3 o Telecinco. Una semana después especial de varios programas: Botellón, drogas, pequeños hurtos, violencia, seguridad ciudadana, más policía. Esto era hace tres años. El tipo humano estaba claro: varones menores de veinte, motos de pequeña cilindrada, gorras, chandall, cadenas o anillos, relojes demasiado grandes para muñecas demasiado pequeñas, maleteros de coches. Enemigos públicos, barrios obreros.

Alberto Rodiguez se hizo alguna pregunta más que todos nosotros (o que muchos) preguntas que iban mucho más allá de las paredes del reformatorio, preguntas que volaban por los patios y la ropa tendida, que esquivaban el calor del verano. El lo explica mejor que nadie: Creo que para la mayor parte de la gente los protagonistas de esta película no existen. Forman parte de una realidad localizada en la sección de sucesos; un accidente geográfico inexplorado y ajeno a la clase media de cualquier país. Es probable que alguna vez hayamos cruzado los límites transparentes de su territorio, pero no hemos sido capaces de descifrar su lenguaje de gorras y ciclomotores. Es más fácil darle un significado al miedo que nos hace bajar la mirada cuando coincide con la suya y seguir desconociendo ese pequeño mundo habitado por invisibles "Tanos" y "Richis". Pero existen y son unos cuantos, yo diría que muchos. Y posiblemente esa mirada fronteriza que los hace translúcidos sea la autoafirmación de un comportamiento colectivo determinado, incluso necesario para ellos. Un rechazo no puede ser correspondido más que con otro rechazo, y si me rechazas es porque existo. Es la manifestación de los invisibles.

Plan Oculto. Spike Lee y la solvencia de Género.

Hace unos años me examiné del First Certificate, el examen se hacía en Madrid, en unos recintos enormes en la casa de campo, donde está la fueria de muestras. Eramos miles de personas examinándose a la vez. El First es un examen tipo test, éste tipo de examen siempre me ha salido bastante mal y los he hecho bastante rápido. Esto me dejo bastante tiempo para aburrirme mientras el resto iba terminando sus exámenes. No te podías levantar y marcharte. Dediqué mucho de mi tiempo a imaginarme formas de secuestrar el lugar, que le voy a hacer, pienso en esas cosas. Viendo Plan Oculto me acordé de ésto, porque ellos resolvieron la pieza del puzzle que a mi me faltaba, pero usábamos el mismo método. Esto me lleva a pensar que lo que éstas películas buscan no es tanto que el espectador se encuentre con un complejísimo plan, sino más bien que haya un juego entre la historia y quien la recibe en él que vas siempre pensando que estás por delante, cuando muchas veces estás por detrás, o mirando al sitio incorrecto. Las películas de ladrones, son de mis favoritas.

No sabría identificar el nombre del género en cuestión, ¿es una variación moderna del cine negro? Quizás sí. ¿Es un híbrido entre el cine negro y el cine policiaco? Para eso habría que partir de la idea de que existe algo parecido a un género policiaco y eso está por ver. Las películas de ladrones, o de robos o de timos, comparten un elemento que es lo que, en mi opinión, las hace tan atractivas. Son películas donde la mayor parte de los personajes son muy inteligentes, o al menos donde dos de esos personajes (generalmente, perseguidor y perseguido, ladrón y policía y, a veces, timador y timado) miden sus fuerzas en una competición donde lo único que útil son las neuronas. El experimento resulta mejor en la medida en que el opositor (esté en el lado que esté) sea lo más brillante posible.

Cuando un género hace una apuesta tan clara por la inteligencia, todo lo demás suele acompañar. tramas entretenidas, giros inesperados, personajes fantásticos y diálogos maravillosos. Las películas de ladrones son como si las películas de mafiosos se tomaran un descanso de tanta culpabilidad mal digerida y tanta violencia.

Spike Lee no es un director de género, sino más bien un autor profundamenta político, muy interesante y con una capacidad narrativa insuperable (para darse cuenta no hay más que ver como el mundo de la publicidad deportiva ha fagocitado muchas de sus herramientas narrativas) Sin embargo, éste director ha realizado un película profundamente de género, rodada con temple, ritmo y capacidades únicas. Con un elenco de protagonistas en éstado de excepción (Desde Denzel Washington- quizás la persona más elegante del planeta- A Clive Owen, que aporta dureza y profundidad a un personaje muy atractivo) y un guión preciso, trabajado y cerrado por todas sus aristas.

Dicen que la película tiene un "trasfondo político" y que es un cine "post- 11s", no es cierto. La historia se reduce a un par de chistes a costa de la situación paranoíca de la policía con respecto a los árabes y a cierta denuncia de la corrupción sistémica en el mundo de las finanzas. Nada nuevo y tampoco demasiado interesante. Pero el duelo interpretativo, la confrontación de las inteligencias es un goce total.

Bienvenido a casa y la comedia

Hay muchas cosas que me interesan de David Trueba y de su cine y creo que he visto todas sus películas en una sala. Me interesa Tristan Ulloa y la tristeza de "La Buena VIda", me gusta mucho (pero mucho) Los Peores Años de Nuestra Vida, me gusta mucho Soldados de Salamina y me gusta mucho su guión compartido con Azcona para "La Niña de Tus Ojos".

Hace meses, cuando estrenaron Semen, que no he visto (y en la que David Trueba no tiene participación alguna) Mi madre fue a verla e intentó convencer a mi hermano para que fuera también, mi hermano le preguntó ¿Es más divertida que un Capítulo de Siete Vidas? Y mi madre dudó durante unos preciosos y vitales segundos. Mi hermano respondió "Siete Vidas es gratis". Traigo ésto a colación para recordarnos que, si ya era difícil hacer comedia y que alguien le tuviera un mínimo de respeto, con la televisión la cosa se ha vuelto mucho más compleja. Porque las comedias televisivas están bastante bien, son divertidas. Pasa un poco como con Perdidos, ¿que le queda al cine de acción si Perdidos no es muy diferente técnicamente de Parque Jurásico? (Aunque Parque Jurásico sea mil veces más entretenida? Supongo que la queda 16 calles :=)

La comedia es el género más difícil. No sólo porque hacer reír (pero a carcajadas, no sonrisillas) es complicadísimo, sino porque la comedia es el género más exigente, el más intelectual (en el buen sentido) El que menos se regodea en si mismo...Por eso Alex de la Iglesia es un genio cercano, porque NADIE podría hacer una comedia en televisión con la carga de Alex de la Iglesia.

Bien, creo que ya he dado vueltas suficientes como para hablar de bienvenido a casa. Espero que no se hayan mareado.

V de Vendetta. La rebelion intertextual I

En los años ochenta, Alan Moore y Steve Lloyd escribieron e ilustraron una novela gráfica de nombre V de Vendetta, eran los tiempos del Tacherismo, de la depresión económica y la heroína. Joder, eran los tiempos en los que John Constantine paseaba por las calles de Londres cazando ejecutivos demonio. Eran unos tiempos grises y tristes. V vino para borrarlos del mapa y traer un nuevo orden. Un orden que él no podría encarnar.

A principios del año 2000, Andy y Larry Watchowsky cogieron ese cómic y lo conviertieron en una película de éxito. Una película nacida en la era de la Guerra Global Permanente, del terrorismo y el miedo como forma de control y dominio sobre el planeta. Algunas de sus traslaciones fueron muy inteligentes, otras no tanto, pero la apuesta es sumamente arriesgada y sólo por eso merecen respeto. Van algunos leves spoilers en la primera entrega de ésta crítica sobre V, más general.

Azul Oscuro Casi Negro. Cine Español del bueno.

Vamos por partes.

1)Me encanta el cine español. Así, como género. Me gustan sus temas, sus payasadas, sus lugares comunes, etc. Si alguien me preguntara alguna vez que cine me gusta yo diría "El americano y el español" Es más, creo que es el único cine que he visto en mi puñetera vida. Azul Oscuro Casi Negro es una buena película española.

2)Daniel Sánchez Arévalo fue compañero mío de trabajo durante un año. Si esperan una crítica objetiva, van listos.

3)Azul Oscuro Casi Negro está rodada COMO DIOS.

Así os lo digo. Sólo los primeros tres minutos te hacen babear, y además te hacen babear en el buen sentido. El buen sentido de babear es cuando uno babea regocijándose en lo que ve, sintiendo que TODO es lógico, que no nos intentan epatar, por muy moderno y lleno de ritmo que sea lo que vemos.

Azul Oscuro Casi Negro es una película humana y sensible, una sensibilidad que se nota en su música (excelente Pascal Gaigne), en su fotografía, y en algunos de sus temas humanos.

Y es una película española, no en el sentido nacional chusquero, sino que sigue una tradición narrativa entre la lírica y el costumbrismo. Es como un Fernando León con menos conflicto social, y un Achero Mañas (entiéndamente, el Achero Mañas de El Bola) con más poesía y más adolescencia. También es una película sincera.

Los actores están, en su inmensa mayoría, como dios. Aunque muestro mi debilidad públicamente por Marta Etura (todo intensidad y fragilidad) y Quim Gutierrez, soberbio.

Azul Oscuro Casi negro mantiene cierta continuidad temática con respecto a los cortos anteriores de Daniel Sánchez Arévalo, incluso tiene una especie de corto dentro de ella.

He de reconocer que el final no ha terminado de convencerme, pero el camino hasta allí lo ha hecho plenamente.

Creo que eso es todo. Ah si, Dani hace unos días estrenó un blog

Hoy han estrenado varias películas bastante infames. Si tienen que elegir, yo iríra a ver ésta (es lo que he hecho) Una de la que no han habalado TODOS los telediarios, que no tiene ardillas con el culo pelado de hielo, ni a Sharon Stone reviviendo los buenos viejos tiempos a golpe de picahielos.

Zathura. Buen cine infantil.

Ultimamente, me empeño en no ir a ver las películas que quiero ver y termino como uno de esos padres estresados, acompañando a algún mozo a ver una película que, a priori, no me interesa. A veces la cosa sale mal, a veces sale bien. Muy bien, diría yo.

Zathura es una continuación de esa franquicia entretenida y familiar (con fondo triste) que resultó ser Jumanji. El esquema es similar al de ésta película, pero con leves variaciones- quizás lo que todos buscamos en éste tipo de cosas, ver la misma película, un poco diferencia, pero básicamente igual. Si entonces se trataba de un juego que trae cosas desde otro mundo hasta el nuestro, en éste caso se trata de un juego que nos lleva a otro mundo (sin salir de casa, metáfora perfecta de la mezcla entre seguridad y desfío que en todo niño produce jugar al juego que sea)

Lo que en Jumanji era un conflicto familiar (bastante dramático) hoy es un conflicto fraternal más bien light (aunque reconozco que las historias de hermanos suelen guasterme mucho más que las de padres o madre, o divorcios- aquí hay un divorcio, pero muy colateral.

Para los amantes del cine así, en general, les informo de que uno de los guionistas de la historia es el muy competente David Koepp, que ha escrito cosas cómo La habitación del Pánico, Spiderman (la uno, siempre la uno), The Paper (una de mis películas favoritas) y Atrapado por su pasado... además de La Guerra de los Mundos (que a mi no me gusta, pero que ahí está) De hecho, el principio de la película es una versión buena del principio de La Guerra de los Mundos, la relación de los dos hermanos está construída con ingenio, rapidez, efectividad y unos diálogos cargados de sentido y naturalismo.

La realización, de Jon Favreau no es ninguna maravilla, cierto deje telefilmero y algunas soluciones más bien ramplonas, pero efectivas. Toda la chicha de la película está en el guión y en los dos actores protagonistas, especialmente en ese prodigio de la ternura, el ingenio y la gestualidad que es Jonah Bobo (en la foto).

Les advierto que, siendo una película infántil, no hay una concesión gratuíta a la ternura en ningún momento, y lo único que se le puede achacar es cierto tono repetitivo al principio.

Sky High y Dios bendiga a Harry Potter

Ayer por la tarde debería haber visto Syriana, pero asuntos de índole doméstica me colocaron en la simpática testura de acompaña a un mozo de siete años al cine (bueno, siete y medio)

Primera constatación: No hay películas infantiles, o cada vez hay menos. Seguro que hay un motivo económico para ésto y tendrá alguna relación con el consumo y los adolescentes, pero no es de eso de lo que quería yo hablarles.

De lo que quería hablarles es de la película que vimos, Sky High: una bazofía infumable y altamente nociva. Como el chico con el que iba tiene una familia de bien que se está ocupando de su educación, yo no estoy preocupado y el alborozo del chicuelo al ver las cabriolas y soseces

A partir de aquí van unos spoilers, pero léanlos a modo de prevención, por si les apatece verla.

La película cuenta la historia de un joven, hijo de una pareja de súperheroes, que va a una escuela para superheores. Esto permite mezclar el "cine de instituto" (el peor cine de instituto, el que está en las antipodas de El Club de los Cinco ) Y el "cine de súperheores" (El peor cine de súperheores, el que está en las antipodas de x-men2, o Superman)

La historia va de que no hay diferencias en el mundo y de que todos somos iguales. Esto se explica en la película porque hay dos tipos de heroes, lo que son los súperheroes y los denominados "curritos" (o la traducción es lamentable, o realmente se están riendo de los "trabajadores") Es decir, los compañeros de los heroes, que tienen peores poderes o no tienen ninguno. El protagonista no tiene poderes (qué es lo que todos esperan de él) y gracias a eso entra en contacto con los pobres perdedores de la vida, los freaks incomprendidos (representados, claro, por un negro, una china, una hippye y un pringado blanco) Gracias a su encuentro se da cuenta de que todos somos iguales.

Eso sí. A la mitad de la película él consigue los poderes. Con lo que todos somos iguales, pero yo soy el guay que te deja "ser como yo". Y encima losfreaks tienen como único objetivo aparente integrarse en ese mundo de "lo popular" (asociado, claro, al poder adquisitvo)

Por si esto no fuera poco, la mala es una inteligente y atractiva geek, puteada de por vida por ser inteligente.

Y si a eso le unimos que el papá del nene es quien tiene los poderes físicos y la mamá la inteligencia emocional, componemos el infame puzzle de esta verguneza.

Lo dicho. Que me quedo con Harry Potter

Capote. Actuar ante quien sea

Vamos por partes. No he leído nada del señor Truman Capote. Ni siquiera recuerdo, que le voy a hacer, las clases sobre evolución de la figura del heroe en la literatura norteamericana. (Yo es que soy de plan nuevo, ¿saben? con esas asignaturas de títulos laaaargos) Desayuno con Diamantes siempre ha sido una película, nunca un libro. Por no saber, ni siquiera sabía que aspecto tenía el caballero (Miento, le vi una vez en esa gran película que es "Un Cadaver a los Postres", intepretando a impresionante Lyonel Twain. Pero sale poco y está actuando)

Aunque esto pueda resultar una desgracia cultural, es una gran ventaja a la hora de aproximarse a ésta película dirigida por Bennet Miller y protagoniza por Philip Seymour Hoffman y la siempre maravillosa Catherine Keener (que por cierto, interpreta en la película a la autora de "Matar a un ruiseñor", una película que tampoco fue jamás un libro, (en mi cabeza).

¿Por qué es una ventaja? Porque cuando se juzga la interpretación de un actor o actriz sobre la base de un personaje real se suele apreciar sus dotas de imitación, cosa que no puedo hacer, porque insisto, no conozco al caballero. Es más, el caballero ni siquiera tiene porque caerme bien.

Con todos estos datos puedo decir que los que hace Hoffman en esta película es alucinante: La composición de un personaje narcisista, egocéntrico y lleno de talento con una gama de matices desbordante y rondando la ambiguedad a lo largo de toda la película. Es muy difícil saber si estamos ante un simple manipulador vampirizando una experiencia real para alimentar una fantasía, o ante una persona absorvida por la barbarie de los crimenes que relata y la personalidad de las personas que los cometieron.

Esto no es sólo mérito de Hoffman, el guión, de Dan Futterman, sobre la obra de Gerald Clarke permite que esa ambiguedad se extienda a cada situación.

El único problema es que toda esa ambigüedad, (ojo, magistralmente resuelta al final de la película) Le da a la narración un carácter frío, desapasionado.Creo que ésto resiente un poco el ritmo de una, por otra parte, gran película.

Latiendo por detrás maravillsamente, la siempre compleja relación entre ficción y realidad y entre narrador y "lo narrado".

Por lo que llevo leyendo en los suplementos de casi todos los periódicos, acaba de salir en España, la biografía de Capote y una colección de su correspondencia, amen de (supongo) reeditar "A Sangre Fría". Cualquiera de las tres opciones se cuenta ya entre mis prioridades.

La Caza de Brujas y Good Night and Good Luck

Les dejo dos enlaces buenos, buenos.

El abismo habla de la Caza de Brujas como es debido Por cierto que en Good Night and Good Luck no se habla del mundo del cine y su represión ni una sóla vez. Lo cual es (en mi opinión) otro gran motivo para verla, ya que a través del cine se ha construído la imagen de que el Macarthysmo fue un ataque contra los creadores de la industria de California y no un auténtico aparato de terror social a todos los niveles.

Por otro lado Spaulding hace una crítica más cinematográfica que la mía de la película de Clooney. No se la pierdan.

Que día más tonto tengo hoy.

Good Night and Good Luck: Cerebro y sobriedad

Hace una semana exactamente que ví esta película, la razón por la que no había escrito sobre la misma hasta ahora es que pretendía hacerlo con más seriedad de la que me ha caracterizado hasta ahora (es uno de mis nuevos propósitos del año, currarme un poco más los post de este éstilo) Lo cierto es que las diferencias con el año pasado son mínima, vuelvo a escribir directamente sobre la plantilla de Movable Type, en vez de hacer un borrador antes y luego completar aquí. Escribo del tirón, como siempre. Así que ésto es un pequeño disclaimer por mis intenciones y mis resultados y la media de ambas cosas.

Good Night And Good Luck es una película cerebral, desapasionada, sobría y, en mi opinión, excelente. Empiezo diciendo ésto porque muchos de mis compañeros de trabajo y muchos buenos amigos me han comentado que la película les ha parecido soporifera. Bien, no es mi caso.

De alguna manera parece que esa fotografía, esa interpretación completamente contenida, esa música maravillosa y ese guión tan esquemático, tan simple, tan "por sus pasos", eran una apuesta ética.

También parece una apuesta ética la aparente falta de obstaculos y conflictos fuertes en la película, todo se muestra sin cargar las tintas, con una frialdad documental donde los problemas se resuelven en el interior de las secuencias, en el momento (muy televisivo, por cierto, éste recurso). No es que no haya conflictos, es que no se dilatan.

¿Qué apuesta ética? La de la integridad profesional. Creo que toda esa contención sirve a un único proposito, expresar la integridad moral de los protagonistas, absolutamente inquebrantables en todo momento. No sólo el protagonista interpretado por un David Strathairn apabullante, sino todos ellos.

Reconozco que esta apuesta puede restarle dramatismo a la propuesta, pero me parece una interesante elección (que a mi al menos me mantuvo activo durante toda la película- que por otro lado es bastante breve) y un ejercicio de guión curioso. En ese sentido más que una película sobre el Macarthismo, es una película sobre los heroes (porque así están tratados) que se le opusieron. Situar el punto de vista en otra parte (quizás alguno de los acusados por el senador) habría dado, sin duda, una película muy distinta (Mucho más dramática, mucho más obsesiva) pero el recurso funciona también hacia el presente.

George Clooney no sólo nos muestra una época con un parecido sorprendente a la nuestra, sino también una época radicalmente distinta a la nuestra. Con los mismos demonios y distintos heroes. No se pueden negar que, en relación al presente hay un recurso lógico a los buenos viejos tiempos donde el periodismo era integridad y cuarto poder en la lucha contra los estragos políticos.

De cualquier manera, es evidente que el mayor gozo de ésta película y el mayor acto de rebeldia de la misma es sacar a un hombre fumando por televisión en éstos tiempos de higienismo castrador.

Munich: Gran cine y grandes ideas

En una entrevista realizada por Amador Fernández a Wu Ming 4 para la revista El Viejo Topo, les preguntaba por el sentido de los mitos fundadores y su relación con las comunidades, los wu ming respondían lo siguiente: Las historias son el carburante ecológico de las comunidades en marcha. Pero pueden también convertirse en instrumentos opresivos y paralizadores. El patrimonio de perspectivas e historias compartidas, el imaginario, forja una base de cohesión comunitaria, pero no hace falta mucho para pasar de la cohesión, del sentido de un camino que se está recorriendo, a la construcción de una identidad fija, que hay que mantener y preservar de las contaminaciones externas.

Basta pensar en un pueblo nómada y absolutamente "mestizo" como el judío. Éste ha podido sobrevivir, confrontarse a otras culturas, mezclarse con ellas y al mismo tiempo sobrevivir a varios intentos de exterminio, gracias a un bagaje mítico y de historias fortísimo. Su mito más fuerte, el de la Tierra Prometida, transportado por todo el mundo, ha sido un propulsor increíble para la cultura judía durante toda su historia y ha contribuido al desarrollo de Europa. El Judío Errante, con su Tierra Prometida en la mochila, ha sido una de las figuras más fascinantes y sorprendentes de la historia y ha producido personajes como Moisés ben Maimónides, Baruch Spinoza, Isaac Newton, Karl Marx, Sigmund Freud, Albert Einstein, Hanna Arendt... ¡Woody Allen! En el momento en que se ha sacado el mito de la mochila para concretarlo y vincularlo a una identidad territorial cerrada ha terminado por producir un estado militarizado, discriminador, belicoso.

Creo que Munich habla literalmente de lo mismo que habla Wu Ming 4, de la posibilidad y necesidad de resignificar el mito judío del origen. Y quizás el mito del origen orientado a una tierra concreta y a partir de ella a la construcción de una nación. Munich es, en ese sentido, una apuesta tremendamente personal (estoy seguro de que alguien familiarizado con la cultura judía entenderá mucho mejor que yo ésta película) que construye uno de los relatos más fascinantes del cine de acción y espionaje de los últimos años.

Brokeback Mountain- Grandes interpretaciones y serios problemas de ritmo

Ayer fuí a ver Brokeback Mountain con una sensación contradictoria. Ang Lee ha drigido una de mis películas favoritas: La tormenta de Hielo, y la película viene cargada de globos de oro y buenas críticas. Pero los trailers llenos de gestos enjutos y miradas cargadas de intensidad me preocupaban, el "cine independiente" suele transformar sus problemas de ritmo con laaaaargos silencios y emoción contenida.

Brokeback Mountain es una película que tiene mucho merito, es una apuesta valiente y arriesgada, y eso es lo primero que hay que reconocerle. Sin embargo, a partir de ahí hay que pedirle lo que a cualquier película (sean cuales sean sus intenciones)

Supongo que en la sociedad americana impactará bastante ver a éstos dos vaqueros tremendamente masculinos tener escenas románticas y momentos de sexo explicito, pero éste valiente aliciente no resulta demasiado impactante en Europa, con lo que la historia debe ser algo más que valiente para que nos importe demasiado. No es que aquí no haya homofobia y represión sexual, el problema es que llevamos viendo cine que ha intentado impactarnos desde que nacimos y ya no nos impacta nada.

Las interpretaciones, dirección ,música y fotografía de Brokeback Mountain son excelentes, contenidas e inteligentes, el problema (en mi opinión) es el guión. Un guión que sólo despega en la primera media hora y en los últimos veinte minutos, (la primera media hora es excelente, eso sí), pero que naufraga estrepitosamente en la hora y pico por la que transcurre si segundo acto donde no sucede prácticamente nada. Esto no es un problema de ritmo, la intensidad de lo que sucede puede llevar un tempo pausado, pero la película no avanza en dirección alguna durante minutos y minutos. Los conflictos abiertos no estallan, no ya los de la pareja de protagonistas, tampoco los de sus parejas o hijos, o lo hacen demasiado tarde, cuando su fuerza es menor.

Como no hay una progresión dramática clara, ni siquiera las reacciones de los personajes se acumulan, sino que estallan para luego irse apagando lentamente. Ni siquiera vemos a los personajes explorar salidas a su situación (aunque luego éstas quedaran frustradas)

Estoy deacuerdo en que el medio oeste americano no es precisamente el paraíso de la revolución sexual, pero la posibilidad de la fuga y la huída es constante en cualquier historia de amor, y no contar- al menos- su intento por escapar de esa situación, le resta credibilidad al conflicto.

Sólo el final y su extrema dureza (que corre el riesgo de quedar sepultada por los anteriores tiempos muertos) consigue emocionar.

Afortunadamente, ésto es sólo una opinión humilde e individual, miles de personas están disfrutando de ésta película y tienen una gran opinión de ella, escribir sobre ella sólo es una manera de abrir espacios al debate, no entiendan esto como una crítica.

Testigo de Cargo- Obra maestra del guión

Si ayer no estaban viendo ese producto de calidad digno de una televisión pública que es el "Bar Coyote", y si, vía autonómica han podido seguir el ciclo Agatha Christie que ha ido poniendo telemadrid, quizás vieran ayer un peliculón maravilloso, testigo de cargo. Si no la han visto, no sé a que esperan para...

1)Admirar arrodillados el talento de Charles Laughton
2)Alucinar con la construcción de un personaje a través de la experta mano de Billy Wilder (Sea Laughton o Power, o... cada uno de los secundarios magníficos que pueblan la historia)
3)Saber que "la sorpresa final" tan típica en el cine actual era ya un lugar común y había genios que la hacian con una elegancia brutal. En los últimos diez minutos de Testigo de Cargo hay tres giros de la trama que son como ir en una montaña rusa sin control, una gozada.

Un guión armado con una precisión milimétrica, puro cine contemporaneo.

Jarhead- La Guerra del Siglo XXI

Un sonido atronador satura los amplificadores de la sala de cine: "You know the day destroys the night, night divides the day..." Jim Morrison se desgañita cantando los primeros versos de Break on Through to the other side, de The Doors. Lo que empieza siendo un sonido extradiegético se convierte en diegético cuando un helicóptero surca la pantalla de parte a parte, la música suena a través de unos altavoces instalados en el mismo. Mientras pasa, en el suelo de un desierto arenoso y aparentemente abandonado, un grupo de seis marines de los Estados Unidos, está cabreado. Uno de ellos mira al helicóptero y grita ¡esa música es de otra guerra!...

Muchos críticos han dicho que Jarhead había abandonado el contenido político y había perdido la oportunidad de criticar la guerra del golfo, Sam Mendes, director de la cinta opina que si hubiera hecho una crítica más directa habría hecho una película con fecha de caducidad, que habría durado seis meses.

Sus palabras esconden mucho más de lo que enuncian, pues Jarhead es uno de los experimentos fílmicos más interesantes de los últimos años, y una de las críticas más radicales e inteligentes a la guerra del siglo XXI que yo recuerde.

Ojo, spoilers (leves, eso sí)

Sobre Choque en Blogdecine

Han anunciado en blogdecine que ya se puede ver Choque, Lo último de Vigalondo. Allí se ha abierto un debate que habla de casi todo, menos de Choque. Aquí abajo va mi aportación a ese debate, y un intento por hablar del corto, caramba, que de eso se trata.

Punto, set y partido para Allen y sus lugares comunes

Tras ver Match Point hace unos días me he dedicado a leer algunas críticas que he encontrado en la blogsofera sobre la película, generalmente las críticas (todas excelentes y poniendo a la película por las nubes) coinciden en que resulta un tanto "previsible". No estoy deacuerdo, a ver... estoy deacuerdo pero no estoy deacuerdo.

Ahora vienen los spoilers y la colección de adverbios terminados en mente, conque ojito.

Malas Temporadas- Cada cosa a su tiempo

Jose Luis Martín Cuenca presenta con Malas temporadas su tercer trabajo, el siguiente tras La Flaqueza del Bolchevique. Una agradable sorpresa con excelentes interpretaciones.

En este caso el grumo de su historia es un tiempo muerto. Los tiempos muertos de la vida. Esas zonas de sombra entre decisión y decisión. Tiempos, al fin, duros, pero en los que indudablemente pasan cosas.

Malas Temporadas son tres historias enlazadas de manera muy colateral, sin inmiscuirse prácticamente la una en la otra salvo en momento muy concretos. El ritmo de la película es duro, lento como tienen que ser los tiempos muertos y las zonas de sombra.

Una película silenciosa (peca, quizás, de un exceso de música) con algunas interpretaciones prodigiosas, especialmente soberbios Javier Cámara y Nathalie Poza en sus diferentes composiciones, así como el hijo de ésta en la ficción.

Un profesor de ajedrez que acaba de salir de la carcel, una trabajadora de CEAR (Comisión Española de Ayuda al Refugiado) cuyo hijo ha decicido no salir más de su habitación sin un objetivo o motivo aparente, una minusvalida ex- cantante y su marido, un traficante de obras de arte venidas de La Habana, etc. Todos estos personajes construyen las tres historias por las que discurre el relato.

Con una fotografía saturada de blancos, casi documental, poco estilizada (cómo pide la historia) y una narración seca y reposada, Martín Cuenca consigue transmitir valor a su historia. El mayor problema es que sólo una de las tres historias está construída con fuerza dramática suficiente, mientras que las otras dos parecen deslavazarse un poco más. El problema es habitar narrativamente esas zonas de sombra, poblarlas de pequeños momentos que, sin ser nada, narren.

Hay mucha vida en el desierto, narrar el desierto es un problema y un desafío que Martín Cuenca acomete con sinceridad y valentía, con bastante acierto en muchos casos y con cierta falta de ritmo en otros.

Una película recomendable para estas tardes tan frías.

Harry Potter, el caliz de fuego y el arte de adaptar

Adolescencia para magos

Como todo acontecimiento (mediático, se entiende) que se precie, Harry Potter tiene su corte de seguidores fieles. Reconociéndome vágamente entre ellos (ya que no compro compulsivamente sus libros y voy a ver las películas sin una espectativa definida) debo reconocer que la lectura del primer libro me resulto de las cosas más gratas de aquella navidad de hace ya unos años, y que las películas en cuestión (especialmente la de Alfonso Cuaron) me parecen, en general, un muy decente entretenimiento infantil, juvenil y... mi edad.

Quiero decir con ésto que sin llegar a disfrazarme suelo ir a los estrenos de las películas del joven mago, aunque con el paso del tiempo he llegado a plantearme de forma perversa porque no le asesinan alegremente sus compañeros de escuela ¿no hay nadie más en Howgarts para que le pase algo? Yo soy de la opinión de que te todo lo mejor de Harry Potter sucede más allá del propio Harry, que no es que esté mal, pero ya sabemos de que va. Si me permiten me decantaré con pasión por la joven Hermione Ranger y el maravilloso Severus Snape como personajes favoritos.

Pero vamos a lo que nos interesa. El Caliz de Fuego

Cine bueno bueno, del malo malo: Serenity

Llego a casa después de ver Serenity, de Josh Whedon y debo decir que es una de las películas que más ha estímulado mi mente de mis últimas visitas al cine, reflexiones sobre cine y política, sobre cine y cultura, sobre high y low culture, sobre cine y televisión, sobre el audiovisual como fenómeno social, sobre... en fin, sobre muchas cosas.

¿Pero es que Serenity es una buena película? No, es malísima. Pero es un tipo de maldad que la eleva lentamente sobre las nuves, una maldad no humillante, una maldad complice, una maldad que dice "A mi también me gustaron las pelis de Roger Corman, ya se que son cutres, pero molan".

Si amigos, Serenity mola. Serenity tiene todo lo que falta al Episodio III, tiene a los personajes cínicos, tiene el sentido del humor, el aire de western, y no tiene el tonillo autosuficiente, al contrario que la súperproducción de Lucas, Serenity crece por abajo, en un fenómeno fanático-empresarial de gente que jamás negará que lo que está viendo es malísimo, pero que la está gozando.

Pero amgios, no es sólo que la estemos gozando, es que los diez primero minutos de Serenity son una de las críticas más lúcidas a las intervenciones bélicas en nombre de la "libertad, la justicia" y, como diría Blair "para defender nuestro modo de vida".

¿por qué es malísima? Porque Weddon es un realizador de televisión que se pierde en el narrativa de cine, porque los personajes son planos (y más cuanto más secundarios son) porque las reacciones de los personajes son explicativas y expositivas, porque hay más de dos y más de tres situaciones imposibles, porque el final es totalmente naive y bien intencionado, etc, etc, etc. Pero se goza, se goza porque se tiene la sensación de que todo eso forma parte de una narrativa consciente, no está hecho aposta, pero parece que no podría ser de otra forma.

Al mismo tiempo es un experimento curioso desde el punto de vista audiovisual porque es una pelícual tremendamente barata, con un inteligente uso de los exteriores y los decorados, con trucajes de maquillaje de gran calidad (marca de la casa, esa Buffy ) y con unos efectos esepciales muy trabajados, pero bastante limitadítos, desde luego, no estamos ante la típica superproducciń apabullante, más bien al contrario, necesidad y virtud.

Pero amigos, ¿si ésto es el goce que hay del buen cine? En serio, el objetivamente bueno, donde los personajes son creíbles y complejos, las situaciones no son forzadas, etc... ¿Donde está? Ya sólo nos queda la cultura pop de reciclaje televisivo y personajes de cartón piedra carismáticos, con unos conflictos personales para partirse de risa ¿donde está el goce del intelecto,? ¿la excitación? No les demos la razón, que no sea "complejo- aburrido" "simple- divertido". No, neguémonos: rebeldía, a la borriquetas, a los paramecios.

Nos negamos a aburrirnos. Estáis avisados.

Actualización seis años después

Hoy, 19 de Marzo de 2010, he vuelto a ver Serenity por segunda vez. He cambiado lo suficiente para saber que todo lo que he escrito ahí arriba (salvo los halagos) es un error y una estupidez. Mi yo del pasado hablaba desde la peor perspectiva posible, una atravesada por una ideología que desprecie el entretenimiento porque lo presupone reñido con el pensamiento. Que desprecia el arquetipo y confunde la complejidad con la falta de claridad a la hora de exponer ideas y que lo ignora todo sobre la cultura popular (En fin, no es que ahora sepa mucho, pero algo más si que se)

Serenity es el tipo de película que cualquier persona con dos dedos de frente y una preocupación singular por la autoria y por lanzar una visión del mundo a la vez comprensible y llena de entretenimiento, debería hacer. Aquí arriba escribí todo lo que no hay que hacer o pensar (En fin, pensar, que cada cúal piense lo que quiera, pero se equivoca)

Escuchen a Joss Wheddon porque sabe lo que hace. Mi yo del presente mira a mi imagen de joven intelectualillo con 26 años y se carcajea de risa.

Espero que haya quedado claro.

Un interesante comentario sobre La Guerra de Los Mundos

Recibí ayer un interesante comentario de "El Osito Teddy" a mi entrada sobre La Guerra de los Mundos, un punto de vista completamente distinto al mío sobre la película pero que desde luego matiza mucho algunas de mis apreciaciones (lo cual siempre es bueno).

Lo pego completo para que lo puedan disfrutar y comentar. Por mi parte sólo decir que si bien estoy deacuerdo en que no hay nada de malo "per se" en la concepción familiar, si me parece terriblemente conservador oponer la familia a cualquier otro tipo de vínculo comunitario, no ya uno que me invente yo, sino simplemente relaciones de amistad, profesionales, etc. Pero lejos de mí proponer el desierto posmoderno sin vínculo comunitario alguno donde lo único que campa a sus anchas es la ley del mercado revolviéndolo todo y destruyendo a placer :=)

Obaba y la suma de las partes

Ayer por la tarde fuí a ver Obaba, la última película del director Navarro Montxo Armendáriz, nominada como candidata al oscar por España y basada en la novela de Bernardo Artxaga "obabakoak". La película cuenta la trayectoria de Lourdes, una estudiante de imagen a través de la que conocemos tres de las historias que habitan en Obaba, que- como cortometrajes- se articulan con el relato general. Esos tres relatos son el de la Maestra (brillantemente interpretada por Pilar López de Ayala), Los Hermanos Ellit (con Eduard Fernández) y El hijo del Aleman (en mi opinión la historia más redonda de manera individual)

Lourdes, interpretada por Barbara Lennie con eficacia, narra una historia bastante inusual en lo que se refiere al juego "observador- cámara- narración". Una inversión que pasa de ser el narrador que extrae sentido y reduce la complejidad de lo real a introducirse como parte de la historia con su particularidad, en vez de la mirada que extrae, la mirada que es absorvida. Lamentablemente, el personaje no transmite (en mi opinión) una empatía suficiente con el espectador (quizás por su frialdad) como para que la implicación con el mismo sea emotiva (y no meramente cerebral) de ésta forma, su peripecia se queda un poco coja. Creo que es un problema general de la película en la que cada una de sus partes resulta interesante (incluso sobresaliente en aspectos como la música, la fotografía o algunas interpretaciones) pero el conjunto "implica poco". Personalmente no soy capaz de saber los motivos.

Algunas

The Take- Fabricas recuperadas, documentales pedagógicos, nueva y vieja política.

El pasado Martes día 5 de Octubre se exhibió en la Embajadores35 un pase del documental de Naomi Klein y Avi Lewis, dos pases de unas cien personas cada uno pudieron disfrutar de la película y de un debate posterior con Lewis acerca de la misma.

The Take (La toma) Narra la historia de una fábrica recuperada en Argentina bajo la consigna "Ocupar, resisitr, producir", la fábrica FOJA, nacida al calor de las movilizaciones del 19 y 20 de 2001 del cacerolazo y el "Que se vayan todos". Con una voluntad marcadamente pedagógica, entre el documental activista "interno al movimiento" y el nuevo documental Mainstream norteamericano. Klein y Lewis elaboran un documento emotivo (en ocasiones demasiado) y directo sobre una de las alternativas puestas en marcha por ese nuevo sujeto emergente en todo latinamerica que excede el ámbito estatal y produce nuevos procesos políticos.

Al mismo tiempo la película intenta producir una tensión entre la vieja política (ligada a las expesiones parlamentarias, la clase política, el estado, etc.) y la nueva (basada más en la expresión que en la representación, superando la legalidad estatal, produciendo derechos desde abajo, etc.) pero la resolución narrativa resulta poco efectiva para la propia tésis de la película (completamente contraria tanto a la "vieja política" como a los partidos y su lógica de representación) probablemente reflejando una contradicción real y una crisis en la propia perspectiva política de los creadores de la cinta, aún anclados en cierta lógica de representación, lo cual es- en mi opinión- una ventaja para la película porque consigue dibujar una tensión que, creo, se vive de manera activa en muchas realidades (incluyendo la nuestra).

Un buen documental para enseñar fuera de las realidades implicadas, que se centra en una de las muchas experiencias de la Argentina post- cacerolazo. Merece la pena.

Olvidate de mí- Cine en estado puro.

Da la casualidad de que las mejores películas de Jim Carrey son también tres de mis películas favoritas: Man On The Moon, El Show de Truman y Olvidate de mí, que tuve ocasión de ver por segunda vez el pasado domingo gracias a que, por fín, ha salido en DVD. Charlie Kaufmann es uno de los guionistas más novedosos e interesantes del último cine hollywood, Michel Gondry es uno de los realizadores más interesante en el ámbito del videoclip y con Olvídate de mí ha demostrado ser también un narrador eficaz, imaginativo y espectacular sin recurrir a efectos especiales, partiendo sólo de la dirección de fotografía, la posición de la cámara y la óptica.

¿Cual es la diferencia fundamental entre Olvidate de Mí y otras películas "posmodernas" carácterizadas por la dispersión del relato, la fragmentación, una pseudo psicología freudiana? Que Olvidate de Mí no utiliza el lenguaje como mera retórica formal, sino que recurre a este tipo de narración para transmitir emociones reales y reflexiones profundas sobre la vida, en este caso la necesidad de aceptarnos con nuestros defectos y flaquezas y una reflexión sobre el amor pesímista y a la vez tierna y maravillosa, merece la pena tener una relación con alguien incluso aunque sepas que tarde o temprano te cansarás, sufrirás o la odiarás...

¿Cual es la diferencia fundamental entre Olvidate de Mí y otras películas "de amor"? Que Olvidaté de Mi narra una historia sencilla a través de un mecanismo complejisimo (pero ojo, con un guión de estructura limpia y muy clara) que obliga a mantener la atención, tanto en su historia principal como en las historias secundarias.

A parte de eso, Kate Winslet está sencillamente genial.

Pedro Axati hablo de esta misma película ayer mismo
Refo hizo un interesante articulo sobre Kaufmann que merece la pena revisitar

El método: Ritmo, buenas interpretaciones y capitalismo postfordista

Ocho personajes alrededor de una mesa, y poco más. Una sala acompañando los asientos, un pasillo que apenas tiene importancia, unos baños y una recepción. Este es el marco escenográfico de una película pequeña bien vendida. El autor de la obra en la que se basa dice no reconer su obra en el texto, lo cual me parece perfecto porque así podré ver dos veces algo bueo y distinto (la película y su obra)

Mantener la tensión dramática y el ritmo a lo largo de las dos horas que dura la película es algo complejísimo y muy bien resuelto por Marcelo Pyñeiro (uno de mis directores favoritos y autor de las imprescindibles Plata Quemada y Caballos Salvajes) a través de un montaje ágil y bien cubierto y unas interpretaciones solventes (expcepcionales en el caso de Carmelo Gómez, Adriana Ozores, Eduard Fernández y Pablo Echarri) que conceden verosimilitud al conjunto. Diálogos rápidos, intensos e interesantes que mantienen la atención del espectador y hace avanzar la acción con inteligencia.

Un guión construído en torno a los tópicos de la empresa total, del lenguaje políticamente correcto en torno a la cooperación social, la capacidad de diálogo, el entusiasmo, el "ser positivos", etc. Con un sustrato real, como dice Echarri "¿Que equipo? Aquí no hay ningún equipo, estamos peleando por un mismo puesto de trabajo". Retórica empresarial frente a cuerpos sometidos a un régimen empresarial que no se limita a eliminarlos de un concurso, sino que imposibilita su acceso a un salario. Viéndo a esos ejecutivos intentar "ser humanos" (llevarse bien, tener cierta dignidad a pesar de todos) rompiéndose por un puto puesto de trabajo no podía dejar de pensar en los gladiadores que se negaban a luchar entre ellos en Espartaco.

La película se construye en torno a dos o tres giros interesantes que aportan el plus de atención justo para que "no decaiga" el interés. Es un pena que la última secuencia de la película decaíga un poco (ojo, sólo un poco) con respecto al resto y deje un sabor de boca algo más bajo que el resto de la película, que realmente merece la pena.

Personalmente, creo que no había ninguna necesidad de incluír el contexto "movilizaciones contra el FMI" que, de no estar, no harían la película diferente en ningún aspecto y que puede despistar por un exceso ideológico demasiado evidente y, quizás innecesario. También creo que se cargan demasiado las tintas hacia el lado "disciplinario" de la empresa, cuando la perversidad del modelo postfordista de producción en la sociedad de control es mucho más sútil y complejo, pero estas "anótaciones" son siempre posteriores a devorar el contenido con gozo y alegría.

Especialmente potentes la conversación sobre el refugio atómico y la secuencia del juego con la pelota, donde Eduard Fernández simplemente, lo borda.

Princesas- Debate en el abismo

A raíz de la crítica que ha hecho refo en el abismo de la película Princesas se ha montado un debate interesante sobre cine social, géneros, prostitución, credibilidad, Fernando León, etc. Acabo de escribir y creo que puede ser interesante reproducir aquí la respuesta para animar el debate en otros espacios.

"Pues a mi, con sus dudas, sus altos y sus bajos, me parece una película muy digna. La verdad. Y hay una parte de las críticas a la misma que me parecen dignas, justas, muy reseñables, etc. Otras me suenan a resentimiento, prejuicio y a prioris que dificilmente pueden poner las cosas en su sitio.

En estas está el modelo

a)F. León es un pijo con complejos- Parece ser que cualquier inquietud social, cualquier intento por hacer un cine social (de género social, con su lenguaje, su distribución, sus códigos, etc.) Tiene que partir de la mala conciencia y no de la curiosidad y el interés, es algo tan superficial como decir que las películas de acción las hacen directores fachas, absurdo.

b)No tiene ni idea de lo que cuenta- Me puedo creer que a alguien no le guste la imagen que da de un barrio madrileño, o de unos parados, porque es una cuestión de opinión, pero el conocimiento que parece demostrar el personal sobre el mundo de la prostitución (paradójico, teniendo en cuenta el grado de invisibilidad que tiene dicho colectivo socialmente) es un tanto sonrojante. Y la velocidad con la que se juzga qué es creíble y qué no parece tener más que ver con los a prioris particulares, por ejemplo "Todas las putas parten de una situación de marginalidad, luego el personaje de Candela Peña no se entiende", o "Todas las putas quieren dejar de serlo luego el personaje de Candela Peña no se entiende", Fernando León es un director que investiga mucho antes de hacer sus películas, creo que merece al menos el beneficio de la duda,

c)La típica película sobre prostitutas del Cine español- Esta es la que más me sorprende, reconozco que no conozco muchísimo cine español como para hacer el juicio a la inversa y decir que casi no hay películas "sobre" prostitutas en el cine español, otra cosa es que en algunas películas españolas aparezcan prostitutas, generalmente para
a)reirse de ellas
b)chuparsela a alguien
c)Tener un corazón de oro según los géneros

Pues vale, pero de cualquier manera esas generalizaciones sobre "El cine español" me parecen tan superficiales como las que acompañan al cine americano, o frances, etc.

d)El cine español está fatal, hace falta una revolución, un cambio, un algo: Esta es mucho más compleja, pero si el cine español está fatal no será por películas como Princesas que (como las anteriores de Fernando León) son películas extremadamente rentables.
e)¡Yo tengo la solución para el cine español! que suele ser que el cine español se dedique a hacer las películas que me gusten (sean del género que sean y de calidad que sea)

Creo que hay ser un poco más objetivos en las defensas, en los juicios, etc. No está de mal decir que puede que simplemente el "genero social" (yo creo que es un género) haya gente que no le gusta, como hay otros que no les gusta el cine de ciencia- ficción, o el de misterio o terror.

Saludos."

El problema de 9songs

Nine Songs es una película muy interesante.
En Tren de Sombras hacen una crítica valorando su apuesta arriesgada, su sentido cinematográfico, su calidad, etc.

Sin embargo, no puedo evitar acordarme de las palabras de Deacon Frost (Amigo y quizás unos de los pornografos con un conocimiento enciclopédico más grande en el asunto) cuando le recomendé que la viera: "¿Tiene canciones?, no sé, la parte entre polvo y polvo la pasaba rápido".

Y he de reconocer que, gustándome mucho, no podía dejar de pensar en a)Estoy viendo las canciones para que mi penosa mente no reconozca que lo que quiero es ver el polvo b)Esto es como esos museos eróticos para que los pijos puedan ir a sex shop sin escandalizarse y c)Vaya polla tiene el protagonista

Como ven, Deacon es más sincero que yo, pero no se. La critica tampoco está mal.

Los grimm in the net

En el habitual paseo blogosférico encuentro diversas críticas de la película de los Hermanos Grimm, va un repaso.

Pedro Axati se muestra encantado con la película
En Blogdecine también gusta, pero hay criticas, especialmente a la iluminación
Refo en el abismo no habla de los grimm, pero se marca un especial Terry Gilliam que quita el hipo

Seguiremos informando.

El Secreto de los Hermanos Grimm, buen cine moderno y reaccionario

Acabo e salir de los cines Ideal de ver El Secreto de los Hermanos Grimm, la última película estrenada en nuestro país de ese maestro que es Terry Gilliam, una fantasía que mezcla la narrativa clásica europea con el cine de aventuras, consiguiendo al mismo tiempo una entretenida película con un guión cuidado, interesante y divertido (salvo por un par de momentos que no llegan a explicarse con el único fin de hacer avanzar la acción y un par de giros finales un tanto confusos) y una parabola sobre el sentido de las historias, del flocklore, frente a la revolución de la razón.

Como siempre, ojo a los spoilers.

La blogosfera y las Princesas

Repaso bloguero y críticas a Princesas, casi todo lo que he leído apunta en la misma dirección: Buena película, buenísimas actrices, algún fallo de guión, buen trabajo de dirección, problema de repetir esquemas de películas anteriores... más o menos.

Spaulding recomieda verla
En blogdecine abren interesante debate
Moonfleet es el mas aguerrido fan

Si encuentro más notas ya iré actualizando.

Princesas, cine social de género

Cine Luminoso como la vida (leves spoilers en alguna parte, ojo)

Calle (perfecto nombre) y Zulema son dos putas en un Madrid resplandeciente, no sabemos las razones por las que Calle es puta, pero tampoco sabemos las razones porque las Juana es cajera, o al menos no nos interesan ¿hace falta justificación para ser puta? (Primer inteligente gesto de Fernando León), Son putas como podrían ser cajeras, pero son putas, una sobre todo es puta, y la otra es sobre todo Sin Papeles.

Las dos comparten un miedo, una, a que lo que es: "puta", la determine por encima de cualquier otra cosa, y por eso lo oculta, pero esa tensión hace su vida imposible. La otra está atada a una situación de ilegalidad que la obliga a aceptar lo que sea: palizas, sexo poco o nada seguro, violaciones, etc.

Las dos son interpretadas con una belleza y una profesionalidad, naturalidad, etc. Desbordantes. Como el resto del reparto de la película.

Tres eran tres +1

Princesas es la cuarta película de Fernando León, su primera película se diferencia radicalmente de las tres siguientes, tanto en su forma como en su contenido, por el contrario, tanto Barrio, como Los Lunes Al Sol, como Princesas, son una parte de un todo, esa continuidad permite empezar a juzgar las películas por méritos concretos, y también relativizar sus hallazgos, algunas metáforas se repiten entre Barrio y Princesas, algunos recursos ya los conocemos, y lejos de no ser efectivos, sorprenden menos, y sobre todo, vuelven algunos momentos de la trama previsibles, de tal manera que lo que en la primera película era un detalle de buen guión, hoy es una pista, nos hemos acostumbrado a ese lenguaje, y eso puede suponer algún límite a la hora de dejarnos sorprender.

Bien es cierto que frente a la completa ausencia de "trama" en Barrio y Los Lunes al Sol, Princesas cuenta dos historias, y las cuenta, las tramas evolucionan, y se resuelven, con un arquitrave mínimo, pero existente.

A nivel de estructura creo que la película se resiente durante unos quince minutos pasada la primera hora en la que lo que sucede ya lo sabemos, los conflictos están planteados, pero no se resuelven todavía. Al final remontamos bastante bien el rumbo.

Lo que más me chirriaron fueron dos o tres momentos que me resultaban demasiado forzados en la coincidencia, y la escena del Mercedes con el chofer, que aunque da oxígeno, resulta demasiado artificial para mí.

A pesar de ello la arquitectura del guión ex excelente, y lo que en Los Lunes Al Sol era un bar cerrado a Cal y Canto, hoy es una peluquería con cristalera que se relaciona con el mundo, y eso se agradece.

Música y Papeles

Por último quería mencionar los dos excelentes temas que Manu Chao se saca de la manga, con su capacida de síntesis sugerente y unos arreglos entre la fiesta y una tristeza contagiosa, resultan uno de los grandes aciertos de una película que, por cierto, usa muy bien sus silencios.

Una gran película, que de rebote, me permite hablar del Cine Social como género.

Sin Perdón- Violencia y consecuencias.

En 1994 Clint Eastowood dirigió e interpretó en uno de sus papeles principales, el que quizás sea el último western puro y duro (con las salvedades correspondientes a su época, a la inflencia de directores contemporaneos y a la adaptación de técnicas narrativas estrictamente contemporaneas), la película en cuestión se llama Sin Perdón, y es una de las cosas más maravillosas que ha dado el sépito arte, un análisis sobre las causas y las consecuencias de la violencias (especialmente esto último) sobre lo justo y lo injusto, sobre el mito y la realidad y sobre la ética.

Charlie y la fábrica de Chocolate- Dickens, Dahl y Burton

Roald Dahl escribió una vez un cuento que se llamaba Charlie y la fábrica de chocolate, era un cuento para niños que no trataba a los niños como tontos, sino como niños y que, como todo buen cuento en la herencia de los hermanos Grimm y otros grandes mitos de la literatura infantil, era cruel y misterioso y enseñaba algunas lecciones sobre la vida, el egoísmo, la familia, etc. Pero era un cuento para niños, no un cuento para adultos en el código de un cuento para niño, ni un cuento para niños y adultos, ni nada de eso.

Tim Burton hizo una vez una película sobre un libro de Roald que no trataba a los niños como tontos, sino como niños, pero era una película infantil y para niños. Y conviene juzgarla en esos términos.

Sin City: Palos y Zanahorias

Repaso por blogs variados a la busqueda de comentarios y opiniones sobre Sin City:

En La Ruina de la Familia le profesan admiración

En Blogdecine abren un espacio para debatir sobre el tema y hay de todo.

A Minid le gusta, a sus lectores no tanto, aunque hay fans

En La butaca la dan
un palo considerable

Seguiremos informando.

Mic mic.

Sin City: La copia y la invención

Decía el viernes que como me iba de vacaciones no iba a poder ver las películas de estreno, pero no contaba yo con esa influencia familar tan oportuna y esos meses de verano en el pueblo y el calor ¿que mejor sitio para refugiarse unas horas que en un buen cine? Mi madre me propuso el sabado ir a Logroño al cine, no pude decirle que no. Objetivo, la Ciudad de Pecado: Me refiero a Sin City, no a Logroño.

El mismo viernes, unos segundos antes de coger el autobus para salir de Madrid me quedé mirando un cartel de Sin City (uno de esos con los personajes que recorre todo Madrid) y me entretuve leyendo los créditos, algo que leí (o mejor, que no leí) me dejó un poco inquieto... ¿por qué no había ningún guionista acreditado?

Fue lo primero que me llamó la atención de los excelentes títulos de crédito de la película, tras una bella secuencia con Josh Harnett. No había guionistas ¿sería una cosa sindical? ¿un juego? ¿una prohibición? O simplemente no había...

La Guerra de los mundos- Spielberg, la familia y la montaña rusa

A veces hay datos cotidianos que revelan más sobre una situación concreta que complejos análisis de situación. Ayer fuí a ver la guerra de los mundos por una única razón, era la única película que nos podía juntar sin discusiones a mi madre a mi hermano y a mi en una sala de cine. ¿cómo se obra tal milagro? Supongo que elaborando esa quimera publicitaria denominada "cine para todos los públicos", que en realidad quiere decir cine para ninguno. La sala estaba llena. Ojo, Spoilers.

El Calentito- La transición queria ser punk

El calentito es la ¿quinta? película de Chus Gutierrez, y cuenta la historia de un trío musical (a saber, Las Sioux) que para conseguir un contrato discográfico monta un concierto el 23-F. Como es una película sobre música y sobre músicos es una buena película; y cómo es una película buena, es una metáfora. Una metáfora para describir un determinado ambiente, el de la llamada movida madrileña y un determinado momento, la transición española.

una vez hemos dejado claro los axiomas preliminares vayamos a otras cuestiones.

Batman Begins: Todo son buenas críticas

No es sólo que lo diga yo, es que Lo dice Refo, lo dice Spaulding, lo dice Blogdecine, lo dice Moonfleet...

Batman Begins

El pasado viernes acudí al estreno de Batman Begins con, la verdad, muy buena predisposición, hubiera sido muy dificil que la película no me gustara pues todo lo que había leído o visto me remitía al universo que más me gustaba de los Tebeos de Batman, bien lejos de las últimas estridencias. A la salida de la película la cabeza no dejaba de bullir apuntes, reflexiones, notas, etc. Quizás contenga algún spoiler, pero leve. Estáis avisados.

Primer: Intelectualizando el desproposito

Ésta película viene impregnada de cierta leyenda, el tipo de leyenda que puede hacer que la adoremos a priori (cómo sucedía con películas como Cube, o Pí, u otras) o la odiemos a priori. La fórmula empieza a sonar conocida y ya no es garantía de éxito ni de inteligencia, a saber: Persona que no tiene ni idea de cine, que jamás ha estudiado cine y que incluso viene de un campo tan alejado a la cinematografía como las matemáticas (en este caso) hace una película extremadamente barata y, no sólo triunfa en los festivales del ramo independiente (vease Sundance) sino que también "revoluciona" un género, en este caso el de Ciencia Ficción.

Estas coordenadas son comunes a muchas películas estrenadas desde mediados de los noventa, tanto que casi resulta inevitable que año tras año no se estrena la película del nuevo "director joven de mirada patatín que no tenía dinero pero tenía ilusión y triunfó" como una reedición posmoderna de La Cenicienta para que cientos de miles de estudiantes de imagen del planeta sigan haciendo experimentos con sus cámaras de Mini-DV con el objetivo de triunfar (en vez de divertirse).

Tiendo a creer que esto empieza a apestar a marketing subterraneo y que ya hay que ir a los cines Ideal con las anteas igual de atentas que cuando vamos al kinépolis con el "detecta mierda en on". No nos rindamos a priori a la calidad del envoltorio, no es nada bueno que Shane Carrut, creador total de esta película la haya escrito, dirigido, producido, fotografiado, montado y hecho la música (al menos no es nada bueno a priori) y lo siento, la película que vi ayer no ha costado 7000 dolares como dicen las hojas de promoción de los Renoir.

Y este tema si que es molesto ¡hacer una película no cuesta 7000 dolares! y ya está bien de engañar al personal. Hace cuatro meses grabé un corto en un formato digital de menor calidad al de esta película, que además ha sido inchada a 35mm, sólo tuve un día de grabación y alquiler de equipo y toda la posproducción me ha salido gratis, y el presupuesto ha superado los 6000 euros. Puede que yo sea un pésimo administrador del dinero, pero por muy malo que sea ¡una película con planos rodados con steadycam a tutiplen, numerosas localizaciones (ya está bien de la leyenda del garage, que casi no sale) y con CINCO semana de rodaje NO CUESTA 7000 dolares.¡

¿Quien le ha pagado el montaje a Shane? ¿y las mezclas? ¿y las copias? ¿Y el inchado? Podemos asumir que le han fiado todo el equipo porque tenía un preacuerdo de distribución? Son hipótesis.

Esto... ah, si. La película.

Películas del fin de semana: 24 hour party people

«Como dijo John Ford: si tienes que elegir entre la verdad y la leyenda, publica la leyenda» (Tony Wilson)

¿Han oído ustedes un grupo llamado Los Happy Mondays? Yo no. ¿Conocen un grupo llamado Joy Division? Yo, de oídas ¿Han escuchado alguna vez a New Order? De nuevo, yo no. ¿El Sonidor Manchester? Vagamente ¿Los Stone Roses? Algo más... ¿cultura Rave? ¿Dj? Más o menos... Pero todas las películas sobre músicos y sobre la música son cojonudas, hasta las malas.

24 hour party people es la segunda película que veo de Michael Winterbottom, la primera fue 9 canciones (y algún día hablaremos de esa) y la tercera será Codigo 46 (se lo digo yo) Cada vez que este director ha estrenado películas desde Wonderland (y van unas cuantas) yo me he apuntado en la agenda mental ir a verlas, sólo relacionaba vagamente la película con el director para llegar después a la féliz consecuencia de que muchas de las que me apetecían eran del mismo tipo. El caso es que nunca terminaba de ir (algo parecido me pasó con La Cabra Mecánica cuando sacaron sus dos primeros discos, pero esa es otra historia)

Omagh. Directo a las costillas

Sabado por la tarde. ¿Hace una pelí? Venga. ¿Que vemos? ¿Omagh? Perfecto.

Omagh es un proyecto de televisión que se ha convertido en película, el guionista es Paul Greengrass, que cómo ya he comentado por aquí alguna vez, ha rodado la mejor película sobre una manifestación que yo haya visto, Sunday Bloody Sunday.

Omagh es el nombre de un pueblo sacudido por el atentado más grave ocurrido en la historia de Irlanda del Norte. El IRA auténtico, escisión del IRA que se opuso al proceso de paz con el gobierno de Tony Blair que puso en marcha la organización armada y el Seinn Feinn. En el atentado hubo 32 muertos y cientos de heridos, católicos, protestantes, ateos, irlandeses en su mayoría, pero también ingleses e incluso dos españoles. La nacionalidad y la religión en realidad es lo de menos, fue un atentado para dinamitar un proceso de paz, un salto cualitativo en la geometría del conflicto que Irlanda vive desde hace ya muchos años.

Omagh cuenta la historia de la asociación de victimas creada a raíz de los atentandos. Familiares de los asesinados que iniciaron una lucha durísima y dolorosisima para exigir que se detuviera a los responsables de la masacre, encontrándose con la acción negligente del gobierno británico e Irlandes y sus respectivos cuerpos policiales. Nadie quería detener a los autores de la matanza ¿por qué? Porque tensionaría las partes en conflicto y podría generar el fin del proceso de paz y una nueva escalada violenta.

Algo más de información
via Escolar.net encuentro éste artículo sobre víctimas, negociación, terrorismo y procesos de paz, que viene al pelo para el tema de la película sacado de El confidencial

Lo mejor y lo peor: La venganza de los Sith

Ya la he visto. La vi el viernes en la fila uno de un cine de dimensiones considerables (aún así se veía bien) La publicidad había cumplido con su cometido porque absolutamente todo el mundo estaba hablando de ella (ven, hablo de "ella", como si fuera un ser vivo, como si le debería cierto respeto sólo por existir) Lo había cumplido por partida doble porque consiguió que esta trilogia se convirtiera (al menos para mí) en un nuevo acontecimiento social- que en mi caso se reduce a ir al estreno o aledaños con los amigos de toda la vida- algo que consiguió en su momento el episodio I y no había conseguido el II, que vimos con desgana, cada uno por su lado.

Para quien no la haya visto, que lo deje aquí, es más, que no me haga ni puñetero caso. Vaya a verla y luego hablamos, las críticas son para discutir con las personas que las hacen, no para formarnos una opinión y menos para destripar argumentos. Que lo disfruten.

Hormigas en la boca. De Mariano Barroso

Kinépolis 17h. Mi señora madre y servidor nos disponemos a ver alguna de nuestras "tres películas españolas del momento" (O sea Tapas, Heroína y Hormigas en la boca) Nos hacemos la promesa de ver las tres y priorizamos: "Hormigas en la boca puede que la quiten antes que las otras" (Mi madre tiene razón casi siempre) Así que nos metemos en una sala prácticamente vacía mientras cientos de personas corretean por las 25 salas del kinépolis viendo Superpoli pasaba por aquí 6 y (afortunadamente) cosas más dignas: El reino de los cielos gana por goleada.

Mariano Barroso ha dirigido una de mis películas favoritas del cine español de los noventa: Extasis. Y una de mis películas fallidas favoritas de los noventa: Los lobos de Washington (Ese concepto, el de película fallida lo digo apenado. Hay gente que está ancantada de que al personal le "fallen" las películas, a mi me apena, al menos en este caso) ¿Que quiere decir eso de fallida? Pues que me gusta verla y todas las cosas por separado funcionan (actores, dirección, guión, fotografía... quizás todas menos la música) pero juntas no acaban de cuajar y no parece ser culpa de nadie.

Hormigas en la boca es una resplandeciente película de cine negro. Es una película brillante como las fotografias elegantes de los años cincuenta, y brillante como los trajes blancos de La Habana pre castrista. La historia no es distinta (ni peor) que las cientos de películas de cine negro: hay perdedores, hay mujeres de ambivalentes intenciones, hay secundarios con taras físicas, hay malos elegantes, hay ambientes opresivos y hay- ocasionalmente- violencia salvaje. También hay actores excelentes (Perrugorria, Ariadna Gil y Eduard Fernández y un plantel de secundarios de empaque, tanto cubanos como españoles)

Como pasa en algunas películas de cine negro, el protagonista (Eduard Fernández) parece estar media película sin enterarse de nada (recibiendo encargos, trampas, contraencargos y un buen número de hostias) y la otra media dando caña, como dan caña los que no tienen nada que perder.

Quizás el personaje de Ariadna Gil sea un poco menos inquietante de lo debido y es verdad que hay diez o veinte minutos hacia la mitad donde la historia se vuelve un poco (un poco) herrática. Para ser una película tan de género hay momentos con cierto aire de improvisación o "estilo documental" (Cámara al hombro, evidenciar la presencia de la cámara) que a mi me sacaban un poco de la historia. Pero en general la película es de una solidez y una profesionalidad aplastante. Nada que envidiar a los cientos de películas del género que vienen de Estados Unidos y que, sin ser los éxitos del año tienen taquillas dignas, como ellas. Y hacen pasar un buen rato.

Sala 8. Kinépolis. 17h. Éramos 16 personas en la sala.

Si pueden véanla en video, tele o peer to peer.

Small Time Crooks (granujas de medio pelo)

Merece la pena enlazar una crítica que empieza con la siguiente frase: "Les sonaá a cachondeo, pero Hugh Grant es un buen actor". En La cinefilia hablan de Hugh Grant y de Woody Allen y de esa maravilla que es Granujas de Medio Pelo, ¿por qué es una maravilla? Porque sus personajes no son tontos. Oíga, pero si son unos ladrones completamente inútiles. Si. Pero no son tontos, y no se hacen pasar por tontos, son incompetentes, superados, soñadores incapaces, pero no tontos, no dan pena, dan risa. Su estupidez es inteligente como cuando en cuatro bodas y un funeral cara de pato dice: "Siempre pensé que U2 era un submarino".

Y otra gran frase en la crítica: "Si parece que al final de la peli ésta pierde fuelle es sólo porqué el principio es insuperable y no había manera de estar a la altura (bueno, más o menos como le pasa a la carrera de Woody Allen mismamente)."

Cuanta razón condensada en una sola frase. Y si quieren alucinar admiren la secuencia en la que Woody Allen habla con su mujer en la azotea, vean el encuadre conseguido entre las prendas de la ropa y piensen !Que bueno es este carbón¡ Pues sí, es buenísimo, hasta sus malas son buenas.

Películas del fin de Semana: La muerte os sienta tan bien

No sólo de El Castañazo vive el hombre. En mi dieta de celuloide para los fines de semana me reencontré con esta película de Robert Zemeckis de principios de los noventa que tan buen sabor de boca me había dejado en la preadolescencia... hoy las cosas han cambiado. Nada, pero nada, funciona en esta película.

La premisa más o menos interesante: la obsesión por la decrepitud, el paso del tiempo y la crítica a los "falsos remedios" de la cirugia y otros menos sutiles, se ve enfangada por una absurda historia (e incomprensible) de enemistad entre dos viejas compañeras, a cual más repelente, que de puro malas parecen tontas. El sufridor concursante que sirve de trofeo de batalla de estas dos arpías es un "abrumado" Bruce Willis, ex cirgujano y maquillador de muertos alcohólico que resulta demasiado patético, demasiado manipulable, demasiado... tonto.

¿Por qué hay ahora tantas comedias sobre gente tonta de remate? No me refiero a los adorables fraks tipo Wayne´s World, digo personas aparentemente normales pero sometidas a una especie de invasión de los ultracuerpos de estupidez y subnormalidad sin límites... si la comedia ha sido siempre el reino de la inteligencia... En fin, Bruce Willis es uno de estos pobres cretinos, su dignidad como personaje queda dilapidada bajo sus acciones baratas y su penosos "instintos animales" (Goldye Hawn le dice al oído la palabra "sexo" y él se vuelve loco, hasta el punto de intentar matar a su propia esposa... no hombre no)

El principio es atropellado, la mitad transcurre sin pena ni gloria y cuando empiezan los efectos especiales (los pobres, que en su día fueron pioneros) todo es una sucesión de imposibles, peleas, caídas sin gracia, slapsticks ridículos, etc.

Eso si. De pequeño la disfruté como una obra de arte.

Ridley Scott se lleva algunos palos más

Pobre hombre, a sus años y no paran de caerle. ¿Seré yo que me he vuelto blandito y me gusta todo?, En Spaulding Blog hablan con la habitual socarroneria y mala leche del Reino de los Cielos (genial sinópsis), y en Las horas perdidas aunque con más cautela nos recuerdan que esa película ya la hemos visto, y se llamaba Gladiator. Cuanta maldad.

Aunque insisto, ¿acaso es necesario que los valientes guerreros sean además unas bestias? ¿Es necesario que toda película acabe con una masacre final indescriptible y la derrota ignomininiosa del enemigo? ¿No es un alarde de cierto riesgo jugar con el climax de una película y decirnos "ey, una ciudad no es tan importante" "Eh, un discursito fanático de tu rey no te va a salvar la vida"? ¿No es esto un poquitín arriesgado? ¿Desde cuando es políticamente correcto sacar a los musulmanes como gente inteligente, culta, profundamente repetuosas con la religión de cada cual, etc? ¿Acaso Rydley no merece nuestra confianza? ¿Acaso no dirigió Blade Runner?

Si. Soy un blandito.

Actualización de minutos después
Resulta que la película no va todo lo bien que debiera en taquilla, y en los USA andan preocupados por el cine. Y además algunos historiadores andan enfadados por la visión de Scott, mientras que Al Jazzeera elogia le película... , que cosas.

El reino de los cielos da que hablar

En +Q Cómics hacen una crítica de El Reino de los Cielos radicalmente opuesta a la que hacía yo en estas páginas y cómo en la variedad está el gusto, pues queda enlazada.

A pesar de lo que comentan, hay algo en lo que no estoy deacuerdo. Dicen en +QCómics que uego tenemos la historia, que no es mala, pero que en ningún momento toma partido por ningún personaje (es decir, que no hay ni un héroe ni un malvado claro) sino un montón de personajes que defienden su causa sólo porque eso es lo que les toca, sea la misma mejor o peor. Eso provoca que el público no tenga un personaje con el que sentirse hermanado, ni un bando con el que sentirse coaligado, lo que ya empieza a provocar un desinterés por la historia que nos narra la película.

Personalmente, creo que la película tiene heroes clarísimos (quizás demasiado) y malvados clarísimos (quizás demasiado, también) sólo que estos no están determinados como tantas otras veces por la raza o la religión. Porque la linea entre quien es bueno y quien es malo no está determinada por quién ataca y quién defiende, sino por qué se ataca y qué se defiende (las ideas, la gente, las ciudades, las religiones, etc.) Y cómo. Esto es algo que quizás pueda resultar desconcertante, pero yo quiero ir al cine a que alguien me desconcierte, aunque sea un poco ¿no?

Posteriormente se hace una crítica completamente cierta sobre las batallas y su parecido con El Señor de los Anillos, especialmente con el asedio a Os Giliath, pues tienen toda la razón en +qcómics es clavadito.

Actualización unos minutos después

La crítica de Crisei es estupenda, da en el clavo y está bien escrita.

Películas del Fin de Semana: El Castañazo

Durante los fines de semana acostumbró a ver algunas películas en DVD, cosas que me dejan (cómo el archiconocido Usagi pack, que aún guarda alguna sorpresa) o que me compro. Este fin de semana, sumido en el cansancio y la soledad he podido ver por primera vez o repasar algunas películas. La primera de ellas ha sido El Castañazo, una maravilla dirigida por George Roy Hill uno de esos señores que un día los críticos deciden "revindicar" o "sacarlo del olvido", pero basta ver su colección de películas para darse cuenta de que el caballero era un fenómeno, para muestra un botón (o mejor El Botón) El Golpe.

Sus películas, y El Castañazo no es una excepción, son extremadamente modernas, prefiguran toda una serie de comportamientos en materia de sexualidad, profundidad de personajes, sentido narrativo, completamente contemponaeos, y forma parte de esa extraña generación de cineastas americanos previos a los Coppola, Bogdanovich, etc. Que miraban su país a ras de suelo, con personajes reconocibles insertados en la fórmula del género más clásico.

El castañazo cuenta la historia de un equipo de hockey de una ciudad perdida de los Estados Unidos, completamente dependiente de la economía generada por una fábrica que aglutina prácticamente a toda la ciudad, y que por supuesto está a punto de cerrar. En esa situación, el entrenador del equipo (un increíble Paul newman) decide convertir el deporte en sí en todo un espectáculo para ganar espectadores y lo hace usando una herramienta común a todo morbo, la violencia. Ayudado por los "hermanos Hanson" tres bestias pardas de físico similar a una especie de Ramones con gafas de culo de baso y sus otros compañeros de equipo, van ganando popularidad y partidos.

La historia desprende un realismo sorprendente, los personajes no sólo están dibujados con precisión y profundidad sino también desde el punto de vista físico ¿de donde han salido esos hombres y mujeres? La realida impregna la película dando verosimiltud y calado a la narración.

El fondo triste de toda la historia, especialmente expresado a través de la relación con las mujeres de los jugadores (alcohólicas en su mayoría, deprimidas y dependientes de sus maridos) y del propio personaje de Newman incapaz de salir de la relación con su ex-mujer, de la que sigue evidentemente enamorado.

Una película no sólo de deportes, y no sólo de hockey sino sobre la superviviencia, el morbo, el compañerismo y la violencia.

Muy, muy buena.

El reino de los cielos

El pasado viernes fuí a ver El Reino de los Cielos, última e interesante película del director Ridley Scott. Protagonizada por un a ratos endeble Orlando Bloom (aunque efectivo) cuenta la historia de la defensa y caído de una Jersualem gobernada por los cristianos entre la segunda y la tercera cruzada. El reino de los cielos hace referencia a ese pedazo de la tierra que lleva más de mil años siendo el centro neurálgico de conflictos sociopolíticos, religiosos y militares. Es de agradecer que el punto de vista de Scott no se centré en exclusiva en los "cristianos" sino que distribuya con cierta equidad el tiempo en pantalla y le dedique a los musulmanes buena parte de la película con un respeto que, con los tiempos que corren, es de agradecer, mostrando unos lideres pausados, inteligentes y respetuosos, frente a unos cristianos dividados y bastante fanatizados.

Esta innovación en el punto de vista es quizás el punto más novedoso de la película, que por otro lado transcurre con ligereza (y algún que otro traspiés) por el lenguaje de género más clásico. Historia de amor, lealtad familiar, buenos muy buenos y malos malísimos (y tontos, por supuesto) preciosos paisajes, batallas rodadas con precisión y pulso, escaramuzas más o menos gratuitas pero siempre entretenidas e intepretaciones de lujo en los papeles secuendarios (Con Liam Neeson Jeremy Irons a la cabeza,y un Edward Norton totalmente irreconocible)

Quizás la mayor pega que se le podría poner son ciertas arbitrariedades al inicio de la historia y algunos problemas graves al medir el paso del tiempo y el raccord, con campos que de pronto son yermos y de pronto son oasis de aguas y palmeras, y luego vuelven a ser yermos desiertos. Muchas veces es complicado saber si entre una secuencia y la siguiente pasan horas, días, meses o incluso años. Un problema común en las películas del género.

Pero eso sí, diversión a raudales y un novedoso punto de vista.

El cielo abierto. La sencillez y la magia

SpauldingBlog, un crítica perfecta para una película impresionante. Sólo añadir que quizás haya sido una de las veces en las que más pronto y de manera más intensa entré en la historia. Olga Román interpreta Again y en pantalla es de noche. La gente sale de trabajar, camina sola por la calle.
Los buos salen todos a la vez de la plaza de Cibeles (quizás para mi la imagen más triste, significaba que se acaba el fin de semana, había que volver a casa. significa que ella se iba siempre en dirección contraria, al noreste de Madrid, y no nos veríamos hasta el sábado siguiente, que iríamos al cine, otra vez)

La música lo tiñe todo de algo más especial que la simple tristeza, marca el tono de la película y nos introduce en ella. Después, un hombre recibe una llamada, están rompiendo con él por teléfono (ésta también me suena :=/) Y entonces empieza la comedia, la sencillez, la magía. La alegría extraña. Una película llena de gente que muere de manera periférica.

No se la pierdan

Sigue el debate en torno a Frágil, de Juanma Bajo Ulloa

Ya hemos hablado otra vez de Frágil en fílmica, y hemos enlazado algunas declaraciones muy interesantes de su director, Fermín comentaba que lo mejor sería que viera la película antes de juzgarla. Y tenía (y tiene) razón. Pero como no he podido ir al cine, y como el señor Spaulding hace unas críticas bastante completitas, aquí va una nueva crítica de Frágil, esta vez no la ponen demasiado bien.

Pd.-Sigo fascinado con el poster, pero no puedo evitar pensar que el tipo es Guy Pearce

Frágil, de Juanma Bajo Ulloa

Iba a haber ido a verla el pasado viernes, pero me pudo el cansancio y me quedé en casa. Mis compañeros me mandaron un bonito mensaje que decía: "no es simplemente mala, no es simplemente aburrida, es un poco de cada cosa" (más o menos) y yo pensé "Damn. otra película española que me apetece ver y que se queda en nada antes de empezar"... Pero hoy leo Esta bonita crítica que le dedican en blogdecine y ya no sé que pensar...

El propio bajo Ulloa dice cosas bonitas de su pelí en esta dirección

Hace Quince años de Cuando Harry Encontró a Sally

La película de Rob Reiner se estrenó en nuestro país en 1990, ya había sido un éxito de taquilla en Estados Unidos (donde se estrenó en el 89) y también lo fué en nuestro país. Aparte de encumbrar a la en ese momento dulce y maravillosa Meg Ryan resultó ser una de las mejores películas escritar por la guionista Nora Eprhon. Billy Cristal lo borda como siempre.

Cuando harry encontró a Sally es una actualización de las grandes comedias románticas de Woody Allen, un Hannie Hall de finales de los ochenta, Harry, el personaje de Crystal, es un neurótico depresivo de la mejor calaña. Sally no podemos decir que esté mejor de la cabeza, toda la película gravita en torno a la pregunta ¿pueden los hombres y las mujeres ser simplemente amigos?

Rob Reiner fotografía Nueva York llenándola de tonos ocres y verdosos, los constantes paseos de Harry y Sally, sus conversaciones sobres sexo, amistad, muerte, etc. Teñidas de momentos de ternura o de hilarantes secuencias: La famosa secuencia del orgasmo fingido por Ryan es un ejemplo del tipo de trabajo a través del cual se construye un buen guión: Nora Eprhon cuenta que Reiner necesitaba una secuencia de puro humor para levantar un momento bajo de ritmo hacia la mitad de la película, así que empezó a hablar con Meg Ryan y Nora Eprhon sobre el tipo de cosas que hacían habitualmente las mujeres, hasya que llegaron a "finjen orgasmos", decidieron intrudocir una secuencia en la que Meg Ryan fingiera uno, ésta sugirió que fuera en un lugar público ( y así fué, un restaurante) durante el propio rodaje Billy Cristal sugirió que una mujer comentara "quiero tomar lo mismo que ella" después de ver la escena, que resultó ser el cómico colofón de la secuencia. Para que luego hablen de propiedad intelectual.

La película destila sencillez y elegancia sin resultar pretenciosa. Los diálogos son divertidos y fue la primera vez que las "metateorias sobre relaciones" (que hoy pueblan todo el cine Indy clónico) sonaron frescas.

Si no la has visto, ya sabes.

Terminator 2- El fin del mundo bien narrado.

En el que pasará a la historia como pack de películas de Usagi venía incluída una versión especial extendida redux la leche con sotana de Terminator 2, este fin de semana, aquejado de problemas estomacales de dimensiones considerables, he podido repasar ésta película que vi por primera vez a la tierna edad de 12 añitos (con el propio usagi, por cierto) Es imposible repetir el impacto de la primera vez, y es posible que para quienes disfrutaron de la primera parte de la película en pantalla grande, allá por el 84, la sensación sea incomparable. Lo que si puedo afirmar es que esta película es una lección de narrativa fílmica, de construcción de guión, de estructura y de timing. Un puñetero prodigio.

Vamos por partes. La historia, aunque compleja, está presentada con sencillez y una rapidez asombrosa: Dos terminators (droides del futuro, asesinos cibernéticos) viajan al pasado con la misión de a)matar al hijo de Sarah Connor o b)defender al hijo de Sarah Connor, que en el futuro se convertirá en lider de la resistencia y la guerra contra las maquinas. Chin-Pon. A partir de ahí la historia consiste en saber que máquina llegará primero y quien conseguirá vencer.

Una ciudad entera para jugar

Creo recordar que esto era un lema de una famosa marca de ¿zapatillas? quizás Nike, no importa, lo importante es el mensaje, Terminator 2 es un festival de destrucción gratuíto y completamente liberador. anaquico y maravilloso. No hay absolutamente nada que se interponga entre las maquinas y su objetivo, no es sólo el despliegue de efectos especiales sino el efecto catarquico y liberador (que comparte frontera con las películas de catástrofes) que coloca al espectador fuera de toda responsabilidad con respecto a mobiliario urbano, tiendas, coches, correteras, puentes, etc. Destrucción y tumulto sin consecuencias... ahora que alguien me diga que no siente un gustillo irrefrenable al ver saltar por los aires un camión, o la planta x del edificio de cyberdyne sistems.

El mal no tiene forma

Tercer hallazgo prodigioso, el T-1000. ¿cómo destruir a ese ser inquebrantable, capaz de todo, sin forma definida, que es capaz de adoptar cualquier forma? Una concepción del mal terriblemente efectiva, un mal del que lo único que puedes hacer es huir, correr y ganar unas horas de vida, unos minutos.

Para mucha gente este personaje no es más que un hallazgo tecnológico, con su pan se lo coman. Hay que recordar que antes del ingenio técnico está la invención del personaje en sí, la imaginación del guionista puesta al servicio de esa construcción narrativa.

La falta de forma, la idea del mal como algo líquido y fluído, móvil, que puede ser cualquiera es, además de perversa, enormente efectiva, y si me apuras, más inteligente que ese malvado primer terminator interpretado por un Arnol pre senador de California.

Unos detalles de guión

Merece la pena que cualquiera interesado en la construcción narrativa de historias de ficción le heche un vistazo al guión de esta película. Que atienda por ejemplo a las frases finales de las secuencias, a como engarzan a la perfección con la siguiente secuencia (especialmente al principio de la película)

De igual manera la organización del tempo en base a localizaciones (el hospital mental, Cyberdyne Systems, la fundición ) que marcan también una cualidad cromática en la película (blanco, azul y rojo respectivamente) consigue una progresión dramática fácilmente escalable.

Por último el recorrido del heroe, de máquina sin sentimientos, a salvador que se sacrifica (muriendo crucificado previamente) con notables resonancias a la mitología cristiana y a la construcción narrativa clásica convierten este "espectáculo de entretenimiento" en algo mucho mayor.

El fin del mundo

Las películas de James Cameron nacen en un mundo post- política de bloques, sin un enemigo demasiado claro para una película de acción (en Mentiras Arriesgadas encontraría al mundo árabe como nucleo de referencia del terror armado, aunque fuera de una manera tan simplista) Pero todas sus películas comparten un fatalismo optimista bastante reaccionario, pero sobre todo muy, muy simplista. La presencia de "la maquina" como enemigo descontrolado es un lugar común en el cine de ficción ¿cuando serán los humanos los malos? Merece la pena ver Animatrix para darle algunas vueltas a este género de lo cyber. De cualquier manera, y fuera de connotaciones morales, una película para ver una y mil veces... Que gusto.

Leves variaciones para narrar buenas historias: La Factoría Pixar.

Un artículo que he escrito para el Numero 3 del periódico Diagonal, una interesante experiencia de periodismo desde los movimientos sociales. Lo podéis encontrar en .pdf en la web del periódico, además tienen una flamante licencia Creative Commons apostando por la libre circulación del conocimiento. El artículo sale un poco más breve en el periódico de lo que sale aquí (me pasé un pelín con los carácteres)

Volviendo a Regreso al Futuro

Hace unos días, usagi (que escribe por aquí de tanto en tanto) me pasó en DVD la trilogía de Regreso Al Futuro y tuve tiempo de revisarla. Cuando eramos más pequeños recuerdo que mis amigos y yo teníamos discusiones sobre cual era la mejor trilogia de todos los tiempos, nuestras candidatas siempre eran La Guerra de las galaxias, Indiana Jones y Regreso al futuro. Las tres trilogias era inapelables, no había resquicio a la duda o la discusión, eran las mejores y PUNTO.

Con el tiempo uno matiza sus opiniones o al menos incluye El Padrino en las candidatas :=) Revisando las películas este fin de semana me he convencido de que Regreso al Futuro como trilogia no es demasiado interesante (la segunda es bastante malilla, aunque el final sea mítico, y la tercera es un calco poco afortunado de la primera) Pero eso sí, la primera película, la propiamente dicha "Regreso al Futuro" es un prodigio total, una maquina de relojería perfecta, una maravilla de la estructura cinematográfica. En estos días de deconstrucción formal y otras "boutades", o de calco en las estructuras formales y manuales de guión a cual más lerdo (con honrosas salvedades) es estímulante recuperar esa maravilla de guión.

Si amigos y amigas, el guión de Regreso al Futuro es impecable, podéis decir que los personajes son un tanto simplones, puede que sí, pero coger un cronómetro y un cuaderno y apuntar la progresión de la trama. Apuntar cuanto tardan en informarnos del nucleo de la trama, apuntar cuantos giros tiene la historia en sus últimos quince minutos. ¿lo habéis hecho ya?

Pues ahora apuntar cuantos juegos formales se permiten en la primera hora, material de pura comedia basada en la repetición de elementos: el alcalde negro, el director de colegio calvo, los monopatines, el reloj de la escuela, etc, etc.

Y ahora admirar como sus tramas se van engarzando: Marty intentando que sus padres se junten, volver al presente y avisar a Doc de que la noche en la que viaja al pasado es asesinado por terroristas iranies (que si, que si, que los personajes son un poco de cartón piedra)

Y luego disfruten de la sencillez de los diálogos y del humor naive, de la moralina superficial del arco dramático de los personajes (que sí, que son un poco tristones) Admirar como las cosas no se "explican" sino que "se ven" y por tanto "se comprenden".

Maravillénse de Michael J. Fox y su puñetera bis cómica, miren lo que hacen con las cejas y los ojos. Admiren ese recital de aparente sencillez.

Y cuando acaban se acordarán de porque esa película funciona tan condenadamente bien, porque cuando tienes que elegir entre la colección de cintas cual ver acabas viendo siempre "las entretenidas" y no "las buenas" (Según el criterio de algún crítico de postín)

Condensador de flujo, flujeando.

Team America- Gamberrada inteligente.

No dejan títere con cabeza. La nueva película de Matt Stone y Trey Parker dinamita sin piedad todos los puentes del conservadurismo y el idealismo político (de izquierdas y de derechas) rematando de paso cualquier mínima conexión con la extendida norma de lo "políticamente correcto", aunque quizás sus golpes más profundos (y certeros) van contra el cine de acción y catástrofes de Hollywood. Viendo sus impecables secuencias de acción es imposible no pensar en títulos de la "factoría Brukenheimer".

La ironía es casi perfecta, el aparentemente "naive", arbitrario y "retro" uso de marionetas a la Thunderbird permite la distancia formal necesaria para enfrentarnos a la absurda colección de lugares comunes a la que el cine de acción nos tiene acostumbrados, los motivos por los que los protagonistas cambian de opinión son inexplicables, las implicaciones morales de sus acciones van de lo ridículamente superficial a un dramatismo impostado aún más cómico.

Lo que en su anterior película "South Park (bigger, larger, and uncut)" era una sucesión de mala leche no demasiado bien hilada (aunque bastante divertida) aquí se convierte en un fino aparato de relojería narrativa. Viéndola es alucinante como hemos llegado a aceptar sin demasiados problemas toda una serie de lugares comunes totalmente aberrantes: Los terroristas de motivos incomprensibles, los turbantes, los decorados fálsamente realistas, la música "étnica" para ilustrar oriente próximo, etc, etc, etc.

Si la metáfora de la policía mundial absolutamente incompetente, poblada por retrasados mentales "de las mejores universidades de los Estados Unidos" resulta cercana al universo "Bush Jr", los dardos que lanzan contra la supuesta progresia norteamericana y su idealismo ramplón, especialmente contra los actores y las actrices comprometidos de hollywood, es de una incomodidad que hace a uno preguntarse si no estará haciendo algo "mal" mientras se ríe a carcajada limpia. La película ataca sin piedad el imaginario de izquierdas de la mayor parte de occidente: la paz, el idealismo, las buenas intenciones, etc.

Estoy casi seguro de que muchos "progres" se sentirán incomodos viendo como se humilla de manera absolutamente salvaje a Sean Penn, George Clooney, Martin Shenn, Helen Hunt, Susan Sarandon, etc. Sin embargo es necesario mirar un poco más lejos y reconocer en la apuesta de Stone y Parker no una simple "tabula rasa" contra todos (Bush y sus detractores) para que la película sea del acomodo de cualquiera sino más bien al contrario, un disparo certero contra las arbitrariedades que pueblan ambos discursos. En la película se reconoce la ética de los actores y actrices contra la guerra, pero se duda de su capacidad para comprender la complejidad del mundo dividido entre "El Gobierno malo de EEUU y el resto del mundo bueno y esencialmente pacífico" y se duda de su legitimidad como "líderes políticos", lo cual no deja de ser un ataque bastante salvaje a su propio sistema político, no hay rastro de la clase política norteamericana en toda la película, es un país controlado por agencias de seguridad y actores y actrices que se reunen como en la ONU (que, por cierto, tampoco sale muy bien parada)

Quizás la crítica más facilona (puro insulto) es la que realizan contra Michael Moore, parece que los dardos vienen más de una pelea personal (no están deacuerdo con como se reflejan sus opiniones en Bowling for Colombine y pretenden vengarse) que como una apuesta crítica "real" (o al menos vinculada a la trama)

Por último, en el apartado del mal destaca xxxxx (no rebelaré el nombre del malvado terrorista) que, como ya hicieron con Sadam Hussein en South Park representa a un malvado casi más humano (con sentimientos y problemas reales) que los buenos. Realmente simpático.

Todo esto aderezado con palabrotas, eructos, vomitonas y sexo marca de la casa, con una realización impecable y un ritmo trepidante.

Muy recomendable.

Constantine- Una aceptable adaptación.

El pasado viernes fui a ver Constantine, la primera película de Francis Lawrence protagonizada por Keanu Reeves y Rachel Weisz. La película consigue alejarse del modelo de hemoglobina y testosterona con la que hoillywood nos ha ido deleitando en los últimos meses (La Liga de los Hombres Extraordinarios sería un gran ejemplo y Van Helsing, probablemente la película más tonta de 2005, otro aún mejor)

Tomando como base el argumento de Hábitos Peligrosos, la mini serie de tres números que inició la fructifera colaboración entre Jamie Dealano y Garth Ennis que llevó al propio Constantine a cotas de interes bastante elevadas en el noveno arte y al Hellblazer a ser una de las series de más éxito de los noventa, la película construye una intriga relativamente creíble en torno a la lanza con la que se dió muerte a cristo en la cruz (y no avanzo más spoilers)

Resulta especialmente agradable el uso de la magia tradicional (juegos con espejos, complejos rituales, pactos irrompibles, etc.) Antes que los mamporros (tan sólo una secuencia) y Keanu Reeves es aceptablemente creíble en el papel de Constantine, cuyo modelo original (rubio) fue el Sting que tocaba el bajo en Police.

El personaje pierde algo de la oscuridad de los tebeos y se convierte más bien en un simpático cínico que en el tipo oscuro que de tanto en tanto traiciona a sus amigos. para los más fieles comentar que han cambiado por completo el personaje de Charles (ese taxista aguerrido que lleva a Constantine de un sitio a otro) por una especie de Pedrín o Robin descafeinado sin demasiado interés. Hay otros cambios menores (Papá medianoche y demás) pero no cambian- en mi opinión- la esencia del tebeo (aunque supongo que depende del grado de purismo con el que lo viva cada cual)

En general la película es muy entretenida, se deja ver, y no recurre a infantiladas. Para olvidar el personaje de Satán (¿habrá alguna vez un malo que no sea histrónico? ¿No es Satanás un cabrón con rebabas? ¿Por qué en todas las películas se convierte en una especie de drag-queen en pleno subidón de anfetaminas?¿Ya nadie se acuerda del Corazón del Angel? )

Lo dicho.

PD.- ¿Y ustedes como lo ven?